LA ALTERNATIVA

300, cenando en el Hades

2007-03-30T15:30:00.000+02:00

Año: 2007.
Director: Zack Snyder
Lugar: Estados Unidos.
Duración: 117 minutos.

Hace tiempo que Miller dejó de ser el que era, que empezó a realizar obras más humildes y modestas sin la calidad que mostró en sus primeros años, con obras como Batman: Año Uno, Dark Knight, Born Again y Elektra Asesina, entre otras muchas. Fue justamente cuando empezó con Sin City y se quedó anclado en su colección, realizando unos números mejores que otros. Por desgracia, Miller empezó a demostrar su mediocridad, la misma con la que iba a hundirnos en los años 90, a excepción de algunas obras. Una de ellas, a finales de esa misma década, fue 300, su última novela gráfica decente.
Yo la leí antes que del visionado del film, quedé prendado por la puesta en escena mostrada en las viñetas, su lírica y la manera de representar la guerra. El argumento es sencillo y básico, pero el elegante y efectivo envoltorio suple con creces la lectura. Aunque, al contrario de lo que piensan muchos, yo me niego a considerarlo una obra maestra, creo que no pasa de un cómic notable muy bien presentado. Su mejor baza es que se sale de lo común, por mucho que recupere un formato apaisado que dista de ser original, pero Miller se acomoda tanto a él y lo aprovecha de tal manera que lo hace único.
Cuando me enteré de que iban a hacer una película no me lo podía creer, me vi el making off (que fue lo primero que sacaron por la web) y pensaba que no iban a lograr hacerlo bien. Luego me ví el primer trailer y... Aluciné.
Ahora, tras haber visto la película, queda opinar.

La historia va de la batalla de los 300 espartanos contra el innumerable ejército de los persas liderado por el divino (de la mueeeelte) Jerjes en el desfiladero de las Termópilas. El orgullo espartano impide que Leónidas se postre ante el líder invasor y el Consejo no considera la idea de entrar en guerra, porque creen que perderían irremediablemente en una cruenta batalla. Es por ello que toma la decisión de partir junto a un pequeño ejército de hombres con los que demostrará lo mucho que pueden hacer ellos solos luchando con estrategia y orgullo ante un ejército de miles de soldados, dispuestos a cometer una carnicería.

La verdad es que lo primero que quiero resaltar es que viéndola he sentido exactamente lo mismo que sentí leyendo la obra original y eso ya de por sí me parece un logro tremendo. Es más, es tan impresionante en su épica que logra hacerme saltar del asiento en más de una ocasión y dejarme con la boca abierta ante su esplendorosa fotografía, ambiente y sofisticado diseño. En algunas escenas la translación de cómic a cine queda un tanto irregular (véase el momento en que Leónidas echa al foso al primer emisario de Jerjes) pero en otras supera con creces al cómic (la rendición de Leónidas está muchísimo mejor representada y el lanzamiento de la lanza contra el enemigo es inolvidable), quedando así compensada la exhaustiva adaptación que aquí se ha realizado. Porque, además, cabe destacar que se ha respetado prácticamente todo, solo que con algunos añadidos para ofrecer los diferentes mensajes propios de una película de este estilo. Además, puesto que el cómic se lee de un soplo, era conveniente añadir algo de metraje extra, sobre todo para no aburrir al espectador en las batallas.

Eso supone un problema, porque algunas veces se contradice con el resto o queda bastante mal, como por ejemplo el hecho de que dediquen varios minutos mostrando al hijo de Leónidas, en una escena donde pelea con su padre y en otras en compañía de la madre, creo que sobraba un poco dedicar escenas a esto, especialmente en la despedida, donde en el cómic se mostraba más la falta de emoción humana que podían sentir los espartanos, con una simple y contundente frase de la reina. Se nota demasiado que pretendían coger un poco de Gladiator (esos trigales...).
Sin embargo, en otras ocasiones los añadidos son excepcionales y mejoran el resultado final. Yo me quedo especialmente con los tan criticados momentos donde nos es presentado el Consejo, en el cómic apenas aparece y también la mujer de Leónidas cobra cierta importancia inesperada. Lo cual lo considero todo un acierto, puesto que el tema de la violación y el enfrentamiento al Consejo me parecen geniales, lejos de ser algo más politicamente correcto, creo que enriquece el conjunto y sirve perfectamente de pausa ante tanto despliegue de sangre y mutilaciones (sin censura, oiga) en medio de la cruenta batalla. Ni siquiera me parece que quede de pegote o fuera de lugar, así que celebro este tipo de añadidos.

En cuanto a las batallas, solo puedo decir que son BRUTALES.
El único defecto es que creo que las han hecho hasta más fantásticas que en el cómic (¿ese gigante? ¿aquel tipo de las pinzas de cangrejo? ¿un hombre-cabra en una orgía?), quizá resulte demasiado excesivo, pero al menos sirve para ofrecer algo más de variedad en la película, consiguiendo insuflarle cierto aire inverosímil que si eres capaz de disfrutar, puede gustarte mucho, le da cierto toque distintivo. Es curioso que el director pretendiera deshumanizar tanto a los persas y humanizar más a los espartanos de lo que ya había hecho Miller (que son mucho más bestias en la novela gráfica), pero la verdad es que... no me imagino la película sin los elementos fantásticos y sobrenaturales y lo curioso es que casi los he echado en falta en la relectura de la obra original. Claro que ya que calcan el estilo gráfico de Miller en algunos puntos (ese lobo contra el que se enfrenta Leónidas de niño...), no está de más forzar un poco más la nota para dejar bien claro por donde va la cosa.

Por lo demás, ese barroquismo y esa manera de rodarlo me ha parecido sensacional. Hasta da la impresión de que no abusan de los efectos a lo Matrix, no resultan cargantes siquiera y son capaces de ofrecer hermosísimas escenas que dan ganas de enmarcar en los museos. Esos tonos apagados de ocre, ese rojo sangre de las capas de los espartanos, las siluetas marcadas por el sol de fondo, los contrastes lumínicos casi siempre presentes, la apabullante riqueza de las tropas de Jerjes con su imposible (por altura) pero impresionante presencia. Hasta la variedad de personajes es sorprendente, digna de un videojuego de calidad (sin querer decir esto como algo negativo, al contrario, ya les gustaría a muchas películas tener la creatividad de algunos juegos de videoconsola) y todos sorprenden, hasta los Inmortales. Aunque sobraba cierto rostro descubierto, todo tiene un límite.
Aparte de que algunos momentos son como las sombras chinescas realizadas con figuras de papel que recrean batallas (al estilo el principio de Drácula de Bram Stoker) solo que a todo color y tridimensional, a pesar de que la cámara suele hacer un recorrido horizontal. Para ser una batalla de casi dos horas, se me hizo hasta corta.

Lo dicho, una gran adaptación, una película más que disfrutable y algo digno de ver en los cines. No es aconsejable bajársela y no deja indiferente, salvo quizá el horroroso doblaje. Memorable y prácticamente única (de no ser por Sin City).

¿Qué superhéroes te gustan más?

2007-03-12T14:55:00.000+01:00

Pues nada, que aquí tenemos otra meme (o cadena de blogs) que me ha pasado mi amigo SuperPJ y la verdad me parece bastante divertida. Claro que no puede ser más adecuada para aquellos que estamos tan acostumbrados de hablar sobre este género, por muy difícil que sea escoger a unos pocos. He aquí mi lista:

1- Daredevil.

A modo de curiosidad, he puesto un video de DD realizado por aficionados.

Ningún personaje me gusta más que el hombre sin miedo. Cierto que es un pupas, que el pobre siempre va de tragedia en tragedia, con sus mujeres siempre acabando a cuatro palmos bajo la tierra y con una galería de villanos recurrentes o ridículos, tiene el dudoso honor de contar con enemigos de la talla del Zancudo, el Bufón y el Toreador, entre muchos otros.
Pero es aquel que como vigilante temible funciona mejor que cualquiera y es el más interesante de todos los supers por su nada tópica vida.
El abogado ciego de la Cocina del Infierno, que sigue las reglas de la justicia legal y las desprecia cuando cree que no funciona como es debido. Un hombre religioso y atormentado que, pase lo que le pase siempre se levanta, siempre tiene una mano amiga ayudándolo y siempre está dispuesto a todo por el bien de muchos. Nunca se rinde y por mucho que tenga uno de los mejores villanos que jamás haya dado Marvel: Kingpin, siempre acaba buscando la manera de salir airoso del asunto. Aparte, ningún superhéroe tiene unas etapas tan redondas y logradas como él, ninguno ha sufrido sus tragedias con esa calidad de desarrollo, teniéndolo todo en contra y cambiando constantemente de status quo. No me cabe ninguna duda cuando digo que es mi favorito, y si su serie regular sigue con esa calidad (Brubaker coge el testigo de Bendis con maestría) seguirá siendo así por muchísimo tiempo.

2- Lobezno.

Wolverine: Last Call, un video hecho por aficionados que, si no te ries, tienes un serio problema. Acojonante el maquillaje del canadiense.

El que te guste este personaje se convierte en una especie de predilección masoquista, es de los más maltratados por las editoriales y los autores, constantemente en manos de una docena de guionistas que tiran de él de un lado a otro sin saber dónde dejarlo exactamente y regresando siempre a lo mismo.
Sin embargo, siempre será mi preferido, ya que desde que lo vi en la serie de televisión de los 90 de X-men, quedé prendado de él cuando yo iba a tercero de primaria y tuve la suerte de "ser él" cuando todos jugábamos a ser los miembros de la Patrulla-X. Por ello, pase lo que pase, siempre acaba siendo de los personajes con los que más disfruto.
Aparte, qué coño, es la leche. Se trata de un viejo que debe rondar los cien años pero no los aparenta por su factor curativo. Es una especie de Clint Eastwood y Han Solo que va a su bola, siempre impredecible y dispuesto a cortar cabezas si es necesario. No se trata de un personaje atípico porque es un anti-héroe a la vieja usanza, pero él inició esa moda cuando Claremont y Byrne profundizaron en él a finales de los 70. Su relación con la japonesa Mariko, con Alpha Flight, con los personajes de la segunda génesis, (especialmente con Ororo y Rondador, por no decir Kitty) su rivalidad con Dientes de Sable, su amor no correspondido (Jean Grey, debiste haberte ido con él hace tiempo), su fuerza y nobleza inquebrantables, esa educación de samurai... No me cabe duda, cuando me preguntan qué mutante es mi preferido lo tengo clarísimo. Qué pena que en Marvel no tengan ni puta idea.

3- Batman.

Iba a poner el famoso video de Dead End, pero este creo que es bastante más descriptivo.

De pequeño siempre me encantaron los personajes tenebrosos, aquellos que tuvieran un aire oscuro y temible, por ello hasta los villanos del tipo Drácula; con elegancia y absoluta maldad (como Mr. Siniestro o incluso el mismísimo Freezer de Dragon Ball) me encandilan desde siempre. Y Batman era eso, solo que siendo un superhéroe.
Lo curioso es que el personaje me fascinó gracias a las películas de Burton, especialmente con Returns, donde verle con Catwoman y un Pingüino que no tenía nada que ver con el de los cómics me resultaba todo un espectáculo. Luego, con la serie de Bruce Timm no tuve más remedio que caer rendido a sus pies, es el tipo de superhéroe que tiene muchísimo juego. No obstante, tiene una de las mejores galerías de villanos que hayan existido: -Joker, Dos Caras, Poison Ivy, Harley Quinn, Bane, Mr. Freeze, Ra´s Al Ghul... Por no decir secundarios: -Comisario Gordon, todos los Robins que ha tenido a su cargo (mi favorito es el actual, especialmente por lo ocurrido en Crisis de Identidad), la comisaria de Gotham entera, Alfred, etc. Si a esto sumamos una ciudad con vida propia como pueda ser Gotham City, no cabe duda de que Batman es uno de los mejores personajes de ficción que hayan existido. Una pena que pocos sepan sacarle tajada.

4- Spiderman.

Por la inminente llegada de la tercera parte, no puedo resistirme a dejar este trailer creado por fans, está muy logrado.

Je, cómo no.
Que levante la mano quien viera la serie de televisión de los 90.
Pues eso, yo siempre fui fan de este personaje, tan dinámico y único, es sin duda con el que más te puedes identificar. No obstante, se trata del trepamuros, el héroe adolescente que usa sus poderes con responsabilidad (no hace falta decir esa trillada frase de su tío Ben, ¿verdad?) y siempre buscando la manera de llegar a casa a tiempo, para que su tía no se sorprenda al ver la cama de su dormitorio vacía. Y es que su sobrino siempre ha sido tan débil...
Aun así, arriesgándome a ser polémico, debo decir que mi versión preferida es la Ultimate. Y lo dice alguien que tiene los tres tomos de Lee y Ditko, el John Romita entero, los dos coleccionables que han salido, la horrible etapa de Mackie y Byrne más lo de Straczinski. Sin embargo, no puedo evitar decir lo mucho que me encanta ese adolescente actual, de noviazgo con Kitty Pryde y sin sufrir la sobreprotección de su tía anciana. Disfruto mucho con sus aventuras y, al igual que Batman, tiene villanos de mucha categoría, tales como el Duende Verde, Veneno, Dr. Octopus, Morlun... Aparte, es el que más suerte ha tenido en cuanto a largometrajes en Marvel. Aún así, seguiré el Ultimate con más fervor, por chocante que suene eso.

5- Tormenta.

A falta de un video que le haga justicia, me he decantado por esta imagen.

La diosa que perdió a sus padres en el Cairo.
Nadie como ella y nuevamente se trata de otro personaje hastiado. No obstante, en USA al menos tiene un camino fijo, pero con autores incompetentes.
Yo la Tormenta que reinvindico es la Ororo de Claremont. Cuando ella era especial, un personaje femenino diferente, de otras costumbres y confusa por el desarrollo de occidente. No, ella no comprendía por qué llamaban desarrollo a la polución, por qué tantos tabúes y por qué no apreciamos la vida tanto como el dinero y lo material. Era el miembro de X-men que más trató de marcar una diferencia, siempre en conexión con la naturaleza y tratando de entender los métodos de Lobezno, siendo amiga e instructora de Kitty Pryde. Tuvo un desarrollo muy interesante cuando se encontró con Yukio (con connotaciones lésbicas incluidas) y luego perdió los poderes en uno de los mejores capítulos de X-men que haya leído nunca: Muerte viva. Me pareció realmente original el tratamiento, con cierto romance con Forja incluído.
Qué pena que hoy en día sea una sombra de lo que era, aun espero que salga un autor dispuesto a hacerle justicia. Lo merece.

Y de extra...

6-SUPERLÓPEZ.

Con la maravillosa versión en 3D de Enrique Gato, fabulosa.

Como pa no ponerlo en la lista.
Es el superhéroe patrio por excelencia, que se quiten Pafman y Calico Electrónico, la parodia de Jan tiene una personalidad tan definida y unas aventuras que harían palidecer a la versión original de la que se ríe. Es cierto que en los últimos álbumes el autor no está tan inspirado, pero Juán López sigue siendo un personaje muy carismático y cercano a los lectores, vive en la Barcelona mejor retratada que haya visto con un plantel de secundarios más que envidiable.
De todas sus historias me quedo con la Gran Superproducción ("larga un cilindrín, fotero"), Viaje al Centro de la Tierra, el Supergrupo, los Cabecicubos, La Semana más larga y Los Alienígenas. Geniales todos ellos e indispensables para toda tebeoteca que se precie.

Y eso es todo, le paso la meme a IvánN Díaz, Samanosuke, a Adolfo Rodríguez, a Jack Creeperillas y a Jordojopo (a ver si me hace caso de una vez).

Dreamfall, la secuela de Longest of Journey

2007-03-09T15:01:00.000+01:00

The Longest of Journey fue muy novedoso para mí, por su premisa de dos mundos y la fantasía en una Aventura Gráfica, que tampoco es que se prodigue mucho (al menos con un trato serio), lo cual supuso un soplo de aire fresco. Aparte, April Ryan y los secundarios de ambos mundos (Stark y Arcadia) son difíciles de olvidar, a pesar de que los diálogos sean excesivamente extensos. Por eso, cuando me enteré de que estaban haciendo una segunda parte que ha tardado lo suyo en salir (cinco años desde la primera) completamente en 3D y con otro personaje principal como protagonista, no podía esperar. Sin embargo, las primeras críticas fueron desalentadoras, de las que uno prefiere no hacer caso, ya que criticaban en exceso el sistema de juego y además aseguraban que el final se queda abierto a secuela, que ni siquiera vemos terminar la historia. Por tanto, cogí este juego con bastante recelo y cautela.

¿Y qué me encuentro? La historia de Zöe Castillo, una chica que parece un trasunto de la April Ryan de la primera parte, que tiene visiones sobre una niña parecida a la de la Señal (pelo negro tapándole el rostro incluido) en las pantallas por las que ella pasa. Después, vería como su ex-novio Reza se mete en un caso de periodismo bastante peliagudo que lo lleva a su desaparición, ello motiva a la protagonista en una búsqueda para descubrir dónde fue a parar su mejor amigo en una trama donde nada es lo que parece y algo muy gordo va a suceder, teniendo todo relación entre sí.
Lo cierto es que en un principio me dejó frío, el personaje protagonista no me parecía memorable (pero si es un trasunto de la prota de la primera parte) y la trama muy simple, por no decir que me desilusionaba el hecho de que pareciera no tener relación con el Longest anterior. Hasta que nombran a April en una memorable escena y acto seguido te ves obligado a regresar a Newport… unos cuantos años después.

Entonces la cosa se pone muy pero que muy interesante y ya no te puedes despegar de la aventura, argumentalmente es una gozada, tiene una de las mejores historias que haya visto en un videojuego, no solo en una aventura gráfica, sino en general.
Cosas como regresar a sitios que ya habías explorado en el juego anterior como si fueran nuevos es toda una proeza, aparte de que tenemos a tres personajes manejables esta vez. Una es la ya mencionada Zöe, el segundo se trata de un azadí (habitantes de Arcadia que están tratando de gobernar el mundo por orden de las Seis, una religión bélica muy parecida a los cristianos de la Inquisición) llamado Kian Alvane y finalmente… para sorpresa de muchos, una cambiadísima April Ryan que no la reconocería ni su madre. Lo digo en el buen sentido, ya que no se trata de la misma chica inocente y entusiasta de la primera parte (Zöe está ahora para eso), ahora ha madurado y es parte de Arcadia, quedándole Stark muy lejos.

Es una gozada contemplar tres historias diferentes que se entrelazan entre sí hasta un final tan inevitable como impredecible, abierto a secuela, la cual va a estar realizada de la peor de las maneras, ya que pretenden sacarla por episodios de pago en una página web, lo cual me resulta realmente decepcionante.
Pero nos salimos del tema, lo cierto es que este juego quizá sea de los mejores que se puedan encontrar en el género, argumentalmente hablando, por mucho que la trama esté lejos de acabar. Sobre todo porque hay cierta ambigüedad en la trama y los personajes son muy dispares pero tienen su parte de protagonismo, por no decir carisma. Lo mejor son los lazos con la primera parte, cosas como el regreso de viejos amigos de April y comprobar cómo ha afectado el paso de los años a algunos, la verdad es que es una experiencia muy agradable.
Por tanto, cabe decir de primeras que el juego pierde mucho si no has jugado al anterior, ya que no tienes cierta parte afectiva que engancha mucho más en una historia que por sí sola ya funciona a las mil maravillas.

En cuanto a los gráficos, son asombrosos, quizá los mejores que hayan existido hasta ahora en una aventura gráfica.
Los diseños son muy buenos, bastante variados y ayudan a creerte bastante más el mundo de Arcadia y Stark, que ahora están menos diferenciados por el acontecimiento final de la precuela, que tuvo nefastas consecuencias que no han hecho más que empezar. Los escenarios están muy trabajados, soberbiamente recreados, tanto que hay momentos en los que es inevitable pararse a contemplarlos, sobre todo cuando visitas un nuevo sitio y tienes que dirigirte de un lugar para otro. Además, al contrario de lo que le ocurre al Broken Sword 4, ya que es otra aventura gráfica actual que destaca en ese apartado, el entorno está muy bien estudiado y los espacios son muy creíbles, nada de campos de fútbol dentro de las casas, ya que hasta la cámara sigue al personaje a la perfección. De hecho, la puedes manejar tú mismo con el ratón.
No hay escenas cinematográficas con motor render, sino con el del juego. De todas maneras, es innecesario, tal es la calidad del modelado de los personajes y el entorno que les rodea, no se echa en falta ni por asomo.
Es más, lo único que se les puede achacar es que quizá sea un poco rígido en cuanto a movimientos (el personaje inicial parece acartonado en ese aspecto) y algunas expresiones faciales poco logradas.

Si a todo esto sumamos una banda sonora excepcional y unos efectos de sonido y ambiente logradísimos, podríamos decir que estamos ante un clásico moderno.
Por desgracia, lamento decir que no es así.

No solo porque la aventura no acabe (si encima sumamos a esto la terrible idea de seguir en un formato distinto como pueda ser la venta de episodios por internet, apaga y vámonos), sino porque no hay juego.
Esto significa que no hay apenas puzzles, solo encontraremos tres a lo largo de la aventura y para de contar. Suena increíble tratándose del género de los acertijos, los interrogatorios y el uso de objetos, pero es que encima en esto último solo tenemos la posibilidad de coger seis cómo máximo y se juntan dos muuuy de vez en cuando y en cosas muy evidentes. Lo dicho, la aventura se resuelve de un plumazo, el único quebradero de cabeza será alguno de los tres puzzles anteriormente mencionados porque el resto te lo pasas andando de un lado para otro y de recadero, hablando y desactivando puertas. Por no decir que tenemos un alto componente de infiltración con el que debes lidiar con sumo cuidado, ya que en esta aventura puedes morir y te dejan empezar de nuevo desde el último auto-guardado. En definitiva, casi no es una aventura gráfica, de no ser porque algunos elementos se mantienen, pero es que poco le ha faltado para convertirse en una película interactiva al estilo Dragon´s Lair.

Y por esto el resultado se desmorona totalmente, lo cual es una lástima, porque de haber tenido una mecánica de puzzles competente habríamos estado ante una joya, por la calidad del resto de los apartados. Una ocasión desaprovechada para un juego recomendable solo para aquellos que quieran seguir un buen argumento con unos gráficos preciosistas, porque los amantes de las aventuras se verán profundamente decepcionados.

Los Coleccionables (Segunda Parte)

2007-03-08T10:54:00.000+01:00

Fue entonces cuando llegó el ansiado segundo coleccionable de Spiderman, propiciado por la secuela en los cines. Un poco mejor que el primero, reunía sagas tan memorables como la de la Muerte de Kraven entre otras como la continuación de la muerte de Jean DeWolfe y el desenlace del Comepecados. No obstante contó con la nueva etapa de Gerry Conway (tan memorable como la primera que realizó a principios de los 70) y una serie de números de Peter David, unos mejores que otros. Tambíen podíamos ver dibujantes más atractivos para el público, como son Erik Larsen, McFarlane (el creador de Spawn empezó a triunfar con el trepamuros) y, en menor medida, Alex Saviuk. Sin embargo, se trata de la época de la batalla entre los derechos, la llegada de Panini a España, que dejó “viuda” a Planeta de Marvel, por lo que los 50 números que prometieron en un principio fueron acortados en 40, para desgracia de muchos fans.

La verdad es que con Panini creíamos haber perdido los coleccionables para siempre, sin embargo ha sido todo lo contrario, porque ahora tenemos una etapa dorada donde tanto esta editorial como la de Planeta se dedican a competir con este formato, la variedad es ahora mayor y las condiciones han cambiado por completo.

Antes cada número costaba unos nada despreciables tres euros, pero ahora que no se cuenta con las páginas originales de Forum, que se tienen que pedir los materiales desde la editorial de origen, rotulando y traduciendo de nuevo, los costes han subido y el precio también, a unos 4 euros el número. Sin embargo, el inconveniente de la subida trajo también un mayor aumento de calidad, porque ahora tenemos una rotulación más moderna, con una traducción más actual (aunque no siempre es mejor, ojo) y una calidad en el color mucho mayor (adiós a las tramas). Esto se pudo comprobar en los dos primeros que sacaron tanto Planeta como Panini. La primera debutó con Batman y la segunda con los 4 Fantásticos. Ambas por el estreno de Batman Begins y los 4 Fantásticos en los cines.

Lo cierto es que ambos coleccionables fueron realmente desafortunados, reuniendo etapas poco agraciadas e inexplicablemente desacertadas. Menos mal que en el caso de Batman sacaron también una colección de tomos en tapa dura recopilando las andanzas de R´As al Ghul, el villano de la película, mucho mejor material que el que fue destinado para el coleccionable. Aunque este ganara mucho en suscripción (los cuatro tomos del mes, recordemos que son semanales, recopilados en tomos de tapa dura de gran calidad) y con un papel satinado que era de agradecer y justificaba con creces el precio.
Aunque hablando del material, arranca muy bien con sagas imprescindibles del personaje, como son Año Uno y Una Muerte en Familia, para acabar con la horrible etapa de los noventa del personaje, que cuenta con la mitad protagonizada por un tipo que se hace llamar Azrael, es decir, ni siquiera es Batman, ni tan siquiera Bruce Wayne, algo que despistaría y, lo que es peor, espantaría a más de un comprador que viene interesado tras ver la película. Un auténtico desastre, sin duda.

El de los 4 Fantásticos no es mucho mejor, de hecho Panini no sigue las indicaciones de Planeta y se atreve a sacar un coleccionable cuyo papel es, siendo lo más justo posible, apestoso e intragable, un peligro tóxico que si se moja se arruga de la peor manera posible. Si al menos el material fuera bueno… pero no, tenemos de nuevo etapas de los noventa y encima demasiado actuales. Es decir, ¿quién se va a interesar por la etapa de Claremont y Larroca si se puede adquirir en unos baratísimos retapados? Aparte de que la etapa es casi de los mutantes, el guionista se dedica a hacer una colección semejante a Excalibur, lo cual ayuda poco a quienes pretendan probar con el cuarteto fantástico. Menos mal el final de la misma (con Muerte dando por saco en una de sus mejores sagas) y la etapa siguiente es mucho mejor, con Pacheco y Marín de por medio, el problema es que esos cómics los sacaron hace unos dos o tres años y aun están asequibles y alcanzables para el público. En definitiva, otro desastre por parte de la otra editorial.

Por suerte, de los errores parecen haber aprendido y ambas editoriales prueban de nuevo este año con dos coleccionables de gran calidad, como pueda ser la continuación de X-men (tan esperada, que con la secuela en los cines no se atrevieron a hacerla, tuvimos que vernos con una colección de tomos en tapa dura con las Eras de Apocalipsis y esperar a la tercera de X-men) y el Superman de Byrne por parte de Planeta, por el estreno de Superman Returns de Bryan Singer.
La verdad es que, aunque no hayan acabado ambos en el momento en que lo escribo, puedo decir que reúnen las mismas características que sus antecesores en la editorial. Es decir, el de X-men es igualito que el de los 4F, con la diferencia que el papel ya no apesta tanto (pero sigue siendo horripilante, ¿tanto costaba el satinado, señores de Panini?) y las portadas pueden verse en grande, con fichas, artículos y una excelente impresión. Superior en todos los sentidos (excepto en el papel) al anterior. El de Superman también es igual al de Batman, lo cual no es una mala noticia en absoluto, más bien lo contrario, ya que la selección es mejor. El problema es que los escaneados son una injusticia, destrozan la calidad que atesoran estas páginas, es una verdadera lástima.

Y próximamente es posible ver un tercero de Spiderman tras su película (aunque se dice que el de la versión Ultimate, cosas que pasan), con el Motorista Fantasma no aprovecharon y a ver qué hacen con la secuela de los 4F. Por su parte, Planeta lo tiene fácil con la secuela de Batman Begins (que se llamará Dark Night) y parece que tendremos la interesante etapa de Tierra de Nadie. Permanezcan atentos a sus pantallas.

Los coleccionables (Primera Parte)

2007-03-07T09:29:00.000+01:00

Dediquémonos a hacer un repaso sobre los coleccionables.
Esas ediciones tan baratas y asequibles que abarcan etapas muy largas de colecciones que antes era casi imposible hacerse con ellas si no era desembolsando una gran cantidad de dinero y para colmo en condiciones lamentables.
El que comenzó todo esto fue Alejandro M. Viturtia, el antiguo editor de Planeta de Agostini cómics, cuando esta editorial tenía los derechos de Marvel. Cabe destacar que el inicio fue realmente al notar que los cómics clásicos solo se podían obtener de forma barata a partir de ediciones en blanco y negro (ya sabéis, Bibliotecas Marvel), cosa que fastidiaba bastante a aquellos fans que deseaban la edición original, es decir, a color. Se hablaba de la necesidad de publicidad para poder llegar al público con la mayor facilidad posible. Dicha publicidad llegó gracias a la primera adaptación de Marvel a la gran pantalla (si obviamos Blade, claro): X-Men de Bryan Singer.

El primer coleccionable tenía algunas carencias que los siguientes no tuvieron, nótese la falta de portadas y algún que otro material inédito que venía de perlas para seguir la colección con el mayor completismo posible. Cosas como la miniserie de Lobezno y Kitty, la novela gráfica Dios Ama y el Hombre Mata, alguna que otra saga donde los personajes aparecían, etc. Esto se debía a que Planeta hacía uso de la primera edición de la colección de Patrulla-X, la primera que Forum sacó en España, con la misma rotulación y traducción, hasta el mismo papel y tamaño. Por ello, los costes eran menores y podían permitirse vender un tomo de ochenta páginas a unas asequibles quinientas pesetas de las antiguas, con ofertas como el primer número a cien pesetas y alguna entrega con dos al precio de uno. Este primer coleccionable tuvo incluso alguna que otra reedición, por el éxito que tuvo, lo cual no es de extrañar teniendo en cuenta su calidad y su cantidad con tan poco dinero. Leer la segunda etapa de los X-men (la primera fue iniciada por Stan Lee y Jack Kirby, en USA fue un fracaso en ventas y la tuvieron que cancelar) toda seguida es una gozada, se trata de las mejores historias jamás protagonizadas por los mutantes, con grandes sagas como la de Proteus, el Club Fuego Infernal, Fénix Oscura, Muerte Viva, el Nido, la miniserie Lobezno: Honor… Lo mejor de lo mejor, una pena que falten las portadas, pero al menos tenía algunos artículos bastante notables.

Tras el éxito del primer coleccionable de Planeta, la editorial decidió probar con sacar otro sin película que potenciara la publicidad del mismo, esta vez tocó la estupenda etapa de John Byrne frente a los 4 Fantásticos, casi nada. Aunque seguía siendo el mismo formato y extraído de la edición original de Forum, el precio también fue el mismo y se mejoró con la inclusión de las portadas, aunque se veían bastante pequeñas fueron de agradecer. Nuevamente con suscripción (tema que se me olvidaba comentar) y debo decir que es muy recomendable el material recopilado, con John Byrne en estado de gracia, escribiendo la que es una de las mejores etapas del cuarteto fantástico. Resulta curioso que los editores (Viturtia en este caso) desaprovecharan esta etapa para la película, pero lo cierto es que en aquellos momentos, aunque había una gran expectación por los proyectos de adaptación de superhéroes, no había la seguridad que tenemos hoy en día a la hora de adaptar un cómic u otro.

Los siguientes, sin embargo, sí que fueron aprovechando las adaptaciones y además muy acertados, con etapas muy apetitosas para el aficionado. El infame largometraje de Daredevil (en mi opinión) nos dio la posibilidad de disfrutar el DD de Miller, con una etapa de O´Neill y Mazuchelli de por medio, acabando con algunos especiales un tanto bizarros y con el imprescindible Born Again. En definitiva, otro acierto indiscutible por parte de la editorial y con las mismas características que los anteriores, el mismo tamaño en las portadas incluso. Sin embargo, tras la célebre adaptación de Spiderman, de la mano de Sam Raimi, tuvimos el primer coleccionable que no reunía una etapa concreta de gran calidad, con altibajos y saltando de una colección a otra (ya sabéis, el trepamuros tiene varias colecciones: Amazing Spider-man, Web of Spider-man, Peter Parker The Sensational Spider-man…). No es que fuera un mal coleccionable, pero desde luego habían números que estaban bien y otros que eran de vergüenza ajena, con varios dibujantes por el camino, unos más acertados que otros (nótese mi “predilección” por Milgrom y menos mal que estaba un primerizo pero inspirado John Romita Jr.). Aún así, fue un éxito considerable.

Y entonces llegó la adaptación de Hulk de la mano de Ang Lee, por lo que aprovecharon para sacar uno de los mejores coleccionables que se puedan encontrar. Indiscutiblemente el Hulk de Peter David es de lo mejorcito que se pueda leer de Marvel, sobre todo por lo bien desarrollado y cerrado que está. Se trata de una de las etapas emblemáticas del personaje, por no decir que está publicada de maravilla, en el sentido de que no se dejan nada importante en el tintero y, encima, tienen la gran idea de terminarlo con el especial Hulk: The End, muy apropiado teniendo en cuenta que está realizado por los mismos autores de las mejores sagas del coleccionable, ofreciendo así un producto muy completo y satisfactorio.

Sin embargo, aunque éste reúne las mismas características que los anteriores, el tamaño ya es comic-book, esto se debe a que es el primer coleccionable que se acerca a los números más modernos, de los 90, y entonces Forum ya sacaba sus cómics con el tamaño que todos conocemos.

El siguiente, no obstante, sería el primer fracaso, Punisher tuvo una adaptación más o menos decente pero es un personaje que nunca ha tenido una etapa demasiado convincente o al menos sólida y lo suficientemente larga (Garth Ennis se está ocupando de ello en la actualidad). Es por ello que pocos aficionados se decantaron por comprar esta colección y se acumulaba en las librerías. Hizo que los editores se lo pensaran dos veces antes de sacar cualquier cosa, el formato no era infalible y menos si reunía colecciones un tanto dispersas entre sí con un personaje que no es tan popular como para sostenerse por sí mismo.

En el próximo post continuaremos con el último coleccionable que sacó Planeta y la lucha por los derechos con una nueva manera de realizar las colecciones con este formato. No os lo perdáis.

El Motorista Fantasma, ni tan mala ni tan buena

2007-03-05T13:36:00.000+01:00

Año: 2007.

Director: Mark Steven Johnson.

Duración: 114 minutos.

País: Estados Unidos.

Antes de empezar, debo decir que no soy fan del Motorista Fantasma y solo habré leído unos tres cómics sobre el personaje antes de ver su adaptación fílmica.
Pero lo cierto es que es fácil quedarse con una idea de lo que es el personaje, especialmente cuando lo has leído tanto de secundario (o haciendo team-up con algún personaje principal de cabecera) en diferentes colecciones. Aunque cabe decir que no es un personaje tan sencillo como parece, porque es de los pocos de Marvel que ha tenido descendiente o sucesor en cuanto a los poderes y el nombre, hay dos motoristas: Johnny Blaze y Danny Blake. Obviamente, para el film han optado por el primero, el original.
Pero lo cierto es que algo me daba mucho miedo en esta película, el director: Mark Steven Johnson. El que perpetró aquella adaptación de Daredevil que, para mi gusto, fue un bodrio que pide a gritos una versión del personaje que le haga justicia, de hecho ya dejé por aquí una reseña atacando todo aquello que me disgustó, que no es poco.
Por tanto, no es de extrañar que fuera al cine sin esperarme absolutamente nada.

Johnny Blaze es un motorista apasionado que adora el peligro, no le importa lo grande que sea el desafío mientras pueda sentir la emoción y el clamor de la gente que tiene a su alrededor. Está enamorado de Roxane, una chica con la que pretende huir en cuanto pueda, para vivir con ella. Por desgracia, su padre se está muriendo por culpa del cáncer y es entonces cuando recibe la visita del diablo: Mefistófeles, en persona, que le ofrece el trato de curar a su progenitor a cambio de que quede a su servicio siempre que lo necesite. El muchacho accede, pero aunque el trato se cumple, su padre muere en extrañas circunstancias, dándole a entender que nunca jamás podrá estar con nadie, ya que puede convertirse en su mayor punto débil.
Años después, Johnny sigue con sus espectáculos de riesgo, sin morir ni verse afectado en peligrosos accidentes. Mefistófeles lo quiere para detener a su propio hijo: Blackheart, que quiere el poder del infierno para sí con el manuscrito de las almas malditas. Así es como nacerá el Motorista Fantasma, mandado por el diablo para detener a un mal mayor.

Qué decir, sinceramente me gusta mucho la trama y el origen no está mal contado en absoluto, de hecho es perfecto para introducir a cualquiera que no conozca al personaje y es muy fiel al cómic, por lo que he podido ver tras investigar después del visionado.
Muchas críticas han llovido y casi todas negativas, esta película es, junto a Catwoman, Elektra y Punisher, la más odiada por el fandom y los críticos tampoco es que la alaben precisamente. Esto es debido a que no ofrece nada nuevo más allá del aspecto estético del personaje protagonista o los elementos del infierno, (al menos en el género de los superhéroes) ya que la trama es muy sencilla y va del típico “malote chulo-playa” que quiere conquistar el mundo obteniendo un poder que solo puede conseguir chantajeando al gran héroe con su amada desvalida en apuros. Es algo tan manido que a la hora de verlo nuevamente en un film, ya cansa, especialmente con el aluvión de adaptaciones de cómic que tenemos últimamente. Uno espera más.

Especialmente con un personaje como el Motorista, que puede ofrecer una visión más oscura del género, más terrorífica y menos complaciente, a medio camino entre película de terror y de acción. Algo que habría quedado genial y aquí no vemos, ya que el señor Steven Johnson ha optado por una visión bastante más light y de comedieta, que no es del gusto de todos y ha decepcionado a más de uno. Algo que puede resultar comprensible pero no comparto, ya que se veía venir lo que nos ofrecían desde un primer momento, con esos trailers y esas declaraciones, la película no engaña a nadie.
Por tanto, por mucho que podría haberse hecho mejor (sin duda, todo puede hacerse mejor, hasta el X-men de Synger, por mucho que el resultado haya sido grato y coherente), lo que hay tampoco es tan malo como para rasgarse las vestiduras, dentro de lo típico resulta divertido y hay momentos en el guión que a mí me parecieron geniales. Por no decir que, al contrario que ocurrió con Daredevil, no tenemos el equivalente a escenas tan sonrojantes como la pelea de Matt y Elektra en medio del parque a la vista de todos o eso de que reciba una mortal herida en el hombro que, de repente, desaparece.

Diablos (nunca mejor dicho), esta vez el señor Johnson nos hace el favor de no hacernos una pelea final apresurada contra Mefistófeles, como ocurrió con Daredevil y Kingpin en una de las peores peleas fílmicas que haya visto, por apresurada y sin venir a cuento. No quiero que parezca que justifico la película por los defectos de otras, esa no es mi intención, lo que yo quiero decir es que el director se ha superado y aunque no haya acertado con el tono se nota mucho que disfrutó con esta película, sin pretender hacer el largometraje del siglo. Él quiso hacer su propia interpretación y aquí la tenemos, puede gustar más o menos, pero lo cierto es que el resultado, sin ser del todo brillante, creo que es más que correcto.
Precisamente porque algunas cosas me gustan bastante, como la relación entre Roxane y Johnny, la primera queriendo quitárselo de encima sin éxito, sucumbiendo a su insistencia a pesar de que siempre acaba dándole calabazas y, para colmo, le cuente cosas imposibles como excusa (enorme la escena en que, todo serio, pretende explicarle cómo se convierte en un motorista con un cráneo en llamas por las noches, tremendo). Aparte de que, al contrario de lo que dice el gentío, no me parece la típica dama en apuros, la veo con la suficiente personalidad como para ser solo una mujer florero. Peor me parece la Mary Jane de Spiderman.

Por no decir que el Motorista MOLA.
¿Qué no? Joder, la transformación, el primer recorrido destrozándolo todo a su paso (por no decir que pensaba que iban a obviar la destrucción, cosa que me agradó ver con cierta importancia de peso en la trama), el uso de las armas (esa cadena), cuando transforma la moto, su subida por el edificio, la primera vez que utiliza la mirada de penitencia, el ataque en la cárcel… Todo, es un festín de efectos especiales muy disfrutable, con un Nicholas Cage pasándoselo en grande y dándole una personalidad propia al personaje. Otras cosas que me parecieron muy acertadas fueron la historia del jinete como elemento necesario para introducir al pobre Blaze dentro del mundo fantástico en el que se ve sometido de repente y todo lo que tiene que ver con la investigación policial, con el inesperado encarcelamiento del protagonista, viéndose obligado a dejar de ser un famoso perseguido por sus fans.
Vale que falla en los villanos del tipo “Embrujadas”, que podrían haberse currado más los diseños y tal, pero no me parece que el resultado sea como para agarrarse de los pelos y empezar a despotricar contra la película.

De hecho, lejos de ser un filme de visionado obligado, es cine de palomitas recomendable, para pasar una tarde entretenida mientras ves el espectáculo. Sinceramente, creo que esta película está a la altura de los 4 Fantásticos y por encima de Catwoman, Daredevil, Elektra, Punisher y hasta Superman Returns, cosa que pocos compartirán conmigo. En definitiva, recomendable, siempre que sepas lo que vas a ver.

Broken Sword 4, aprendiendo de los errores

2007-03-02T15:19:00.000+01:00

Me encanta la saga Broken Sword. Desde el primer juego he seguido las andanzas de George Stobbart y Nico Collard para resolver los misterios de los templarios o los aztecas, lo que tocara de un día para otro. Si bien la primera parte fue y sigue siendo una gozada que todo buen jugador de aventuras gráficas debería jugar aunque fuera una sola vez en su vida, la segunda fue menos acertada por su historia, al estar menos elaborada y con una segunda mitad realmente agobiante (aunque tuvieron el acierto de salirse del tema cristiano, eso sí) aun siguiendo con cierta calidad envidiable, eso sí. Siendo la tercera la peor de toda la saga por su sistema de juego, su desarrollo y su horrible guión. Como se puede notar, creo que las entregas fueron de más a menos, deseaba que la cuarta parte rompiera ese hecho y Broken Sword volviera a brillar como antaño, veamos si eso se cumplió.

Sobre la historia en sí, regresamos a los templarios (qué originalidad), pero esta vez al menos se recurre a los hechos históricos con datos de ficción a lo Dan Brown, algo de lo que se burla el mismísimo George en uno de los momentos del juego. Siendo injusta la comparación, por otro lado, ya que el primero de la saga salió mucho antes de que El Codigo Da Vinci y Ángeles y Demonios alcanzaran cierta fama.
Todo comienza cuando una misteriosa chica llamada Anna Marie llega a la oficina de patentes del protagonista, que se verá obligado a escoltarla y protegerla de unos mafiosos que pretenden robarle un manuscrito para poder conseguir un tesoro inalcanzable, perdido desde hace mucho tiempo. Ambos personajes se verán obligados a recuperar dicho documento para conseguir el hallazgo antes que nadie, procurando que los mafiosos italianos no lleguen antes y hagan salami (si queréis pillar la referencia, jugad al juego) con ellos.

Lo cierto es que regresamos, como ya he comentado antes, a la Historia (así, en mayúsculas) con retazos de ficción, siendo esta vez la popular Arca el objeto a encontrar. La verdad es que los guionistas supieron perfectamente como tratar el tema y se nota muchísimo que quisieron esmerarse por los terribles resultados obtenidos en la tercera parte, donde todo parecía valer y predominaba más la ciencia ficción futurista que un buen uso de material histórico manipulado como pudimos ver tanto en la primera como en la segunda parte. Otro dato importante que destacar es que esta vez regresamos también a los giros argumentales donde nada es lo que parece y los personajes mienten, nada de un guión lineal aburrido que consiste en una persecución constante o en ir de un sitio a otro para buscar pistas. No, en esta cuarta parte tenemos de todo, desde un encarcelamiento hasta una resolución de puzzles en los subterráneos de un museo. No es muy original si tenemos en cuenta que ya lo vimos en las partes anteriores, pero lo que cuenta es que está tratado de una manera diferente. Aparte, en un principio acompaña el enigmático personaje de Anna Marie, que parece estar muy involucrada en el asunto, más de lo que aparenta a primera vista.

Como se puede ver, los programadores tuvieron en cuenta todos los errores de la tercera parte y se volcaron en solucionarlo, se nota en absolutamente todos los apartados. Hasta en los gráficos, que siguen siendo en 3D (para desgracia de muchos nostálgicos de las dos primeras partes), siendo estos muy superiores a los de la precuela más directa por los diferentes efectos de luz y ambiente, llegamos a ver hasta motas de polvo atravesando las vidrieras o el vapor del carbón ardiendo. Aparte, los personajes aparecen rediseñados y algunos hasta no reconocerán al nuevo George Stobbart, al que le han quitado todo atisbo que le hiciera parecerse a Indiana Jones en la tercera parte, cosa apropiada teniendo en cuenta que el sistema de juego también ha variado. Y es que, señoras y señores, regresamos al manejo por ratón, aunque sea con las tres dimensiones, al estilo de los juegos de rol del tipo Lineage, explorando el escenario a fuerza de point and click, como en los viejos tiempos. Eso logra que la jugabilidad sea diferente a la de la tercera parte, donde prácticamente todo consistía en saltar, agarrarse a un saliente, empujar cajas y tratar de escabullirse. Aquí, en esta entrega, tenemos más componente de aventura gráfica a la vieja usanza, aun habiendo puzzles que consisten en lo enumerado más arriba, solo que con mucho menos hincapié y tratando de no ser un remedo pobre del Prince of Persia.

Y no solo eso, sino que esta vez George Stobbart cuenta con un práctico PAD, el utensilio que todo buen investigador debería tener, puesto que en él es donde tendremos a nuestra disposición unas cuantas acciones que deberemos ejecutar de un momento a otro, ya pueda ser llamar a alguien, ver nuestros pasos anteriores (es una especie de diario) o navegar por Internet. Sin olvidar que en algunos momentos del juego nos veremos obligados a hackear sistemas, para entrar en sitios, obtener teléfonos o encontrar algún dato histórico importante. Claro que… aquí tenemos uno de los principales problemas de este juego, porque para hackear algo tenemos que resolver un minipuzzle que veremos repetido durante tooda la aventura más de una docena de veces, lo cual resulta exhasperante. Es más, lo peor es que te saca totalmente de la aventura en sí, porque son puzzles que llevan su tiempo resolver y da la impresión de que no estás jugando a ningún Broken Sword, sino a un juego del estilo el Buscaminas de Windows. Dos veces habría estado más bien, cuatro incluso, pero no todas las que tenemos que pasar por semejante embrollo que simplemente se dedica a rellenar inútilmente el juego. Este es el equivalente a las cajas del Broken Sword 3, aunque sin exagerar tanto.

Por lo demás, siendo muy tiquismiquis, debo confesar que aunque el Broken Sword 4 sea un juego más que correcto, notándose la dedicación de los programadores y de Charles Cecil por superarse a sí mismos, preocupados por el fracaso en cuanto a crítica de la parte directamente anterior, lo cierto es que he echado muy en falta varias cosas realmente necesarias en una aventura gráfica. Porque, si ya criticaba la excesiva linealidad de la segunda parte (que en la tercera ya es desesperante, debo decir que es un mal que adolece en toda la saga), en este caso puede ser un tanto desalentadora, en el sentido de que es toda una alegría encontrarse con que puedes dar pasos atrás y marchar a otros sitios del mapa que ya has visitado, como bien podías hacer en la París de la primera parte, donde regresar al Hotel, al museo de André o al apartamento de Nico para hablar de algo, ofrecía una sensación de libertad que aquí no encontramos.

Por tanto, lo lineal de la acción y el hecho de que solo se puedan ver dos objetos que NO tengan utilidad o sean manejables en todo un escenario (que esa es otra, están muy elaborados, pero todos son excesivamente amplios, un pasillo parece el equivalente a un campo de fútbol y zonas como la carnicería, más que almacenes, parecen salones de balonmano) me parecen errores que hacen perder muchos enteros a la aventura, donde la implicación es menor. Y es que difícilmente ves a George mirando algo del escenario que no tenga uso alguno.
Otro defecto que puedo encontrarle es la ausencia total de escenas cinemáticas, tan solo tendremos una al inicio y poco más, siendo esto algo sangrante sobre todo al final, que si bien por fin le ocurre algo relevante a George durante toda la saga, lo cierto es que está contado de la manera más burda y precipitada posible, dejando al jugador con la preocupante cara de: -“¿Y ya está? ¿Esto es todo?

De todas maneras, estamos ante un juego más que correcto, sobre todo por la historia y ciertas partes que son casi inolvidables (como la carnicería, con ópera de por medio) que no carece de defectos que bien podrían haber resuelto fácilmente y restan muchos enteros a una aventura que podría haber sido más. Aun así, es la segunda mejor de la saga, al menos en mi opinión.

Orgullo de Bagdad, un relato real

2007-03-01T16:06:00.000+01:00

A Vaughan lo conocí en una de sus peores obras. Me refiero a Doctor Octopus: Exposición Negativa que, sin embargo, fue una miniserie mucho más entretenida que las series con las que convivía en tomo en la edición española, ya que estaba Jenkins ofreciendo una versión muy inferior del villano en una saga que pasó desapercibida (solo un polémico Ramos la salvó de la quema) y Strac en horas bajas, aun contando con John Romita Jr. a los lápices. Luego vinieron sus Runaways y aunque en un primer momento no me sorprendieron tanto, fueron mejorando considerablemente hasta alcanzar cotas muy altas de calidad. Claro que tampoco es todo bueno en este guionista, ya que su paso por Ultimate X-men no pudo ser más irregular, por no decir que hizo algunos números son los peores que he podido leer de él, por ahora. Pero me reconcilié de nuevo tras su flamante Ex-Machina, serie que recomiendo desde aquí fervorosamente, pensando que no podía ser mejor, aunque me dijeran que en Y, el último hombre era de lo mejorcito que ofrecía Vértigo en ese momento. Hasta que mi colega Worbbitt me pasó Orgullo de Bagdad.
No le presté demasiada atención en un principio porque la temática no me atraía.
Dios, cómo me arrepiento.

Orgullo de Bagdad va de una familia (o grupo, según se mire) de leones que escapa de un Zoo de la ciudad que da nombre al título, debido a una serie de bombas que caen sobre el recinto, que destrozan las jaulas. Es entonces cuando la supervivencia cobra una enorme importancia ante ese paisaje desolado que es la Irak tras la invasión de los Estados Unidos, con el bombardeo y la terrible cantidad de muertes que se sucedieron en tan pocas horas.

Así es como Vaughan nos transmite en muy pocas páginas y de una manera muy acertada la impresión de los leones sobre los hechos ocurridos, todo desde una perspectiva ignorante, en el sentido de que los pobres animales no entienden la lógica (o la falta de ella) de los humanos, ni tampoco los artilugios o armamento que empleamos. Por lo tanto, tenemos un seguimiento muy curioso de las diferentes fases por las que pasa la guerra, empezando con el bombardeo y siguiendo con la avanzadilla de tanques que penetra en el lugar, por no decir el reconocimiento del terreno que viene finalmente. Todo de una manera muy cruda y convincente, tanto que hasta impacta, sobre todo porque al principio da la impresión de estar leyendo las desventuras de otro Rey León, con ese pequeño Simba (no se llama así, pero tenemos un cachorro muy eufórico andando por ahí). Nada más lejos de la realidad, Orgullo de Bagdad no trata de ser complaciente, ni por asomo, el guionista tiene muy claro cómo quiere enfocar su obra y el resultado.

Sobre todo porque no concibo personajes mejores para ver las terribles decisiones que tomaron para invadir Bagdad, realmente se te ponen los pelos de punta al contemplar tal destrucción y desolación.
Pero ojo, en un principio este tema casi toma un papel más secundario de lo que parece, porque los personajes principales (los cuatro leones) tienen mucho protagonismo en la trama, no están por estar y cada uno tiene una historia que contar. Especialmente interesante es el tratamiento que se hace sobre la libertad y la vida salvaje, porque el encarcelamiento y el mantenimiento diario afecta mucho a unos leones que, una vez ven las puertas abiertas, no tienen muy claro lo que desean, porque ven que sobrevivir en un lugar tan inhóspito y repleto de peligros no es nada agradable.
Por tanto, este libro es también una oda y una ocurrente metáfora a la libertad, con sus ventajas e inconvenientes, Safa tiene, de hecho, un pasado que odia por las injusticias a las que se veía sometida, mientras que Zill añora las puestas de sol que, desde que está enjaulado, apenas puede ver.

Por tanto, casi da la impresión de que Vaughan en su vida pasada fue un león (risas enlatadas), porque los trata de fábula y explora todas sus inquietudes y estados de ánimo, tiene muy claro cómo tratarlos a todos y a cada uno de ellos, con un mensaje sobre la lealtad y la valentía. Ya que por el final, da la impresión de que la cosa pierde el rumbo, especialmente cuando asistimos al debut de un enorme oso que pretende aniquilar a la familia, casi se sale de lo que nos venía ofreciendo el relato hasta ahora.
Pero no, todo tiene sentido y es necesario en esta historia cerrada con tantas significados y segundas lecturas, tanto que al final no puedes evitar enfadarte y repudiar lo leído por la frustración que provoca. No obstante, te paras a pensar un poco en el mensaje que pretende transmitir el guionista y piensas: “Touché”. Para, acto seguido, calificarlo con una sola palabra: SORPRENDENTE.
No quiero decir mucho más, pero me sorprende de veras la valentía con la que trata este tema el guionista, hasta el punto de soltarle una enorme colleja a América, a sus soldados y a Bush. Simplemente genial.

El artista es el para mí desconocido Niko Henrichon, que lejos de realizar un trabajo sorprendente o apabullante (aunque en algunas splash pages consigue ese efecto, especialmente en lo que se refiere a los paisajes de Bagdad), cumple con creces su cometido y es un narrador claro y competente, más de lo que se podría decir de muchísimos dibujantes que se precien de serlo. De hecho, aunque sus leones recuerden a los de Disney (pero mucho más toscos y sucios, en el buen sentido), tienen estilo propio y sus personalidades vienen muy bien reflejadas. Así como el resto de los animales que deambulan por esta novela gráfica, que están perfectamente retratados, por no decir que el ambiente está conseguidísimo y se nota de veras una exhaustiva documentación para mostrar las calles y demás. Un gran acierto es su dinamismo y expresividad, realmente necesarios en esta historia tan desoladora y cruda, no tan fácil de dibujar por lo atípica que resulta dentro del mainstream americano.
Debo decir que el color, con esos tonos ocre y casi siempre manteniendo un tono cálido, viene como anillo al dedo y aunque no apruebe que los lápices se queden sin entintar (no suele gustarme esta técnica) aquí tiene un pase y se hace verdaderamente difícil de imaginar de otra manera.

En resumen, es una grandísima obra que trata a la perfección las funestas y terribles consecuencias del bombardeo de Irak. Para aquellos que gritaron “NO a la Guerra” es un cómic perfecto que demuestra el poder que tiene este medio para contar algo, con más intensidad que en una película o un libro. El único punto negativo es que aun no ha salido en España, pero cuando salga, corred a haceros con él, es imprescindible.

Hard Candy, un carámelo difícil, sí

2007-02-26T23:03:00.000+01:00

Año: 2005.
Director: David Slade.
País: Estados Unidos.
Duración: 103 minutos.

Todo el mundo recomendándome la película, un trailer prometedor con enfoques diferentes a los que estamos acostumbrados, dos actores novatos en un duelo interpretativo más que digno, una idea que parece interesante y original… Vamos, que Hard Candy quería verla en el cine, me parecía muy atrayente. Y más cuando veo que en todas partes le ponen una notaza tremenda, desde luego caló hondo al espectador, incluso entre los más exigentes. De verdad, tenía que verla. Pero pasó el tiempo, no pude verla en pantalla grande y al final, gracias a un amigo, tuve la oportunidad de visionar este largometraje que tanto impacto suscitó en el festival de Sitges.

Aviso que para hacer esta crítica voy a revelar ciertos detalles del guión que son toda una sorpresa y quizá lo que más merece la pena ver de este film. Avisados quedáis.

Nunca te fíes de alguien que acabas de conocer por internet, es peligroso. Eso dirán nuestros progenitores sobreprotectores pero… ¿ellos qué sabrán? Con lo emocionante que es meterse en el coche de un desconocido simplemente porque has estado “hablando” con él todo este tiempo por chat, sabemos cuidarnos. Es más, ¿por qué un hombre que roza la treintena parece tan interesado en una chica de catorce años? ¿Es la edad un tabú o es que tiene otras intenciones, llamémoslas, más oscuras? De eso va la película, de cómo una chica llamada Hayley va a casa de un exitoso fotógrafo llamado Jeff que conoció por el chat.
La verdad, es que parece predecible lo que va a ocurrir, pero la sombra de la Caperucita Roja es alargada y el cuento ha cambiado mucho, vaya que sí.

Ok, ok, una gran sorpresa al principio del film cuando ya vemos a la increíble Hayley por encima de un indefenso Jeff, que va a sufrir el peor castigo posible por pretender ser un pederasta con malas intenciones. ¿Quién se lleva a casa a una niña de catorce años nada más conocerla y la trata de convencer para que se quede por la noche, por el amor de Dios? No, no, no… Ese estúpido de Jeff va a sufrir su propia medicina, merece un castigo por aprovecharse de las frágiles mentes de las muchachitas indefensas que creen que su príncipe azul va a salvarlas de la monotonía a la que se ven sometidas. Entonces… ¿debemos sentir compasión por él? ¿Algún tipo de lástima? Esa es la idea del director, un excelente punto de partida, aunque no puedas estar de acuerdo con el método de castigo del personaje femenino protagonista. Además, el trailer engaña y cuando vas a ver la película te sorprendes con el giro que toma tras su media hora de metraje, te das cuenta de que no has ido a ver nada típico y van a tratar el tema de la pederastia de un modo diferente. En ese momento pensé que me iba a gustar.

Hasta que empezaron los diálogos concienzudos.
Y, oh sí, los enfoques son novedosos, la decoración tan chic que hasta asombra, con esa mesa de piedras de un metro de largo, esos cuadros repartidos por la casa, esos muebles tan simples, esas ventanas tan curiosas y sí, esos paneles que sirven de cortinas, con las paredes de colores y tal. Es entonces cuando piensas: -No me cabe duda, Jeff es pijo, pero el director peca de presuntuoso con una casa como esa para poder rodar con esos primeros planos tan… arriesgados, con fundidos de colores y tal. No voy a valorar una película por eso, pero la verdad es que me llamó muchísimo la atención y en un primer momento me gustó, sobre todo cuando te paras a pensar un poco en toda la elaboración que supone algo así. Pero no puedo evitar pensar que ese es el principal problema de esta película, la fotografía es preciosa y tal, pero todo es tan sofisticado como poco creíble, es una lástima que ello se traslade al guión.

Esperaba tanto de la película y me gustó la primera media hora, esperando a que pasara algo. Pero tras otra media hora más me tenían reducido al peor de los hastíos… Estaba realmente aburrido, tratando de escuchar esos diálogos que pretenden ser una lección mental sobre la verdugo y su víctima, que también era supuestamente culpable de varios crímenes. Se supone que la película tiene que mantenerte en tensión pero ni eso, ni siquiera en la escena de la castración, donde más bien deseaba que le cosieran la boca a la niña, que no paraba de dar muestras pedantes de su enorme sabiduría y sus grandes justificaciones, aun sin haber encontrado una maldita prueba explícita por toda la casa.

Joder, si al menos hubiera encontrado una sola foto del tipo con alguna chica forzada, al menos habríamos tenido una enorme dilema moral con la escena, al menos nos sentiríamos confusos por saber si merecería o no esa tortura, pero en ningún momento dan pruebas palpables sobre el asunto. Además de que las acciones de las niña… Por muy pederasta que sea el otro, están lejos de ser justificables. La verdad es que lo único que deseas a lo largo del metraje es que pase algo, cualquier cosa, con tal de darle alguna justificación a escenas excesivamente estiradas que apenas aportan nada. Y es que la mayoría consisten en la chica tratando de descubrir si su víctima (eso es irónico) es el pedófilo que cree que es, culpándolo de todo tipo de crímenes sin justificación alguna y sin un solo argumento de peso. Es una pequeña Frank Castle (hay gente que ha dicho que es un trasunto adolescente femenino de Hannibal Lecter, pero creo que la comparación es muy desafortunada) capaz de cualquier cosa.

De todo, todo y todo, de tanto que la credibilidad es nula. A ver quién me explica de dónde ha sacado un táser una niña de catorce años. Vale, es una película, elipsis temporales y demás, cuan cierto es eso, tenemos que aceptarlo porque cualquiera puede conseguir uno si está en el sitio y el momento adecuados, ok, la cuestión es no ponerse puntilloso, es un defecto que tengo con algunas películas. Pero la cosa empieza a ser risible cuando pretenden hacernos creer que un tipo de treinta años se traga porque sí una castración cuya única anestesia es un hielo que nunca se derrite (los cojones, nunca mejor dicho), que la niña (ella sola además) sea capaz de montar todo el tinglado de la cuerda para colgar a Jeff (¿pero cómo puñetas ha llegado hasta ahí arriba? ¿de dónde ha sacado la escalera y dónde la escondió? ¿y esas manos de más para poder hacerlo?), que el inútil de Jeff sea incapaz de salir de la casa todas las veces que ha escapado de las ataduras, el hecho de que misteriosamente la coqueta de Hayley se cambie de ropa cada dos por tres, etc, etc.

En definitiva, la película es MUY poco creíble, no hay por donde pillarla en casi todas las situaciones, especialmente la de la pistola sobre la cama. Si Jeff estaba en otra habitación, ¿cómo sabe que ella la dejó allí pudiendo haberla cogido. Lo dicho, risible lo mires por donde lo mires.
Pero no solo eso, lo peor llega al final, el director en varias declaraciones ha dejado claro que no pretendía un desenlace fácil, pero es que esta cosa no hay quien se la trague, quien crea que tiene algo de poético o creíble es que es ingenuo de veras. Lo siento mucho si alguien se siente ofendido por este comentario, pero un suicidio como ese en esas circunstancias es simplemente una chorrada en ciernes, de los peores finales que he podido ver en una película.
Lo único que se salvan son las reseñables interpretaciones de una sorprendente Ellen Page y un aceptable Patrick Wilson, ambos hacen lo que pueden en esta película tan aburrida, con un argumento que hace aguas por todas partes y de credibilidad nula.

Una pena, porque de esto podría haber salido un corto de media hora fantástico, sin todo el relleno que tiene y con mucha menos verborrea. Joder, los que hasta dicen que es una obra maestra deberían ver Funny Games para saber lo que es tensión de verdad.

Broken Sword 3, George Stobbart en 3D

2007-02-21T17:56:00.000+01:00

Debo reconocer que las razones por las que he tardado tanto en jugar a la tercera parte de esta popular saga no van más allá que por el impedimento técnico de mi propio ordenador, que no cumplía los requisitos necesarios. Por suerte, tras instalarme algún que otro DirectX entre otras cosas, me sorprendí al ver instalado el juego pudiendo jugarlo incluso.
Antes de empezar con la reseña, debo destacar que el primer Broken Sword me parece fantástico, una gran aventura gráfica. Sin embargo, la segunda parte no me gustó demasiado por la falta de conversación y el aumento del componente exploración. Aún así, es una más que una correcta aventura.
Esta tercera parte es una secuela directa de la primera, nada que ver con los aztecas de la segunda, ya que se regresa de nuevo al tema de los templarios y su búsqueda de la espada rota que da nombre a la saga. La nueva historia, lo cierto es que es bastante repetitiva y enfocada de un modo bastante aburrido. Tenemos a un tipo llamado Susarro que va en busca de las llamadas Líneas Dragón, que sirven para dar un gran poder a quien consigue "bañarse" en ellas. El mundo corre un grave peligro debido a que los niveles de poder son demasiado grandes, por lo que George y Nico (unidos de la manera más forzada y absurda posible sin la más mínima gracia) tratarán desbaratar los planes del villano simplemente porque se ven metidos en ello de cualquier manera. Como siempre, vaya, solo que esta vez de una manera aun más ridícula.

Lo que más me fastidia de la nueva historia es la situación de George y Nico, los cuales no dejan de estar en un constante tira y afloja que ya huele a estas alturas de la saga. Que si son novios, que si se pelearon, que si... En fin, un desastre, para mí entorpece por completo la romántica historia de ambos en la primera parte, con esas miradas y esos diálogos tan prometedores, con su correspondiente beso final. Para colmo, Nico me parece aun más insoportable en esta nueva entrega, más que nunca, siempre borde o de una delicadeza física y estética que me pone de los nervios y hasta me parece insultante, una mujer no tiene porque ser de esta manera.
Pero eso es lo de menos, porque se recupera a gran parte de los secundarios que vimos en la primera parte y a los programadores se les va la mano y parte del brazo, por no decir el cuerpo entero. Tenemos a cierto Neo-Templario recuperado, un villano que ha vuelto de la muerte, el indomable Flap (joder, en serio, ¿este era necesario?), el constante André, cierto obrero de las calles de París... En fin, solo faltaba la pareja turista para tener el cupo lleno y el retorno del payaso (que al igual que el otro, podría decir que no estaba muerto, sino de parranda), la leche.

Eso tampoco sería tan grave si no tuviéramos en cuenta la ausencia de una gran cantidad de secundarios nuevos, porque se pueden contar con los dedos de la mano y tampoco es que destaquen demasiado. Creo que solo Susarro tiene cierta carisma, aunque hace de villano megalomaniaco de turno, junto a una Petra que simplemente es la femme fatale de toda la vida. Pero al menos no es sonrojante como la Beatrice o la guardia captura-ovnis... sigh...
En cuanto a la historia, de no ser por algún que otro giro final con sorpresilla incluida (la muerte de cierto secundario es realmente buena, lo mejor de toda la aventura, sin duda alguna) sería de lo más lineal y aburrido que he visto. Más cerca de lo que sería una nueva (mala) aventura de Indiana Jones, con sus mil muertes, enfrentamientos y peligros (tampoco es que haya mucha acción, luego me extenderé en ese detalle concreto) que al Broken Sword de la primera parte, con sus puzzles de objetos y conversaciones con personajes donde aparecen siempre cosas nuevas.
Por si todo eso fuera poco, el uso que hacen de los templarios en esta nueva entrega es realmente horrible, aun más fantasioso que antes y sin elementos tan interesantes como el tema de Baphomet, los Assasins, los Neo-Templarios y demás, tan solo un tipo que busca el poder absoluto con unas líneas de energía y poco más. Documentación cero, inventiva floja.

Es entonces cuando llegamos al peor defecto de esta aventura: La pérdida total del espíritu original del juego. Hemos abandonado las 2D para unas 3D (hasta en los escenarios, ojo) que son un portento técnicamente hablando, para el año en que salió destacan bastante y están casi a la altura de un Shenmue, por así decirlo. Con esos diseños de personajes, la animación tan fluida, buenos decorados (aunque casi siempre muy austeros, como mucho encontrarás tres objetos en una misma zona), expresiones más que acertadas, etc, etc. Vaya, que los programadores dedicaron mucho tiempo al aspecto gráfico, casi el mismo que deberían haber empleado para una buena historia que no recoja tantos elementos ya vistos y que no destaca en absolutamente nada.
El control también está más que acertado, es una variante del de Grim Fandango (de la competencia, cómo no), un poco más sencillo y del que es fácil acostumbrarse.

Pero lo que ha hecho que esta aventura no tenga ni un atisbo del espíritu de la saga es la ausencia casi total de una variedad decente de puzzles, de un mayor uso de objetos. La mayoría de la aventura consiste en mover cajas a lo Prince of Persia y en esquivar a unos soldados al más puro estilo Metal Gear, por no decir que te pasas la mayor parte del juego saltando y tratando de darle a un botón en el momento preciso para que el personaje se salve de una muerte, que encima son demasiadas durante el juego. Por suerte, cuando te matan, en esta ocasión han tenido la gentileza de dejarnos justo antes de lo ocurrido, por lo que al menos no tienes porque preocuparte por estar grabando partida continuamente.
Por desgracia, eso no justifica una falta realmente grave de conversación, de diálogos propios de una aventura gráfica, de utilización de objetos, de exploración de pantalla con el personaje mirando por la zona… En fin, de todo lo que nos fascinó a los aventureros en la primera parte. Lo desagradable es el abuso de las cajas y la constante infiltración procurando que no te vean como si un Commandos se tratara. Ambas cosas están muy bien una vez o dos veces, pero cuando ves que la aventura solo es eso ya es una tomadura del pelo, y encima los objetos que debes usar entre zona y zona son casi siempre los últimos que coges, más fácil imposible.

En cuanto a las voces, la música y los efectos sonoros... Decir que el doblaje es de lo peorcito, verdaderamente seco e inexpresivo, con el peor George Stobbart, y eso que es el mismo doblador de siempre. Con Nico igual, continúa el extraño acento francés que tan buenos resultados dio en la primera parte, pero por alguna extraña razón es más cargante en este juego, menos mal que las partes de París son casi solitarias. Los efectos sonoros son correctos y algunas veces destacan (alguna que otra pisada, caídas de escombros, etc) pero la música ha cambiado por completo, ¿dónde está ese tema tan característico de los créditos de las partes anteriores? No destaca en absoluto, vaya.

En definitiva, esto no es una aventura gráfica, es una aventura a secas que casi se podría confundir con un Tomb Raider, que tiene una grave falta de carisma en cuanto a la historia, diálogos, secundarios y puzzles. Una sombra de lo que fue el primer Broken y una terrible decepción. Me pareció mejor el 2, la verdad, aunque al menos puedo garantizar que es entretenida y no la sueltas hasta que te lo acabas, aunque más bien es por lo fácil que es. Una pena.

Panini VS Planeta, Segunda Parte

2007-02-19T20:01:00.000+01:00

Nos quedamos en el post anterior justo después del Saló de Barcelona.

En meses venideros tendríamos un poco de calma por parte de Panini, que tenía bastantes cosas que publicar con un crossover de por medio, aunque se ve que les fue muy bien con los Best of Marvel, ya que sacaron varios y de calidad variable, siendo desacertados algunos como el de 1602, con más de un librero esperando el primer tomo de la edición anterior que sacaron, teniendo el 2 entre telarañas en las estanterías. Por no decir que el precio del Spiderman de Ditko o el de Marvels, en comparación con las anteriores ediciones de Forum, es enormemente caro, aunque claro, en general los BoM son muy caros, incluso para lo que ofrecen.
Otra cosa que criticar fue la malísima idea de meter complementos en las colecciones, cosa que se hizo alarmante cuando algunos tuvimos que soportar el DD: Father dentro de la colección regular del personaje (que, por cierto, al día de hoy todavía queda el último número de la miniserie por sacar) o el terrible Lobezno: Soultaker, miniseries que de otra manera no las habría querido nadie, salvo algún desaprensivo. Legendaria también fue por aquellos meses la pobre maquetación de los Defensores o Spiderman y la Gata Negra de Kevin Smith, con algunos bocadillos rellenados de la peor manera y una ausencia terrible de onomatopeyas en la traducción española.

De Planeta decir que Vértigo tuvo también su propia ola de títulos nuevos, la mayoría reediciones y sacaron al fin, unos cuantos meses después del estreno de Superman Returns en los cines, la ansiada etapa del personaje en manos de Byrne en forma de coleccionable. Lo primero que descolocó a todo el mundo fue su variación de precios si te suscribías o lo seguías en quiosco, cosa que desilusionó a más de uno. Por no decir que algunas impresiones eran lamentables, con escaneados horribles y algún que otro número donde la tinta apenas era perceptible. Un caos. A su favor diré que en suscripción, en tomo de tapa dura, gana mucho y los regalos han sido bestiales, destacando la edición limitada especial del DVD de Superman de Donner.

En el Saló del Manga cabe decir que Panini apenas destacó, ni tan siquiera en tebeos de Oriente (por no repetirme). Muchas novedades en tomo, algún nuevo Marvel Monster (el de Arma-X concretamente) y algún ensanchamiento de viñeta para la portada “especial” de un número de Daredevil (qué he hecho para merecerme esto…). Eso sí, en cuanto a las series regulares Panini ya mostraba la política que iba a seguir hasta ahora, la de renumerar series y no volverlas a sacar más en kiosco, como ha pasado vergonzosamente con el tomo mensual de Spiderman, lo cual creo que es una auténtica canallada. Aparte de que las nuevas series no parecen tener tampoco un pie fuera de la librería especializada, ya que ni el X-Factor de Peter David ha tenido su oportunidad. Una verdadera lástima.

Planeta atacó de repente con el preludio a las Crisis Infinitas y las Crisis de Identidad casi al mismo tiempo, con ese horrible formato magazine de tan alto precio (dos cómics por el precio de 4,95, duele el sablazo), por no decir que de repente se decidieron por sacar de golpe todo lo que se habían dejado de Green Lantern, destacando el Renacimiento (soberbio) y la colección regular, convertida en miniserie para mayor comodidad. Noviembre y Diciembre fueron meses horribles para los DeCeeros, ya que las faltas de ortografía se sucedieron por doquier y algunas eran realmente vergonzosas, especialmente en las Sagas DC, que encima cuentan con un precio nada ajustado. Al menos se notó la mano de Hernando como editor en algunas cosas como la publicación de series que esperábamos y el número doble o triple por mes en algunas colecciones (que ya hacía falta, ya), pero sus inicios, quizá por las prisas, fueron algo desastrosos en algunos factores como las traducciones ya comentadas o las promesas incumplidas del tomo de Superman de Pasqual Ferry, por poner un ejemplo. Y la JLA de Morrison sigue sin una edición decente en España, esa Gonder Coman es difícil de olvidar.

¿Veredicto? Planeta de Agostini es, para mí, la vencedora de este año.
Me ha costado mucho decidirme porque los errores han sido numerosos y es increíble el desastre que se ha montado en algunas cosas, especialmente en lo que a faltas de ortografía o errores de imprenta se refiere, es algo que deberían subsanar cuanto antes si es que quieren mantener a los lectores que tiran del Previews y los que no. He escogido Planeta porque creo que DC en España está mejor que nunca, por fin tiene su territorio y ese es el quiosco, con varias colecciones que merecen mucho la pena y tomos que Panini no habría dado ni la más mínima oportunidad. Hablando de la editorial que publica Marvel, para mí ha ido a peor comparado con el año pasado. Los precios de los tomos han subido, las ediciones especiales son una patochada tremenda, insertar miniseries que no vienen a cuento dentro de series regulares (por no decir las Unlimiteds) me parece un desastre, los Best of Marvel son excesivamente caros y, lo peor, lo que más me ha cabreado este año ha sido la indecencia de olvidarse del lector de quiosco, que cada vez ve menos colecciones de Marvel y más de DC en sus puestos más cercanos, con algunas series como X-Factor o la propia Dinastía de M (es que es de risa) sin tocar ni una estantería fuera de la librería especializada, realmente bochornoso y si vamos por ese camino con la Civil War, más me voy a cabrear. En fin, lo tengo claro, DC se ha ido asentando y todavía recorre ese tortuoso camino que le queda, que bastante tiene que lidiar, especialmente con la Infinite Crisis a la vuelta de la esquina.

Pues eso, no nos podemos quejar en cuanto a novedades, pero la principal polémica de este año ya os la adelanto: LOS PRECIOS. Nuestras carteras van a sufrir, ya veréis, ya.

Panini VS Planeta 2006 Primera Parte

2007-02-19T10:04:00.000+01:00

El año pasado ya lo hice, una especie de repaso (ver AQUÍ y AQUÍ) de las novedades de Planeta y Panini por los cambios editoriales que sucedieron a lo largo de aquel impredecible 2005, donde era imposible averiguar (si no eres Alvaro Pons, claro) quién se queda con qué derechos. DC pasó de Norma a Planeta y Panini tuvo un buen inicio con Marvel en España, sorprendiendo a propios y extraños. El año pasado declaré vencedora a esta segunda editorial y ahora cabría ver si se mantiene el mismo veredicto tras todo un año donde ha habido algunos cambios editoriales bastante incoherentes, especialmente en lo que se refiere a la llegada de un Viturtia que no tiene el mismo poder en Panini que cuando estaba en Forum y eso se nota, para bien o para mal. Planeta, por su parte, trajo a David Hernando como editor, pillándonos a todos con los pantalones bajados. Pero no nos adelantemos a los acontecimientos y veamos qué editorial se lleva este año el pato al agua.

Panini quiso desde un primer instante mantener el formato de Biblioteca Marvel, a pesar de estar en declive por el atrevimiento por parte de Planeta con sus Clásicos DC (atrevimiento consolidado con sus precios, claro está). La mano de Viturtia se notó especialmente con la salida de la BM: Namor casi sin venir a cuento, cosa que no me parece mal pero habría que resaltar un poco, así como sus Classic Spiderman o el Team-Up Spiderman. Si me permitís el comentario, la verdad es que creo que se les fue mucho la mano con tantas colecciones clásicas del trepamuros, me sé de más de un aficionado que se tuvo que quedar sin alguna que otra de todas estas colecciones, contando con que seguían a la venta la de Romita y la de Peter Parker. Panini también hizo su primera locura nada más empezar el año, con esa misteriosa renumeración de prácticamente todas las colecciones mutantes, con Lobezno tenía sentido, tras la llegada de Millar a la colección, pero lo que es el resto… Casi habría sido mejor haberlo hecho cuando el Reload, en fin. Cabe destacar que por aquel entonces seguía el coleccionable de los 4F de Claremont, Larroca, Pacheco, Marín, etc.
Sin embargo, Planeta no destacó en nada a principios de año, porque el grueso de sus novedades ya viene de finales del año 2005.

Otra locura de Panini que se me olvidaba comentar y que arrastró a lo largo de todo el año 2006 fueron sus problemas con las distribuidoras, siendo distintas las que llevan los cómics a los kioscos y a las librerías especializadas. Por culpa de eso, nos ofrecieron un producto “honesto” como puedan ser las Ediciones Especiales, que nos dejaron totalmente descolocados. Una técnica para diferenciar el producto de kiosco con el de librería, algo harto estúpido porque la única diferencia se encuentra en una barra en la parte superior de la portada que indica lo “especialísima” que es la edición en sí y una variación de la portada si contenía dos o más números USA. La verdad, menos mal que solo es eso, que si no los “quiosqueros” lanzaríamos un grito al cielo.
Lo gracioso es que, mientras tanto, la polémica de Planeta era ese horrible y carísimo formato para la colección Superman/Batman, que es para llevarse las manos a la cabeza por esa tremenda ida de olla de reeditar algo que ya había sacado Norma en su momento (mal, con una página comida en el primer tomo, pero publicado quedó) a ese precio tan brutal, ni más ni menos que 2,50 por un solo número de grapa de 24 páginas. Bueno, eso y la selección de materiales del coleccionable de Batman, que deja mucho que desear.

Luego por parte de Panini notamos todos los que comprábamos en quiosco la extraña pauta de reenumerar para sacar “Ediciones Especiales”, cosa que les ocurrió a Daredevil, Ultimate X-men y a Ultimate Spiderman en diferentes meses. Por no decir que se crea polémica por la inadecuada publicación de Spiderman/Antorcha Humana de Dan Slott, ¡¡sacada en Marvel Style, un tomo pequeñísimo de tapa dura!! Todo porque los editores creían que sería el formato perfecto (pero si... pero si parece el libro de Cuentos Infantiles), algo que todos los lectores esperamos que nunca vuelvan a repetir.
Y ya por fin entrando en algo bueno, decir que Planeta en marzo tuvo la buena fortuna de sacar varios tomos esperados como pueda ser la excelente reedición de Superman Para todas las Estaciones y JSA: Edad de Oro, así como otros tomos inéditos para Vértigo (siguiendo la publicación de Norma). Panini también pegó fuerte con los 100% Marvel, destacando los X-men: Las Eras de Apocalipsis y Daredevil: Redención. Destaca también el primer Marvel Monster, un tomo de más de 280 páginas que sirve para rescatar del olvido a aquellas colecciones inéditas por su mala suerte en ventas, Spidergirl tuvo una oportunidad más que todavía no se ha visto repetida. No me extraña, sinceramente, ya que es muy difícil dejarse 25 euros de una tacada por un personaje que no tiene excesiva popularidad entre los lectores. Aunque cabría decir que ambas editoriales tuvieron su propia andanada de novedades cada mes, más por parte de Marvel que de DC.

Entonces llegó Mayo y el Saló de Barcelona.
Es cuando vimos la llegada del ansiado segundo coleccionable de X-men gracias a la tercera película, algunos nos lamentamos por la calidad del papel pero al menos la rotulación y los extras eran de agradecer. Además, qué coño, ¡por fin teníamos la continuación de aquel coleccionable de principios de siglo! También llegaron de golpe los Best of Marvel (Lobezno Origen, Ultimates, Furia de Steranko…) y el evento de este año: Dinastía de M, con todas sus novedades (que no fueron pocas, especialmente en forma de tomo), aparte de otros muchos tomos y miniseries, destacando la edición de Shanna La Diablesa, con una calidad envidiable.
Planeta, por otra parte, sacó muchas novedades en tomo (Catwoman Si vas a Roma, JLA Año Uno, etc), aunque se cubrió de gloria con las colecciones regulares de Batman y Superman, carísimas en proporción a la edición que disfruta Spiderman (de carácter similar en cuanto a publicación de series del personaje) y encima con un papel que parece un arma biológica, apesta demasiado. Por no decir que la maquetación de portada es de aficionado como mucho. También atacaron fuerte con los Clasicos DC, tales como Orion, Kamandi (¿por qué Kirby siempre en blanco y negro?) y The Question. Polémica fue la nueva publicación de V de Vendetta en grapa, pocos meses después de la edición en tomo. Misa no entiende.

Mañana, el segundo semestre del 2006. No faltéis a la cita.

El Truco Final, ¿consigue el prestigio?

2007-02-15T16:06:00.000+01:00

Año: 2006
Director: Christopher Nolan.
País: Estados Unidos.
Duración: 128 minutos.

Quiero que estés atento.

Cuando estrenaron Batman Begins me dije que había que verla. A pesar de que Christopher Nolan era desconocido para mí, todo el mundo lo elogiaba, alegando que era la elección perfecta para el personaje por su labor en películas como Memento e Insomnio, que todavía tengo pendientes de ver. La verdad es que quedé tan sumamente sorprendido con la nueva versión de Batman (a pesar de ciertos detalles, especialmente el final), que ahora le doy un voto de confianza cada vez que hace alguna película y lo cierto es que The Prestige (traducido en España como El Truco Final, quizá para que no lo confundan con una adaptación de los hechos del Chapapote, quién sabe) no me decepcionó en absoluto. Pero vayamos por partes.

La historia es un tanto extraña y es difícil contarla sin spoilear demasiado. Estamos en el siglo XIX, cuando los magos e ilusionistas eran los principales ídolos de un publico ávido de emociones y con ganas de ver cosas nunca vistas. Todo empieza cuando dos magos se enfrentan (Robert Angier y Alfred Borden) cada uno a su manera, en una especie de competición personal que acaba asegurando situaciones realmente peligrosas, especialmente cuando se pierde una vida durante un espectáculo.
Ambos buscan el prestigio, ya que la demostración del truco consta de tres actos y ese es el más importante de todos por difícil de alcanzar. Lo que tendrán en común estos personajes protagonistas será la obsesión por conseguir el mejor truco del hombre teletransportado que se haya logrado jamás.

A decir verdad, cualquiera puede creer que la película va exclusivamente sobre descubrir el truco final que no tan mal han traducido en la versión española, pero lo cierto es que desde un primer momento ya te están tirando por la cara todos los resortes que hacen mover el engranaje del truco, solo hay que estar tan atento como te piden que estés para descubrirlos antes de tiempo. Muchos dirían que esto es un error, puesto que convierte la película en previsible, pero nada más lejos de la realidad.
Y esto se debe a que no se trata de una historia que se suceda de forma lineal, de hecho va dando continuos saltos en el tiempo y se mueve a través de las lecturas de las agendas personales de Robert y Alfred. No obstante, el principio es inquietante, al verse la muerte de uno de los personajes protagonistas y el encarcelamiento del otro, lo que hace que sea mucho más interesante lo que vendrá después. Eso sí, hay gente que me ha comentado que algunos saltos temporales no están del todo claros, aunque a mí no se me quedó esa sensación.

Lo mejor es que en esta película todo truco tiene explicación y solo los dos más importantes son del todo mostrados al final, lo que hace que la película tenga un argumento más que complejo al mover tantísimas tramas entre sí. Por un lado tenemos la obsesión de los personajes protagonistas, sí, pero es que los trucos les lleva la vida y hacen actos increíbles con tal de conseguir sus propósitos, además de que tienen sus propias relaciones amorosas más allá del espectáculo al que se ven irremediablemente atados en un tira y afloja caótico que solo podía acabar de una manera. En esta película no hay ni héroes ni villanos, solo personas que se ven arrastradas a realizar actos innombrables y sufren un desarrollo soberbio a lo largo de todo el film, ya que ni Robert ni Alfred acaban siendo las mismas personas que empezaron juntas en aquel arriesgado espectáculo de la caja de agua, que tantas connotaciones simbólicas tiene en esta película. Por otra parte, tenemos otros secundarios afectados por los movimientos de los protagonistas, como pueda ser Cutter u Olivia, el primero como "maestro consejero" de ambos y la segunda como elemento del triángulo amoroso en la trama.

Claro que debo decir que no hacen demasiado hincapié en esto último, tampoco es necesario y la verdad es que me alegro de que se saltaran los típicos clichés de “a ver quién ama a quién”, cuando lo importante es el truco en sí.
De todas maneras, habría que aclarar una cosa, el principal defecto de esta película, ya que si tiene una increíble manera de contar las cosas y de dirigirse al espectador con un poco de metalenguaje, lo cierto es que el truco se ve desde el principio y no llega a sorprender del todo, aunque un segundo visionado sorprende por la enorme cantidad de cosas que están expuestas desde un primer instante sin que caigas en la cuenta. Es decir, dudo que la intención de Nolan fuera escondernos los hilos del artificioso truco completamente, sino que da la impresión de que quería mostrarnos todas las partes de un puzzle que al final se ve completamente montado. Eso lo intuyo por la escena inicial de los sombreros, los misteriosos planos del compañero de Alfred y diálogos varios. Tú puedes vaticinar varias cosas, pero no todo el conjunto hasta el final, y eso es lo que más me sorprendió.

Claro que este complejo argumento tan elaborado (me dan unas ganas tremendas de leerme el libro, que me han asegurado que es muchísimo mejor, que ya es decir) no sería lo mismo sin la majestuosa puesta en escena de Nolan, con una dirección sostenida con mano firme que se nota desde el primer encuadre del escenario (ojo a la escena del funeral) y esa primera demostración de Michael Caine explicándonos paso por paso en qué consiste el prestigio, deliciosa metáfora de todo lo que veremos después.
Además, el dúo de Christian Bale (Alfred) y Hugh Jackman (Robert) es impecable, no sabes cuál de los dos es el mejor en ese duelo interpretativo donde destacan por igual en todas las escenas. Aunque eso sí, sinceramente a mí me ha sorprendido más el segundo, porque tan acostumbrado que estoy de verle como Lobezno y no me ocurre como con otros actores (véase Pierce Brosnan), que es capaz de hacernos olvidar que es o ha sido el canadiense de las garras. No, aquí es Robert y se comporta como tal, con una elegancia inusitada sobre el escenario, dirigiéndose a su público con sobriedad. Bale no desmerece, pero de él ya esperaba ese papel. Sin embargo, Scarlett Johansson como Olivia no destaca en exceso (salvo por... lo evidente), pero eso se debe a que tiene mucho menos metraje que el resto. Lo cierto es que hasta Rebbeca Hall como Sarah, la esposa de Alfred, sorprende más.

En definitiva, una película muy elaborada, tremendamente compleja en su cometido y con grandes escenas que conducen a un final inevitable. La verdad es que a mí me encanta, aun me queda por ver el Ilusionista para saber cuál de las dos se queda con el Prestigio.

Bocetos de COP: Contest of Pijameros

2007-02-09T16:25:00.000+01:00

Pues eso, que yo soy el autor de las tiras cómicas que aparecen cada lunes en la web de Universo Marvel. Y para actualizar (que llevo días sin hacerlo) he pensado que sería interesante mostraros algunos de los lápices de éstas, ya que tengo un buen colchón que enseñaros.

Aquí tenéis la tira número 8, basada en los acontecimientos de Secret War, a lápiz primero y entintada, antes de maquetarla.

La tira número 9 la realicé con muchas ganas y con pesar, puesto que realmente me dio pena la marcha del buen Dave Cockrum (dibujante, diseñador de personajes como Tormenta, Rondador Nocturno y Coloso) y merecía un homenaje como es debido. Por ello, no quedé contento con la primera versión a lápiz que hice y me animé a hacer otra que, en mi opinión, quedó mucho mejor.

En la tira número 10, me costó mucho hacerme con los diseños de Lobezno apropiados para sus diferentes "versiones" a lo largo de su historia, llegando a improvisar sobre la marcha (solo tenía claro el de samurai y el de Madrox, chiste típico donde los haya, hasta Austen se burló de ello en su día), aquí tenéis la tira a lápiz y entintada:

Finalmente, en la tira número 11, al tener una idea muy fija de lo que quería hacer (es lo que tiene querer meterse sutilmente con algunas injusticias editoriales y dibujar a uno de mis personajes preferidos como pueda ser Jessica Jones) no tuve demasiados contratiempos y la versión a lápiz fue muy respetada:

Eso es todo por hoy, no se olviden de pasar por Universo Marvel hoy mismo para ver la tira número 12 (publicidad subliminal, qué cosas XD) y espero que os haya resultado curioso. Si veo que os gusta, seguiré poniendo bocetos y demás por aquí, un saludo.

Toonstruck, atrapado en la animación

2007-02-06T14:28:00.000+01:00

El año 1996 fue de los mejores que jamás haya tenido un jugador de aventuras gráficas. Más de una treintena de juegos de este género salieron a lo largo de esos doce meses, siendo los más populares el propio Broken Sword o The Curse of Monkey Island. Pero aventuras como Toonstruck y Harvester, quedaron irremediablemente relegadas al ostracismo. ¿Es por su calidad? ¿por su arriesgada propuesta? Más de lo segundo que de lo primero, pero lo cierto es que fue una verdadera lástima, teniendo en cuenta que no tienen mucho que envidiar a las obras maestras del género, sin que estas lleguen a serlo, que ese título solo es apto para unas pocas afortunadas. Lo cierto es que tanto Toonstruck, Harvester y muchísimas otras salieron en la época menos apropiada y eso es una pena, sorbe todo en el caso de la primera, puesto que tenían preparada hasta la secuela y su salida al mercado no fue posible por su tremendo fracaso comercial. Una verdadera lástima que todos los jugadores de este fantástico juego de Virgin y Burst todavía sienten, al completárselo y ver ese final abierto tan sugerente.

Y es que Toonstruck es un mundo, con su gente, sus países y sus costumbres. Un mundo de dibujos animados que destila humor ácido, irónico, satírico y cínico por las cuatro esquinas. En un primer momento puede parecer un juego hasta infantil, teniendo en cuenta que el primer escenario a recorrer se llama Contentilandia, que ya es decir. Un lugar donde todos los habitantes son felices, solo quieren que el prójimo se sienta contento y son tan terriblemente ñoños que el paso a Malevolandia o Loquilandia se hace incluso relajante, algo que resulta verdaderamente irónico.
La historia cuenta las desventuras de un dibujante diseñador de dibujos animados, Andrés Truido, que tiene un plazo ridículo para mostrar a su jefe una gran idea sobre una serie de conejitos felices bailarines, un tema que horroriza a este gran creador de personajes. Su vida se volverá mucho más interesante cuando en mitad de la noche se mete accidentalmente en el mundo de dibujos animados ya citado.

Se trata de un argumento a primera vista sencillo, donde Andrés tendrá que huir de ese lugar y regresar a su mundo como sea, cosa que le garantiza el rey de Contentilandia si consigue salvarlos de la presencia del malvado Nefastus, que con su Maleficador desea… eh… malificarlos a todos… Ejem, pero nada es tan sencillo y resulta increíble que en un mundo tan aparentemente blanco y negro haya tantos tonos de gris. En resumen, que aquí nadie se salva.
A todo esto, desde luego que nadie se salva, y menos de la lengua del impredecible y políticamente incorrecto Flux Tarambana, el compañero que seguirá a Andrés Truido hasta el final de la aventura.

El control es muy sencillo, es point and click con ratón y disponemos de un inventario con la posibilidad de utilizar a nuestro inestimable compañero, cosa que recuerda mucho a la imprescindible Sam y Max, donde manejábamos al segundo mientras que el primero era una opción, como un objeto cualquiera. Las similitudes con este fantástico juego no acaban ahí, puesto que si ya dije en su momento que la aventura de Lucas Arts era delirante y surrealista, esta también le va a la zaga y hasta la supera en lo segundo, incluso en lo crítico. Ya que realmente se mete con la censura y lo políticamente correcto, que está reflejado aquí como lo más agobiante y patético de la aventura, si no que se lo digan a los guardias del rey de Contentilandia, capaces de poner de los nervios a cualquiera con sus frases excesivamente amables y sus horrendos bailes. Es curioso que resulte tan agradable encontrarse con un habitante de Loquilandia, en especial si aparece el típico dúo del gato y el perro liándose a hostias con la misma saña que Rasca y Pica en los Simpson. Todo ello en una fábrica llamada WACME, no por nada, pero el juego tiene muchas versiones de personajes célebres de los dibujos animados.

La verdad es que la aventura tiene un ritmo perfecto, aunque consista en obtener un número de objetos para resolver algo y salir del trecho, aparte de que los puzzles son bastante lógicos. Pero las situaciones son las que cuentan y hay muchas realmente divertidas.
El juego se puede separar perfectamente en dos actos, que son los CDs en los que consiste. El primero sería la búsqueda de objetos para la creación del Contentificador por los tres países anteriormente enumerados y el segundo en escapar del castillo de Nefastus. Por lo que la diversión está más que garantizada y en verdad hay que echarle unas cuantas horas al juego, que tiene la duración justa. De hecho, antes comenté que había una segunda parte ya realizada porque los programadores vieron que el juego se hacía demasiado largo y cortaron por la mitad (de hecho, hay pantallas que demuestran este hecho, alguna de Andrés por el oeste circula por la red), pero aun así procuraron que el final estuviera lo mejor posible, aunque abierto es el final de algo, así que no se nota mucho el corte, en absoluto.

Por último, habría que hablar de los gráficos y el sonido del juego.
Decir que en calidad técnica no tiene absolutamente nada que envidiar a The Curse of Monkey Island y hasta me parece que lo supera en cuanto a animación. Lo cual no es de extrañar, porque en el juego trabajaron animadores acostumbrados a series de televisión, por no decir que tenemos la presencia del actor Christopher Lloyd (recordad, el viejo de Regreso al Futuro), que interpreta de maravilla al carismático Andrés Truido, un personaje “real” insertado en fotogramas por un mundo en 2D perfectamente elaborado, una delicia. Aparte, los escenarios son coloridos y tienen una estética cartoon genial, así como los personajes, todos diseñados con bastante imaginación habiendo una gran variedad a lo largo y ancho del juego. Lo dicho, en cuanto a calidad técnica tanto Burst como Virgin se gastaron un buen pastón, motivo por el que no se comprende el gran batacazo en ventas, quizá una mala publicidad o esa horrible portada del payaso que, siendo honestos, no pega ni con cola. De hecho, cuando yo la vi por primera vez, no me motivaba nada coger la caja para saber de qué se trataba.

En cuanto al sonido, es asombroso, tiene música clásica que ambienta muy bien las pantallas y los efectos de sonido, aunque muy básicos, están muy acertados. Pero lo que sí es realmente increíble es el doblaje al castellano, donde podemos encontrar a dobladores de la talla de Héctor Cantilla doblando a Nefastus (dobló a Jor El en Superman Returns), Rafael Alonso a Flux Tarambana (dobla actualmente a Mr. Whiskers), Isacha Mengíbar a Fluffy (ni más ni menos que la que dobla a Lisa Simpson y a Jorgito, Juanito y Jaimito de Patoaventuras), José Luis Gil a Pincho Villa (el Juan Cuesta de Aquí no hay quien viva, el que dobla a Buzz Lightyear en Toy Story y al mismísimo Ace Ventura), etc, etc.
Aparte, la distribuidora española se volcó hasta en una excelente traducción donde podemos ver hasta carteles del fondo traducidos, acojonante el trabajo realizado.

Por todo esto y más, Toonstruck merecía mejor suerte y un mayor recuerdo en este competitivo mercado de los videojuegos. Actualmente es imposible de encontrar, pero si puedes hacerte con este juego, no lo dudes, es hasta perfecto para aquellos que pretendan iniciarse en las aventuras gráficas, su diversión no tiene igual.

El incoherente recorrido de Magneto

2007-02-05T12:06:00.000+01:00

Qué difícil es hablar de los villanos de Marvel. Todos o prácticamente todos tienen un recorrido realmente estúpido, entre cambios y gilipolleces sin sentido que no vienen a cuento. Todos habrán resucitado al menos una vez, pero si hay uno que rivaliza con Jean Grey (alias Fénix) con respecto a eso es el propio Magneto.

Magneto nació para ser la antítesis perfecta de los X-men, el lado contrario de Xavier que, ya desde el principio, reunió a su propia Hermandad de Mutantes Diabólicos para combatir a los X-men de su oponente directo. En sus inicios tuvo un recorrido un tanto olvidable, aunque fue realmente carismático y tuvo unos números inmejorables de la mano de Roy Thomas y Neal Adams, que lo convirtieron en un estratega malévolo, a la altura del Dr. Muerte, que ya empezaba a despuntar por aquel entonces en las páginas de los Cuatro Fantásticos.
Pero lo que de verdad fue un golpe de suerte para este personaje fue encontrarse bajo la máquina de escribir de Chris Claremont. Aunque sus inicios con él fueron un tanto extraños, de primeras hizo que se codeara con Mesmero, ya que en su momento urdió un plan contra la Patrulla-X que consistía en una réplica robótica falsa del villano. Lo raro fue la presencia de Nany, una niñera robot que se dedicó a torturar a los hombres-X de la manera más terrorífica posible: tratándolos como si fueran auténticos bebés.

Lo dicho, Claremont tuvo un inicio rocambolesco, pero luego realizó con Magneto el mejor de sus recorridos, tratándolo con una ambigüedad y complejidad impresionantes, llegando a llorar por el dolor que le inflige a Kitty Pryde, que tan solo era una niña por aquel entonces. Al ver su colgante judío no pudo evitar echarse abajo y retirarse un tiempo para regresar siendo uno de los miembros de los X-men, sustituyendo a un Xavier muy malherido y ausente, perdido en el imperio Shi´ar, donde le curarían las heridas. La verdad es que su paso en la escuela fue muy desagradable para él mismo, ya que todos desconfiaban de él y ni siquiera le permitían que fuera a ver a los integrantes del Club Fuego Infernal, siendo esto comprensible, claro. El colmo de los colmos llegó cuando los Estados Unidos quisieron llevarlo a juicio, empezando así un crossover entre los X-men y los Vengadores que aun hoy es recordado. Como era de esperar, todo acabó en desastre, ya que al ver que las cosas no iban muy bien con su presencia ni cuando salvó a Pícara en la Tierra Salvaje, matando a gente por en medio, se retiró a su asteroide M, donde descubrió algo que no le hizo mucha gracia, que digamos.

Y así empezamos con la primera cagada, Magneto fue tratado psicológicamente por Moria McTaggert cuando este fue convertido en un retaco de un año o menos (no preguntéis, finales de los 60 y tal), de ahí las buenas intenciones del villano. Montó en cólera y con un grupo de Acólitos armó una guerra bien gorda que acabó en el mismo asteroide, que explotó con él dentro, salvando a los X-men en un último acto de piedad. Y se supone que ese era el final para el personaje.
Pero no, en las editoriales norteamericanas no pueden dejar que un malvado de esa enjundia desaparezca así como así, por lo que regresó (que no estaba muerto, estaba de parranda como quien dice) en un crossover llamado Atracciones Fatales, donde extrajo el adamantium a Lobezno (toma ya) y se llevó a Coloso a sus filas tras las confusiones que tenía este con respecto a la muerte de su familia, especialmente de Illyana por el virus del Legado. No era mala saga y tampoco mal desenlace, puesto que acaba con Xavier haciéndole una lobotomía de cojones al villano, es decir, dejándolo más seco mentalmente que la mojama. Y se supone que de él nunca más se supo. ¿O sí?

Pues sí, porque de repente vemos que una monja encuentra a un tipo joven, amnésico y con poderes del magnetismo. Su ADN coincide con… adivinad… ¡sí! Erik Magnus Leshner, y acaba formando parte de la Patrulla-X, teniendo un pequeño idilio con Pícara que no dura demasiado y apenas se explora. Lo bautizaron… Joseph, por alguna extraña razón. Luego vimos que existía la duda de que repitiera los mismos pasos de antaño, ya que este Magneto resulta ser un tipo muy amigable y con toda la intención de ser buena persona. Por desgracia, los guionistas tenían ideas muy extrañas y los editores metían mucha mano por medio, puesto que de repente vemos que hay otro Erik deambulando por ahí entre subtramas, sigh… Finalmente, tuvo que llegar Davis para resolver el caos argumental y la verdad es que lo hizo lo mejor que pudo, logrando que Joseph tuviera su propio origen (muy interesante) en una saga de desenlace inesperado donde la copia benigna (no lo llamemos clon, que si no se enfada la creadora) tiene una muerte loable. O al menos muchísimo mejor que otras tantas que vemos actualmente.

¿Y qué fue de Magneto? ¡Con su propia parcelita en Genosha, casi nada!
Como gobernante de dicho país y continente, tiene varias responsabilidades y de esta manera tan inteligente se quitaban los guionistas de encima a este villano, ocupado por sus quehaceres y protagonizando varias miniseries junto a Polaris. Pero llegó Apocalipsis (léase Lobdell) y se lo cargó todo de un plumazo, de repente Magneto quiere guerra y en la infame Vísperas de Destrucción se pone a luchar contra los X-men en una especie de coliseo para acabar ensartado por Lobezno cual pincho moruno.
¿Fin? No, qué va, luego por si todo esto fuera poco, llega Morrison y en una esnifada se cepilla toda Genosha porque Cassandra Nova (la nueva archivillana) lo vale. Un número con un funeral por todo lo alto (tendríais que haber visto la estatua, la leche) supone el fin para este personaje. Qué ingenuos…

Que no, que no, que de repente ni Joseph ni leches: Xorn. ¿Qué quién es ese? Pues un tío con una estrella (de las del espacio, literalmente) en la cabeza que ingresó en los X-men durante la saga de Imperial. Resulta ser Magneto, que no estaba muerto y tal. Por suerte, Planeta-X es una saga con momentos tan geniales como la supuesta muerte de Jean y Lobezno en el espacio que justifica todo el embrollo, que ni es tan complicado ni carece de coherencia, si uno lo piensa dos veces. Y es que Erik tenía que cumplir con su palabra, tarde o temprano, sobre todo si le han destrozado toda una isla de su propiedad.
Eso sí, el guionista escocés en un arrebato de originalidad hace que Lobezno mate a Magnus oootra vez.
¿Fin? Repetimos: NO.

Está viiivo. ¿Y cómo esta vez? Pues que no era Xorn, que lo había suplantado porque la droga Coz le volvió loco, así que ahí lo tenemos otra vez al chico, en Genosha y con Xavier, intentando realzarla de nuevo. Hasta que a la hija se le cruzan los cables y llega la Dinastía de M, un mundo donde Magneto es el rey de los Estados Unidos y vive placenteramente de no ser por la terrible pérdida de su mejor amigo, el Xavierete. Hasta que se descubre el desaguisado y… digamos que no se lo toma muy bien, por lo que la hija (por si no lo sabéis a estas alturas, hablo de Wanda Maximoff, la Bruja Escarlata) pierde el control y suelta una frasecilla que lo manda todo a tomar por culo: -No more mutants.
Llegamos entonces al paradero actual del villano, deambulando por Genosha y además sin poderes, tan triste y solitario que no me explico cómo no se ha pegado un tiro a estas alturas.

Y eso es todo, por ahora, ¿cuánto más nos sorprenderán los guionistas? ¿Cuánto tiempo serán capaces de seguir manteniendo la suspensión de incredulidad? No se lo pierdan señores, todos los meses en el mismo kiosco o en la misma librería… Según le dé a Panini, claro.

Las Colinas tienen Ojos, un Gran Hermano caníbal

2007-02-02T17:02:00.000+01:00

Año: 2006.
Duración: 107 minutos.
País: Estados Unidos.
Director: Alexandre Aja.

Odio los remakes y las películas actuales de terror.
Este mismo año he ido a ver la Profecía y he salido espantado, no solo me ha parecido una pésima, desfasada y aburrida película, sino que para lo único que sirvió fue para interesarme por la original y descubrir que es muchísimo mejor. Ya no hacen películas de terror como las de antes (abuelo Cebolleta dixit) y empiezo a estar harto de ver siempre a los mismos fantasmas, a los mismos niños-monstruo (la de The Ring, por ejemplo, repetida en mil películas orientales de terror, que encima tienen su correspondiente remake americano), los mismos adolescentes tontos que sufren la persecución de asesinos implacables con una integridad física imposible. En resumen, ¡qué decepción me he llevado con el cine de terror últimamente! ¿Por qué no tengo una sorpresa de vez en cuando?
Parece que mis súplicas fueron escuchadas y de repente tuvimos en cartelera un remake de la película de 1977 de Wes Craven, Las Colinas tienen Ojos. Lo primero que me llamó la atención fueron las declaraciones del mismo director de Scream, que comentó tras ver la escena puntal de esta versión que supera la original (la suya, claro) con creces y hasta quedó impactado por la dosis de violencia cruda mostrada, sin llegar al gore más absoluto.

No es para menos, pues se trata de una de las mejores películas de terror que he visto en el cine, lo cual tampoco es decir mucho, ya que el panorama es bastante pobre, como ya he dicho más arriba. Echaba de menos algo del estilo “La Matanza de Texas” sin que resultara insultante o aburrido por repetitivo, creo que Alexandre Aja, director de otra película de terror más personal cuyo nombre es Alta Tensión (habrá que verla), dio en el clavo al realizar una versión más sobrecogedora de aquella obra de culto de Wes Craven, aportando diferentes matices y haciéndola mucho más intensa en todos los sentidos. En resumen, superándola.
El argumento es simple pero efectivo, trata de una familia americana al uso (aunque no tan políticamente correcta como parece en un principio) que cruza los Estados Unidos en caravana y tiene que atravesar el mítico camino perdido (por culpa de las autopistas) conocido como Kilómetro 66. Pararán en una gasolinera para repostar y el propietario les indicará por dónde deben ir, sin saber que caerán en una terrible trampa donde un grupo de asesinos caníbales les darán caza sin la menor consideración.

Entre muchas de las virtudes de la película se encuentra su ambiente, sucio y malsano, con la gasolinera más poco acogedora de todo el desierto americano y un ídem tan solitario y apartado de la mano de Dios que cualquiera podría moverse por allí como quisiera, sin que nadie se enterara de lo ocurrido.
Los cráteres formados por las bombas atómicas, las casas viejas con sus maniquíes sonrientes (sin duda el acierto más genial de este remake, la original no tenía nada de todo esto, aunque recuerda un poco a la Casa de Cera), la ya mencionada gasolinera, la propia caravana en medio de la gran nada, los picos afilados de las rocas que hay sobre las colinas, los coches abandonados, la mina... En definitiva, el ambiente es acojonante y la variedad mostrada dentro de ese desierto es más que acertada, siendo un lugar deshabitado y me atrevería a decir que incluso inexplorado. A veces se tiene la misma curiosidad que los protagonistas por ver qué hay más allá de las colinas, o qué esconde la inquietante mina donde la familia Júpiter (así se llaman los caníbales) esconden o almacenan los cadáveres cuando los capturan.

Este remake de Alexandre también nos ofrece una nueva versión de la familia caníbal de Júpiter. En lugar de mostrarnos a los monstruosos miembros de una familia claramente producida por incesto, que fue educada totalmente apartada de la sociedad sin ningún atisbo de moral o conciencia humanas, en esta nueva versión hay una crítica brutal sobre cómo el Gobierno empleó cierta zona de América para probar armamento nuclear sin tener en cuenta a los habitantes o al menos sin la conciencia de que los mismos estaban allí. Es cierto que se pierden unos matices bastante interesantes sobre la verdadera condición humana, de hecho, esta familia estuvo inspirada (en la original de Wes Craven, que no en el remake) en una que existió en realmente en Escocia, el director Tob Hopper también la tuvo en cuenta para su Matanza de Texas. Aunque no se pierden del todo, ya que estos monstruos, aunque víctimas de la arrogancia del país, siguen siendo personas apartadas de la sociedad que tienen costumbres más animales que las que consideramos humanas. De hecho, lo interesante es que esta vez se mueven también por venganza, conocedores de su sufrimiento y de lo que ocurrió, víctimas de algo que no esperaban. En cierto modo, ahora la familia de Júpiter es creación de nuestro propio sistema, una ironía.

Y es que, de primeras, el tema de las deformidades producidas por las bombas atómicas ya deja con muy mal cuerpo al principio de la película, con uno de los créditos más acertados que haya visto, mostrando imágenes reales con una música tan melancólica y alegre que queda verdaderamente desconcertante ante esos videos reales sobre las bombas nucleares, entre fotos que paralizan la respiración, presentando lo que se verá a lo largo del filme. Por cierto, ya que estamos con las deformidades, el maquillaje de los asesinos no puede ser mejor, en el sentido de que producen escalofríos y cada uno de los miembros de la familia está verdaderamente conseguido, todos parecen de verdad, nadie diría que se trata de maquillaje. Técnicamente la película es digna de mención y ofrece un ambiente malsano que solo inspira a salir corriendo de allí cuanto antes mejor.

Por lo demás, refiriéndome ya al argumento en sí, aunque éste no sea nada del otro mundo (familia en merced de un grupo de asesinos caníbales, supervivencia y tal) y sea casi calcado del original, está enfocado de una manera diferente y aunque esté repleto de tópicos la verdad es que el director se preocupa por llevarlos con bastante soltura, consiguiendo lo que se propone al más viejo estilo ochentero. Puede que sobren algunos minutos de metraje con respecto a la primera mitad de la película, que es lenta y la acción se hacen de rogar, pero esto también ayuda a que conozcamos mejor a esta no-tan-típica familia americana que se las tendrá que ver con seres sin escrúpulos y sin ningún tipo de remordimientos. La impotencia está asegurada en el primer ataque, una de las mejores escenas y la que tanto alaba Wes Craven, pues uno desea que todo acabe cuanto antes y la violencia mostrada es agobiante, tan directa que realmente lo pasas mal y quieres atravesar la pantalla para darle de ostias a los energúmenos que hacen lo indecible contra las mujeres de la familia, las cuales reciben la peor parte. Cabe destacar que entre los varones y las mujeres hay un bebé, hay que tener mala leche para poner un elemento así en una película de estas características.
Después, en la segunda mitad, viene la venganza, y los aplausos por cada uno de los monstruos caníbales que mueren es de rigor. No solo eso, sino que el ritmo se vuelve frenético y todo lo que le faltaba a la primera parte se suple con creces.
El héroe de la película es, por cierto, un pastor alemán al cual habría que colocar en un pedestal.

Y nada más que decir salvo que es muy recomendable para pasar un mal rato (en el mejor de los sentidos). No apta para gente sensible y se espera segunda parte este mismo año, aunque no la espero con muchas ganas, sinceramente.

The Dig, escapando de lo desconocido

2007-01-31T14:10:00.000+01:00

¿Qué os parece si hoy hablamos de una aventura gráfica injustamente olvidada (como muchísimas tantas)? Hagamos una prueba, dirigíos a vuestros amigos o compañeros más fanáticos de los videojuegos que conozcáis y hacedles esta pregunta:-¿Has jugado alguna vez a The Dig? Lo más seguro (a no ser que sean verdaderos fans de Lucas Arts) es que te respondan con un sonoro:-¿EING?
Y es que así de cruel es el mundillo, si no destacas en ventas caes en el más mísero olvido, y más si acaban pasando los años y técnicamente acabas desfasado. Otro ejemplo sería el excelente juego que es Loom (antes ya mencionado en este blog, ir aquí para leer reseña), pero es que en este caso ni tan siquiera tiene la etiqueta de vieja gloria, aunque honestamente tampoco es que la merezca por una serie de cuestiones que pasaré a enumerar más tarde.
Estamos hablando de un guión escrito, entre otros, por Orson Scott Card (sí, el de Ultimate Iron Man y los Libros de Ender) y Sean Clark (el tipo detrás de Sam y Max y... Monkey Island 4... todos tenemos un pasado oscuro XD), que partió de una idea de Steven Spielberg para la gran pantalla que, por desgracia, no fue a buen puerto por la cantidad de presupuesto que se requería, así que acabó llamando a su colega Lucas y así nació este juego. Iba a ser una película de efectos especiales sobre un meteorito que se acerca inexorablemente a la Tierra y un equipo de astronautas se dirige a su interior para hacerlo estallar. Por desgracia, descubrirán que es muchísimo más de lo que aparenta y acaban en un planeta desconocido del que deben escapar para regresar sus respectivos hogares.

Suena atrayente para tratarse de una aventura gráfica, ¿verdad? Se trata más bien de un juego de exploración repleto de puzzles y escenarios, nada típicos y muy sorprendentes. La verdad es que el tema de la exploración lo lleva muy bien y es casi imposible evitar maravillarse por el ingenio y la creatividad de los programadores, que logran sumergirte en un mundo completamente nuevo, realmente fantástico y repleto de una maquinaria extraterrestre novedosa e impredecible. Esa es su mayor virtud, una inquietante ambientación que cautiva, una sensación de maravilla que aun sigue ahí a pesar de los años y los gráficos pixelados (que ya eran anticuados para su época, por el lento desarrollo del juego a lo largo de los años, antes de que saliera en venta) y unos personajes que resultan bastante interesantes entre sí. Aunque mejor no confundir esto con carisma, ojo, lo cierto es que los tres son un tanto sosillos y un tanto extremos en sus personalidades. Es decir, el protagonista parece un profesor que trata de reunir a sus alumnos sin conseguirlo y el don de mando no se nota demasiado. La chica es tan pasota en numerosas ocasiones que da la impresión de que quiere morir de alguna manera. Y el científico que va a su bola pase lo que pase y quiere su pedacito de gloria aunque tenga que matar a alguien en el intento.

Cabe decir que la historia es fantástica y se nota que está pensada para una película, tiene una introducción muy precisa en el espacio y sobre el meteorito que no deja indiferente, así como momentos inesperados que acaban siendo toda una sorpresa (¿mueren los personajes en los juegos de Lucas Arts?), por la intensa importancia que tienen en el argumento. Es más, la interacción entre los tres personajes (aunque solo manejas a uno durante todo el juego, ojo) es muy interesante, como ya he dicho más arriba, los diálogos y los piques entre ellos al ver ciertas localizaciones fantásticas e instrumentos totalmente nuevos es fascinante, pura ciencia ficción que anima a seguir descubriendo cosas nuevas sobre ese mundo inexplorado y repleto de posibilidades. Esto enriquece también el inventario, que es de lo más variopinto, aquí es difícil coger cosas “vulgares” como un mechero, un póster, un bolígrafo y demás objetos cotidianos. No, aquí lo interesante es saber para qué sirve ese tubo rojo fosforito que tienes entre las manos o aquel amuleto de color azul que brilla cuando lo acercas a esa grieta, cosas así con las que le dan un toque único a esta aventura gráfica, con tintes de aventura al estilo Indiana Jones Fate of Atlantis.

Sin embargo, no todo es tan perfecto, al ser una aventura enteramente de ciencia ficción es posible que a cualquier persona que no se sienta atraída por este género pueda acabar hasta los mismísimos ante tanta palabrería técnica o tanto diálogo en plan metafísico. Aparte, no hay muchos secundarios que digamos, tan solo tres personajes y alguna que otra especie que aparece solo para marcar unas pautas a seguir y poco más. Al no haber variedad de personajes también puede ser agotador para aquel que esté acostumbrado a tratar con aventuras más típicas donde no todo consiste en puzzles (de polígonos incluso) y exploración. A veces la mayor baza de un producto puede ser su perdición y en este caso, The Dig, es un juego que está dirigido a fans más acérrimos de la ciencia ficción que tengan interés por explorar zonas nuevas y un mundo desconocido cual arqueólogo en busca del arca perdida (¿se nota la referencia?). Cumple de fábula su misión, pero tiene un público muy reducido y complaciente que, además, podría sentirse defraudado al terminarse el juego, cuyo final me parece realmente light, demasiado feliz para lo que yo esperaba. Y para colmo no se explica como es debido todo lo que pasó en aquel lugar desconocido. Una lástima, aunque eso no resta méritos en el diseño y el increíble ambiente, por no hablar del perfecto desarrollo de la aventura.

Técnicamente tiene una animación soberbia, lo que estropeó bastante el conjunto fue que por aquella época, donde las 3D empezaban a frecuentar (títulos como Blade Runner desencajaron mandíbulas en su época) y la resolución empezaba a ser mucho mayor, se empleara el mismo sistema de 256 colores que se usó para Monkey Island 2, por ejemplo. El problema es que el juego salió demasiado tarde, más de lo previsto, tuvo una programación muy larga y con altibajos, es por ello que apareció desfasado, un caso similar sería el de Heart of Darkness. Sin embargo, para tratarse de una resolución tan baja con una paleta tan limitada, lo cierto es que los programadores pusieron mucho empeño a la hora de aprovecharla al máximo y muchos de los escenarios son cautivadores y repletos de animación (el agua, por ejemplo, alguna que otra cascada). Aunque eso también es cosa de lo interesantes que fueron los diseños. Por otra parte, estos gráficos de dibujos animados con un toque realista recuerdan un poco al Broken Sword, incluso en las secuencias cinemáticas, las cuales tienen elementos en tres dimensiones.
Y no es lo único que recuerda al famoso juego de George Stobbart (mucho más afortunado que este, aunque menos imaginativo), sino que hasta el control es similar, de “point and click”, utilizando ambos botones del ratón, el izquierdo para usar/abrir/cerrar/hablar (dependiendo del objeto o persona) y el derecho para mirar.

En definitiva, dista mucho de ser una vieja gloria de la compañía al estilo Day of Tentacle o The Secret of Monkey Island, pero desde luego es una pequeña joya única dentro del género, una pena que el final estropee bastante el conjunto.

La Joven del Agua, sin pena ni gloria

2007-01-30T12:26:00.000+01:00

Año: 2006.
Duración: 110 minutos.
País: Estados Unidos.
Director: M. Night Shyamalan.

He visto todas las películas del peculiar director que es M. Night Shyamalan, de hecho creo que de su corta filmografía tiene muchos elementos en común y ciertas inquietudes que se dedica a transmitir continuamente. El Sexto Sentido fue su gran éxito, tanto que desde entonces todo el mundo la compara con el resto de las películas que ha ido realizando tras ésta, alegando que nunca alcanzaría ese nivel de nuevo. Sin embargo, el Protegido la considero la mejor de todas las que ha hecho, por lo sorprendente e impactante de su original planteamiento, una película repleta de segundas lecturas con un final inesperado. Señales es un acercamiento al fenómeno extraterrestre de una manera única, una invasión presentada desde el punto de vista de una familia que se siente impotente ante la situación, lo malo es que el final es realmente pobre. Luego llegaría la desafortunada El Bosque, que es una película excelente en mi opinión, pero la publicidad nos engañó diciendo que se trataba de un filme de terror cuando no es tal, por mucho suspense que haya. Y finalmente llegamos al cuento de hadas que es La Joven del Agua (creo que habría quedado mejor La Dama del Agua, pero bueno), mi opinión es la siguiente.

El argumento trata de un hombre llamado Cleveland (Paul Giamatti) que trabaja como portero en los apartamentos de una urbanización conocida como The Cove. Una noche, tras tener noticias de que había alguien bañándose de noche en la piscina, encontrará una especie de ninfa (Narf las llaman) del agua que tiene que hacer contacto con el mundo del exterior para poder cumplir una misión. Cleveland se verá obligado, junto a los demás habitantes de los apartamentos, a ayudarla, defendiéndola de numerosos peligros que tratarán de evitar que consiga lo que se propone.

Para empezar, para ir a ver esta película hay que desconectar con el mundo real y tratar de meterse en la historia, dar por sentado que existen esas especies que desconocemos y habitan entre nosotros desde siempre. Hay que reconocer que el director se las apaña para realizar una historia, que no es más que un cuento que relataba a sus hijas de vez cuando, con cierto encanto y originalidad (mezclar lo cotidiano con lo fantástico con tanta destreza no lo hace cualquiera), repleta de mensajes y personajes con carisma, de entre los cuales destaca el tartamudo protagonista soberbiamente interpretado por Giamatti.
Desde la introducción, donde se nos cuenta el origen de las Narf como si nos estuvieran contando un cuento a través de imágenes simples y arcaicas, toda la película tiene un aire de historia mágica que evoca lo mejor y lo peor del ser humano. Desde el primer momento se habla de la perdición de la humanidad, de su carácter violento al no conectar con la naturaleza y la especie perdida. Durante la película siempre se ven las televisiones informando de las guerras de una forma sutil, contrastando con el argumento de la Narf llamada Story, que tiene una misión que cumplir y es precisamente encontrar una especie de utopía en el mundo.

La manera en que nos presentan a los habitantes de la urbanización es pasmosa, el inicio es atrayente y lo cierto es que muy interesante, sobre todo porque Story aparece más pronto de lo que yo tenía previsto, cosa que me sorprendió bastante teniendo en cuenta la costumbre de los filmes actuales de arrancar con la historia por la mitad.
Los habitantes, como iba diciendo, son una panda de freaks, muy diferentes entre sí y de diferentes culturas, una metáfora de un mundo unido que tiene una causa común. Todos tienen cierta carisma, desde el tipo que entrena solo una parte de su cuerpo hasta la japonesa cuya madre no entiende el inglés y es totalmente asocial. Aunque el mayor acierto es ese crítico que le saca punta a todo, el personaje desagradable que el propio director coloca para meterse con aquellos críticos que valoraron sus películas como si fueran basura.

Me recordó un poco a Eduardo Manostijeras, con estos personajes tan variopintos y curiosos, ambas películas cuentan un cuento también, pero las semejanzas acaban ahí porque La Joven del Agua es mucho más introspectiva y pretende dirigirse al espectador de una manera más sentimental, con momentos de mucha ternura y muchos mensajes sobre la humanidad, nuestra misión en la vida, etc, etc. No es nada nuevo en la filmografía del director, pero diría que es la primera vez que lo refleja de una manera tan explícita.

Sin embargo, creo que Shyamalan se repite demasiado con sus clichés, el más preocupante es el ritmo que dota a la película, demasiado lento y con demasiadas pausas entre conversación y conversación, muchos momentos donde los personajes se levantan de algún sitio, suspiran, se desperezan, etc. No es que esté mal enfocar la película de una manera diferente e incluso con escenas de reposo, pero creo que la historia no da para tanto, resulta desesperante tanta calma. Por ejemplo, en Kill Bill Tarantino maneja muchas conversaciones relajadas y con pausas, pero las compagina bien durante la película y consigue que esta no se haga aburrida o desesperante. Menos mal que dichos momentos cotidianos son rotos cuando aparece el lobo que trata de capturar a Story, con escenas de sobresaltos más que notables, que inquietan con el toque que el director sostiene y siempre ha tenido, aunque con mucho menos acierto que otras veces.
Otro de los clichés sería el de sus personajes con una misión en la vida, comprendo que especialmente en esta historia es necesario (y hasta obligatorio, de hecho) y no es un error, pero en este caso, el tratar de cumplir con la misión de Story durante toda la película con Cleveland preguntando entre los inquilinos de los apartamentos, hace que el argumento sea un tanto lineal y hasta aburrido en numerosas ocasiones, que se ve con interés pero sin demasiada gracia. Al menos tiene momentos realmente ingeniosos con el crucigrama o “leer” en las cajas de cereales, detalles que me gustaron mucho, así como descubrir qué papel tiene cada uno.

Volviendo al ritmo, a partir del momento en que Cleveland tiene que averiguar quién es quién en la misión de Story dentro el bloque de apartamentos, es cuando la cosa empieza a perder fuelle por culpa de la monotonía de las situaciones y el puzzle al que nos vemos sometidos sin actuar en él, hacemos de espectadores que sabemos lo que va a pasar y simplemente nos quedamos mirando porque resulta imposible implicarse. Aparte de que la gente de The Cove resulta ser demasiado complaciente, solo hay un momento donde actúan alegando que no entienden lo que está pasando o que simplemente no se lo creen. De hecho, el momento en que el crítico se encara con el Scrunt (una especie de lobo que da caza a Story), me sacó por completo de la película e hizo que me despistara por completo, me pareció realmente ridículo el soliloquio que cuenta antes de su desenlace. Y eso que entiendo lo que pretendía el director con la escena.
No encontré un sentimiento de maravilla parecido al de otras películas del mismo rasero como una de Tim Burton antes mencionada, eché en falta, sobre todo, alguna sorpresa notable. El director nos tiene acostumbrados con sorprendentes giros finales y no está obligado a hacer lo mismo en todas sus películas, pero en este caso casi es necesario mostrarnos algo de todo lo que dice Story sobre lo que ocurrirá cuando cumpla con lo predestinado o alguna dificultad más allá de la primera equivocación. Creo que todo acaba de un modo demasiado complaciente y feliz, por no decir de golpe, me dejó muy defraudado.

Sé que el argumento no hay que tomárselo muy en serio, ni tan siquiera buscarle la lógica, pero encuentro la película vacía, muy lineal y son muchas las cosas que no se entienden (el Scrunt se pasea por los apartamentos como Pedro por su casa y no se explica por qué Story es la elegida o por qué aparecen los Tarturic solo al final). En definitiva, no es mala película, pero no ha conseguido sorprenderme o maravillarme, la he visto sin pena ni gloria y creo que he visto cuentos de hadas mejores. Tiene buenos momentos y algunos mensajes notables, pero más allá de eso me falla el desarrollo y es tan personal que no me extraña que sea un fracaso en taquilla.

Por qué no me gusta Superman

2007-01-29T14:43:00.000+01:00

Es irónico que haga un artículo con un título así justamente el día que me compro una camisa negra con la “S” de Superman gris. Podría decirse que es una hipocresía por mi parte sobre todo porque también estoy haciéndome (y disfrutando, curiosamente) con el coleccionable que han sacado del personaje hace poco. Si no me gusta este personaje… ¿por qué lo compro y disfruto?
Básicamente porque cuando un autor de calidad es capaz de realizar historias con un concepto que me desagrada o simplemente no me atrae lo suficiente como para comprarlo por si solo, es capaz de escribir un cómic de gran interés y más que digno, de los que son obligatoria su lectura. Gente como John Byrne (coleccionable de Superman), Wolfman, (ídem en Action Comics) Millar (Superman: Rojo), Jeph Loeb (Superman: Las Cuatro Estaciones), Alan Moore (Qué le ocurrió al hombre del mañana), Kurt Busiek (Superman: Identidad Secreta), etc. Son capaces de realizar grandes historias alrededor de este icono, que me parece estático y soso. Cabe destacar que lo enumerado anteriormente sirve como recomendaciones sobre qué leer de este personaje.

¿Y por qué no me gusta el concepto? Básicamente es el propio superhéroe en sí, estamos hablando de un extraterrestre superviviente de un planeta destruido que cayó en nuestro propio planeta y tiene poderes sobrenaturales. Criado en una granja con los típicos valores americanos (los cuales no critico, algunos me parecen hasta elogiables), este hombre que tiene la capacidad de volar, super-fuerza, super-agilidad, super-sentidos, que puede lanzar rayos por los ojos y, para colmo, congelar con su aliento… se pone un uniforme azul, amarillo y rojo para dedicarse a luchar por la justicia y el bien de toda la humanidad. Ahí queda eso.
Esto es básicamente el inicio del género superheroico, de los honorables seres con habilidades especiales que luchan por el bien de todos de una forma altruista. Son los héroes que todos anhelamos, aquellos por los que soñamos porque son figuras que inspiran lo mejor que podemos dar de nosotros mismos, son aquellos que nos dan seguridad y que permanecen intachables ante cualquier situación. Para esto fueron creados, para ser protagonistas de historias “simples” (porque a veces no lo son tanto) sobre el bien y el mal, para ser un modelo a seguir en un mundo corrupto y falto de esperanza.
Pero el género haya cambiado muchísimo últimamente, ahora tratan de meter a los superhéroes en el mundo real, con política de por medio y muchísima ambigüedad, más que tratar de luchas del bien contra el mal ahora es más interesante ver lo que puede hacer alguien si tiene poderes, si puede llegar a derrumbarse o si le interesa simplemente ser altruista.

Todo lo argumentado arriba lo tiene Superman, el boy scout más honorable y altruista del planeta que no tiene problema alguno por defender a la humanidad de cualquier amenaza, el mesías que viene a salvarnos a todos. No digo que sea malo, de hecho es lo que sustenta el género de los superhéroes y si no me gustara podría decirse que entonces no me gustan estos. Pero… ahora busco más, busco que me sorprendan y que no me muestren el mundo tan en blanco y negro, me gustan más los tonos de gris y es algo que muchos autores saben hacer muy bien. Claro que tampoco desprecio las historias clásicas de toda la vida, sobre todo si están bien escritas, como es el caso del coleccionable.
El problema con Superman es que es alguien excesivamente bueno para mi gusto, tan clásico que me aburre, tan icono que es inalterable por completo y, para colmo, lo tiene todo hecho. Es decir, ¿qué interés podría tener un personaje que solo puede ser vencido por un mineral llamado Kriptonita? Gracias a dios que muchos autores han sabido tratar la moralidad intachable del personaje para escribir historias donde el villano se aprovecha de su humanidad (ver Superman: Las Cuatro Estaciones o Superman: Rojo), pero eso no me basta porque encima como Clark Kent es un tipo perfecto y sin problemas graves.

Pasemos a enumerar: -Tiene una mujer que le adora, tiene un trabajo donde nunca ha tenido el menor problema, un jefe que le aprecia y sabe lo que vale, amigos que le veneran y encima son superhéroes (el único que no le ve con buenos ojos es Batman), unos padres adoptivos que siempre le esperan en la granja con la tarta de manzana en las manos deseando que su perfecto hijo llegue para felicitarlo por lo que hace por todos nosotros, un equipo donde prácticamente es el líder, un público que le adora, etc, etc. En definitiva, no puedo verle el interés de ese modo, es increíble que el personaje siga tan monótono a lo largo de los años, luchando con un enemigo u otro mientras le esperan en su casa con los brazos abiertos. Y encima Clark como personaje es tan honesto y maravilloso que a veces tengo la sensación de que tiene la complejidad de un chupete.

No estoy diciendo que el personaje no deba existir ni nada por el estilo (sin él, simplemente, no existiría el género superheroico). En realidad lo valoro por su importancia histórica y como icono que es totalmente reconocible en todo el mundo, es tan famoso como Mickey Mouse.

Pero no puedo evitar que me disguste por todo lo dicho anteriormente y voy a explicarlo en contraste con un superhéroe que me gusta muchísimo más: Spiderman.
Peter Parker, al contrario que Clark Kent, es un chaval (empezó con dieciséis años) empollón, sin amigos, un perdedor dentro de su clase que pasa completamente desapercibido si no es para recibir la paliza del chulito de turno. Un buen día una araña radiactiva le pica injertándole unos extraordinarios poderes arácnidos. ¿Qué es lo primero que decide hacer con ellos? Ganar dinero en combates de boxeo, así de sencillo. Lo que le hace cambiar de opinión es la muerte de su tío Ben (Peter, al igual que Clark, es huérfano y le cuidan sus tíos), de la que se considera culpable por no utilizar sus habilidades con cierta responsabilidad. Pero, sin embargo, cuando se convierte en superhéroe es repudiado y un periódico va contra él siempre que puede, llamándolo amenaza por aplicar la justicia por su propia mano. Nunca recibe nada a cambio y, para colmo, la chica de sus sueños es asesinada delante de sus propios ojos por un villano que se toma las cosas de un modo más personal.
¿Veis las diferencias? Peter sigue en pie a pesar de todas sus adversidades (aunque se están pasando con tanta desgracia y melodrama) y ha seguido adelante, es mucho más humano y vulnerable que el icono querido por todos. Este estudiante picado por la araña no ha tenido un camino de rosas precisamente, al contrario que el hombre de Kansas (en un pueblecito llamado Smallville), que es llegar a Metrópolis y ser aclamado. En definitiva, con Spiderman hay mucha más implicación emocional.

Aparte, los poderes de Spiderman son mucho más interesantes, él no surca los aires, es invulnerable y solo le afecta un mineral de color verde, no, Peter puede ser herido como cualquiera de nosotros y tiene muchísimas limitaciones. El ejemplo más claro que puedo encontrar al respecto está en las películas. En Superman, la clásica de Donner, pudimos ver que el superhombre detenía un tren con su super-fuerza, nada más poner las palmas de sus manos en la parte frontal y los pies apoyados sobre los raíles. Sin embargo, Spiderman casi se destroza las rodillas al intentarlo y agobiado trata de realizar un esfuerzo sobrehumano lanzando telarañas contra los edificios para hacer tensión y detenerlo antes de que llegue al final del recorrido, desmayándose tras finalizar en el intento. ¿Qué es más interesante, alguien que tiene lo tiene muy fácil para detener a las grandes amenazas o alguien que tiene que hacer un esfuerzo mayor? Yo lo tengo clarísimo.
Aunque eso sí, Superman se presta a grandes escenas cósmicas, a grandes batallas, las más increíbles jamás vistas. Esa es su ventaja, claro.

Y por todas estas razones, no me gusta Superman en general, que no sus cómics. No obstante, esto no quiere decir que no lea nada del personaje, porque hasta el más pobre de los personajes puede ser interesante en manos de grandes autores. Ahora es vuestro turno, ¿os gusta o no?

Discworld Noir, Mundodisco con sabor a noir

2007-01-27T15:02:00.000+01:00

Y yo que creía que el género de la Aventura Gráfica estaba muerto y que no tenía mucho que jugar a estas alturas.
Pues me alegro mucho de estar enormemente equivocado, me alegro de haber descubierto una de las mejores sagas que jamás hayan existido en el género, me refiero a la olvidada (por el fandom en general) Discworld. Aunque lo cierto es que empecé jugando con la segunda parte, la cual me pareció magnífica, a la altura del Curse of Monkey Island como mínimo, pero eso lo dejaremos para otro momento, yo quiero centrarme ahora en la tercera entrega, titulada Discworld Noir.

Antes de empezar, habría que decir que estos juegos están basados en las famosas novelas de Terry Pratchet. Tratan de los habitantes de Mundodisco (traducción literal del título, claro está), un mundo plano como una pizza galáctica que navega en un universo de bolsillo sobre una serie de elefantes montados encima de una enorme tortuga cósmica. ¿Surrealista? Bienvenidos a Discworld.

Pues bien, en esta tercera parte podemos regresar al mismo mundo, solo que un tanto cambiado, irreconocible y con la desaparición del mago Rincewind como personaje protagonista jugable. No, ahora no tenemos un mundo casi medieval repleto de fantasía, así que los amantes de los juegos anteriores podrían llevarse las manos a la cabeza con la primera impresión. No es de extrañar, pues la cosa comienza con un detective privado llamado Lewton, que tiene que resolver un caso que consiste en encontrar a una persona desaparecida. Tan sencillo y tan normal, típico de las películas detectivescas de sabor noir (como bien reza el título), que hasta te preguntas por qué diablos no le pusieron otro nombre.

Por suerte, no es un sacrilegio ni nada por el estilo, la mano de Terry Pratchet sigue ahí y pronto encontraremos trolls, vampiros (tócala otra vez, Samael) y hasta magos. Por no decir que la ciudad se llama Ankh-Morpork, igual que en entregas anteriores, y no solo eso, sino que encima se respetan las localizaciones, tales como el palacio del Patricio, el parque (visual desde el plano de la ciudad, no jugable), el muelle, el propio río pestilente (que de río solo tiene el nombre) y hasta la Universidad Invisible. Aquellos fans de entregas anteriores disfrutaran con este nuevo mundo repleto de guiños y reinterpretaciones de lugares que ya habíamos visto. Diablos, si hasta se repiten las clases sociales tales como los gremios, los policías (con el mismo traje prácticamente) y el propio Patricio gobernando con mano de hierro la ciudad, por no decir que veremos a cierto personaje que no puede faltar en ninguna entrega de Mundodisco, toda una sorpresa su primera aparición en el juego.
Lo dicho, es un Discworld como otro cualquiera, solo que reinterpretado, lo cual lo hace aun más único y con una personalidad propia de lujo, al calcar y parodiar ciertas películas de cine negro, destacando Casablanca, siendo una de las más evidentes, sobre todo por el soberbio final.

Eso sí, a Rincewind con su baúl andante se le echa de menos, pero no demasiado, pues el sistema de juego varía positivamente con Lewton y su libreta. Por no decir que este personaje protagonista es de lo mejor que ha parido el género, al tratarse de un personaje tan ambiguo y carismático, con un obvio (pero necesario) toque a lo Bogart, sus diálogos de cine negro harán las delicias de los fans del mismo. Pero si el protagonista es único, esperad a ver a los personajes secundarios, todos y cada uno de ellos tienen algo que decir y no son pocos, están atados a un caso que dista mucho de ser lo que parece en un primer momento.
Mentiras, montones de mentiras y de conspiraciones a mayor escala de lo que en un primer momento se intuye, no creas a nadie, ninguno está libre de culpa y al final todos los cabos se atarán sin quedar ninguno suelto. Una de las mejores tramas que jamás haya podido jugar en una aventura gráfica y no me quedo corto, creo que es la más compleja y mejor desarrollada que he visto nunca en un juego (a secas, ojo), repleto de asesinatos sin cuartel, donde el propio protagonista sufrirá incluso una evolución. Lo dicho, desde el primer momento quedas atrapado por el argumento y terriblemente enganchado desde la secuencia inicial, una de las más atrayentes que pueda tener un videojuego, con la supuesta muerte del protagonista tras tratar de escapar de una enorme sombra que le persigue.

Y si todo esto te parece poco, espera a ver el originalísimo sistema de juego, que hace de Discworld Noir una aventura gráfica original como pocas. Lejos de ser el tipo de innovación (pfff) presuntuoso al estilo control de Broken Sword 3 (que parece un remedo soso del Prince of Persia), este juego se sigue manejando con ratón y el típico pulsar con ambos botones del mismo, solo que con la gran diferencia de que los objetos están en un segundo plano y apenas se usan. Entonces, ¿qué hay que hacer? Utilizar la libreta. Lewton posee una libreta a la que podremos acceder en todo momento y donde anota cada cosa nueva que se encuentra u oye, tachando aquello que ya hayamos solucionado o los casos que supuestamente han quedado cerrados. Con los elementos escritos en la libreta debemos avanzar en el juego, preguntando en todo momento a los personajes secundarios o investigando sobre los objetos de los escenarios y el inventario. Esto ofrece multitud de posibilidades y lo que parece en un principio un juego sencillo se va complicando a medida que avanzamos, sin llegar a ser desesperante. Lo mejor de todo es que una tercera opción se abrirá en el menú de opciones de Lewton a mitad del juego, pero no revelaré el qué exactamente para que los jugadores se sorprendan tanto como yo.
Simplemente increíble el sistema, diferente, adictivo y atractivo. Quizá el único problema sea pasar hojas de la libreta, que en ocasiones puede resultar tedioso, pero uno se acaba acostumbrando.

Pero como todo no podía ser perfecto, llegamos al apartado gráfico, que es el más pobre del juego (que difícilmente podría estar a la altura, teniendo en cuenta el enorme nivel del resto de los apartados), y es que por mucho que la ambientación y el diseño de los personajes sea más que adecuado, lo cierto es que es pobre incluso para la época. Es decir, los personajes son bastante inexpresivos más allá de sus rasgos superficiales y lo peor es la animación, donde en los videos es casi desesperante. Para colmo, ha envejecido fatal y si no fuera por la corrección de gamma del juego, casi no se podría distinguir nada en los escenarios, demasiado oscuros a pesar del ambiente tan conseguido que hay. Al menos cada una de las localizaciones son como deberían ser. Pero lo peor es que hay una serie de fallos (bugs) a lo largo del juego que sorprenden por ser tan patosos, como puede ser la palanqueta que aparece y desaparece o algunas acciones que se repiten sin lógica alguna (prestar atención a las veces que puedes sacar de nuevo el carro del río Ankh con la ayuda de Malaquito). Lo dicho, son cosillas que estropean un poco un conjunto tan soberbio.

De todas maneras, este es un clásico moderno (relativamente, claro, que es del 99) irrepetible que todos los amantes de aventuras debería jugar aunque fuera una vez en su vida. De hecho, me parece el mejor de la saga, lo cual no es decir poco, y una obra maestra, de las mejores aventuras que se puedan encontrar. Que esa es otra, ¿para cuando una reedición de todos los Discworld?

Saint War II: El fin según yo

2007-01-25T23:24:00.000+01:00

¿Qué creíais? ¿Que me iba a rajar? Nah... Yo no me rindo, sigo predicando con mi elección a pesar de que tres tipos pretenden hacerme creer que Shiryu es el mejor (Imagen 1 de Rafa, Imagen 2 de Enrique Vegas, Imagen 3 de Dani Cruz, colega de la galería Fantasymundo), luego algún desaprensivo ha escogido al Caballero de la Cobra y a Ikki de Fénix (imágenes 4 y 5 de Iván) y tampoco es el único, porque otros han optado por Fénix otra vez (imagen 6 de Irikoy) y nuevamente con Seiya, por partida doble nada menos (imagen 7 de David Ardilla e imagen 8 de Sio). Y por si todo esto fuera poco, tres desdichados se unen para declarar la victoria "definitiva" de Fénix y Pegaso (imagen 9 de Maz!, imagen 10 de Lafuente e imagen 11 de Ismawell). Menos mal que Nacho Fernández es un tio cuerdo y sabe muy bien a quien escoger (imagen 12) e Iván Coello (otro coleguilla de Fantasymundo) nos viene a favor del Dragón (imagen 13).

¡El colmo! Yo a todo esto digo NO y contraataco como puedo en mi último intento de supervivencia, aliándome con el Caballero del Dragón, el único que soporto tras Cisne.

Ahí queda eso.
Si deseas seguir la Saint War, entra en Desdemimundo.

Silent Hill, la mejor adaptación

2007-01-25T12:06:00.000+01:00

Año: 2006.
Duración: 127 minutos.
País: Canadá, Francia y Japón.
Director: Christophe Gans.

Ojo, que nadie se equivoque, por mucho que el titulo rece "la mejor adaptación", lo cierto es que quiero que quede claro que ello tampoco es mucho decir. Cualquier aficionado a los videojuegos sabrá lo muy mal que suelen adaptar las grandes obras maestras al cine, o al menos sin aprovechar todo su potencial literario. Sangrantes son los ejemplos como la película de Super Mario Bros (aquella que poco tenía que ver con el alegre fontanero, sí), las dos de Tomb Raider (cuyas historias dejan mucho que desear), las dos de Resident Evil (no están tan mal, pero se inclinan más por la acción que por una propuesta más terrorífica, con más suspense, o si no recordad aquel Némesis tan descafeinado), Doom, Alone in the Dark (horrible, por dios...), Mortal Kombat, Street Fighter (¿pero qué cojones es eso?), etc, etc. Por suerte, el caso que nos ocupa es bien distinto.
Esto es porque el director Christopher Gans (El Pacto de los Lobos, Crying Freeman) es un fanático de la serie que le ha tocado adaptar y tiene un mayor mimo, por no decir que en la producción se encuentra Konami y el propio compositor (y productor a partir de la tercera entrega) de la saga: Akira Yamaoka, que ya es decir. Todo vaticinaba una adaptación como mínimo correcta.

Para empezar, habría que resaltar sobre todo el aspecto visual, el cual es portentoso, un trabajo colosal. Nada más empezar a andar la protagonista por las calles de Silent Hill uno no puede evitar lanzar un suspiro de alivio al ver lo bien representada que está, de hecho es todo un calco de la que debemos recorrer en el juego y en ella hay multitud de localizaciones y elementos reconocibles, tales como mapas calcados a los que tienes que hacer uso y lugares como la escuela, el hotel o el bloque de apartamentos. De hecho, la primera hora de la película es un deleite para todos aquellos que anhelen ver representado el ambiente del videojuego, logran captar hasta la sensación de malestar que se debe sentir, con esa pobre chica ataviada solo con una linterna (al principio con un mechero muy oportuno) y poco más, tratando de huir de las criaturas que moran por esa tierra de nadie.

Y esa es otra, habría que comentar que el aspecto de las criaturas está a la altura de la recreación del ambiente, pues seres como los “Lying Figure” (figuras yacentes en castellano, son aquellos que no tienen brazos, suelen estar por las calles y expulsan una especie de ácido), las “Bubble Head Nurses” (las enfermeras) y el celador son de los que quitan el hipo. Por no hablar del increíble Cabeza de Pirámide, cuya presencia es simplemente angustiosa.
Aparte, los momentos en los que la oscuridad se cierne sobre Silent Hill, la transmutación del lugar a una especie de infierno donde las localizaciones cambian por un tono más sangriento y terrorífico son geniales.

Lo dicho, es un acierto porque los fans del videojuego se quedarán satisfechos y los aficionados al cine de terror más fantástico quedarán sorprendidos ante tanta imaginería, tanto bicho bien hecho y un ambiente tan logrado (agradecimientos a la diseñadora Carol Spier, que lo borda). El problema se encuentra en la segunda hora, la segunda mitad de la película, que es la que cambia todo el planteamiento original del videojuego, el cual es Silent Hill (si no has jugado al juego y no quieres reventarte una parte importante de la historia no sigas leyendo) como una especie de purgatorio donde el que va lo hace para expulsar y sufrir por sus pecados.
No, la verdad es que aquí el director y los guionistas hacen su propia versión personal, no es que esté peor o mejor, pero lo cierto es que muchos fans podrían llevarse las manos a la cabeza.

A partir de aquí se avecinan spoilers, no sigáis leyendo si no habéis visto la película.

El caso es que en lugar de un purgatorio tenemos una especie de limbo creado por una entidad que se niega a dar su nombre en un momento determinado de la película (aunque también se hace llamar la muerte), el cual tiene varias interpretaciones, la más obvia sería que es el diablo, el cual quiere hacer justicia a una pobre niña que sufre por culpa del fanatismo religioso que destruye la tranquilidad del pueblo de Silent Hill.
No es un mal planteamiento, de hecho me sorprendió la ambigüedad del argumento, donde no se puede afirmar quién es el bueno y quién es el malo, pues se trata de una historia donde cada uno aplica la justicia como quiere, un detalle que me gusta bastante. Lo malo es que se aleja un poco (tampoco mucho, no os vayáis a creer, esto no es otro Alone in the Dark) del videojuego y sus miles de significados (sobre todo el de las criaturas, quedando el Cabeza Pirámide sin más explicación que la que se pueda uno imaginar) e interpretaciones. En la película tratan de hacerlo todo un poco más simple y sencillo.

Eso sí, no digo que la explicación de por qué ocurre todo esté mal (de hecho a mí me encanta, considero que el final es genial, con un toque gore inesperado), pero lo cierto es que deja un agujero argumental considerable, como es el hecho de que la protagonista tenga que dar tantas vueltas por el pueblo persiguiendo una niña que huye y escapando de miles de peligros innecesariamente.
Lo que quiero decir es que el diablo (la muerte o lo que sea esa entidad con forma de niña) lo hace todo demasiado complicado para la protagonista cuando el fin que busca es otro. En definitiva, la primera hora de la película, aunque un deleite para el fan de la saga, se hace un tanto extraña e incluso absurda argumentalmente hablando.
Y ya que estamos con los puntos negativos, otro sería (y siendo quisquilloso) el comportamiento de la protagonista en algunos momentos de la película, llegando a realizar proezas como saltar en liana o sobre algunas vigas mal colocadas. Pero son detalles que no sobresalen tanto y carecen de importancia.

En cuanto a los actores, el más interesante es, sin duda alguna, la propia niña Sharon, la cual está interpretada por Jodelle Ferland de una manera más que convincente, sorprendente actuación sobre todo en las diferencias cuando se trata de interpretar a la dulce hija de Rose y a la enigmática Alessa. Rose, interpretada por Radha Mitchell, tampoco lo hace mal, aunque básicamente hace de mujer despavorida que trata de sobrevivir en ese pueblo maldito, realmente me sorprendió ver que ni siquiera hace uso de un cuchillo (el cual se cae en una de las escenas más inoportunas que recuerdo). Para defenderse no habría estado mal que apaleara a uno de los bichejos, por dios. De repartir ostias como panes se encarga, sin embargo, la buena de Cybil (Laurie Holden), una policía que se verá metida en todo el embrollo sin desearlo. También tenemos al marido que posiblemente sea el protagonista de la segunda parte: Christopher DaSilva, interpretado por Sean Bean, el cual hace realmente poco, más allá de realizar una investigación del pueblo que no lleva a ninguna parte pero se revela lógica para la trama y un buen apunte para una posible continuación (si es que pretenden seguir el argumento de la saga, claro).
Hay otros secundarios, pero en ellos no profundizaré.

En definitiva, estamos ante una película muy lograda visualmente que tiene muchos elementos interesantes en el argumento y grandes escenas (la del flashback donde se revela todo es genial). Lo malo es que el argumento no está pulido del todo y tiene un fallo considerable, aunque eso no impide disfrutar de una adaptación más que correcta de esta fabulosa saga de terror.

Saint War, nadie como Hyoga de Cisne

2007-01-22T22:56:00.000+01:00

Que no, que no. Que por mucho Seiya (imagen 1, por el incansable David Lafuente) que haya, está demostrado que Hyoga es el mejor (imagen 2, por el genial Victor Santos). Luego un desdichado dijo que nanay, que Fénix se lo ventila en un pis pas (imagen 3, otra vez Lafuente), menos mal que alguien con cabeza supo demostrar la gran verdad (imagen 4, contraataca Víctor Santos). Luego llegaron los despistados, que se creían que Shiryu podía hacer algo (imágenes 5 y 6 de Rafa Morey) e incluso volvieron a destacar a Seiya (imagen 7 por Kenny Ruido), de nuevo a Shiryu (imagen 8 de Joan Fuster), entra el mismísimo Andrómeda en la competición (imagen 9 de Vicente Cifuentes) y encima Pedro va y nos cuenta su locura. Finalmente, el Capitán Reynolds hizo acto de presencia para cargárselos a todos (imagen 10 de Rafa Morey, sí, otra vez) en un santiamén.

Nada, nada, que hay que darle un poco de cordura al mundo, puesto que esto se ha descontrolado. Señoras y señores, QUE NO, que no hay nadie como Hyoga:

¿Estamos? Ahí queda eso.

Brit, esa obra semidesconocida de Kirkman

2007-01-22T16:37:00.000+01:00

Debo confesarlo, aunque más de uno se vaya a llevar las manos a la cabeza. Brit es el primer cómic que leo de Robert Kirkman. Sé que este guionista tan joven es un autor consagrado en la actualidad que tiene varios trabajos en su haber, los cuales le han dado una fama más que envidiable y su diversidad es apabulladora. Series como Invencible y Muertos Vivientes todavía no han pasado por mis manos, así como tampoco cosillas que ha realizado para Marvel como la miniserie Marvel Zombies (que no me la pienso perder por nada del mundo), Marvel Team-Up o su paso por Ultimate X-men (cuya primera saga apunta muy buenas maneras).
Mi primera toma de contacto, como ya he dicho, es esta serie que realizó en Image junto a Tony Moore. Y la verdad es que es un trabajo curioso, tan hiperviolento y sanguinario que casi me recuerda al buen Mark Millar, solo que en esta ocasión tenemos una mayor profundización en los personajes, cosa que el guionista antes mencionado suele descuidar bastante en numerosas ocasiones.

Brit es un tipo de más de setenta años que se mantiene en forma, es poderosísimo, realmente fuerte e invulnerable. Tanto que, ahora, tras haberme leído el tomo, cada vez que me digan quién es más fuerte, si Hulk o Superman, yo diré Brit. Es imparable en el sentido más literal de la palabra y nada puede dañarle, no hay kriptonita y aparentemente el único punto débil sería su propia moral, la cual es... muy abierta, así que complica aun más las cosas. En definitiva, este no es un boy scout remilgado que trata de no ponerse a la altura de sus villanos, no.
La historia es sencilla, trabaja para una especie de organización a lo SHIELD ( de hecho es caricaturizada), que a su vez está intimamente ligada con el gobierno estadounidense, para luchar contra los elementos sobrenaturales que supongan un problema para la seguridad del país o de la Tierra misma. Todo comienza cuando en la organización anhelan buscar el modo de trasladar la impresionante composición física del protagonista en otros sujetos para manipularlos a su antojo y tener un ejército personal invulnerable. Brit demostrará que no se puede jugar con él.

Lo cierto es que el cómic va sobre mamporros y más mamporros, tan bestias que rayan la violencia más gratuita que recuerdo en mucho tiempo, de ahí a que diga que me recuerda al Millar de Authority, por ejemplo. Desde el primer instante el guionista ya demuestra que este no es un cómic muy común, con la primera batalla donde nuestro protagonista trata de detener a un tipo llamado Mente Maestra (la serie está llena de guiños hacia las grandes editoriales, si no que se lo digan al jefe de la organización) que utiliza mil personas para formar una masa que aplasta y desmenuza, si es necesario, para detener a su enemigo. Vamos, que de primeras vemos un caos tremendo repleto de muertes, vísceras y destrucción.
Es preocupante que este tipo de peleas resulten tan divertidas y entretenidas, son tan originales en su planteamiento que no dejan el regusto de "dejá vu" que suelen dejar algunos cómics de superhéroes mucho más tradicionales. Aunque aclaro que esto no es un cómic de supers, si es que se le puede llamar eso a Brit.

Pero no solo de mamporros, sangre, sexo (sí, has leído bien, pero sin mostrarlo, que conste) y violencia vive el hombre, aunque algunos no estarían de acuerdo con esta afirmación. Lo cierto es que Brit no es un cómic vacío que solo se sustenta en peleas y más peleas, aunque estas sean muy numerosas. No, lo cierto es que la situación del personaje no deja de evolucionar y cambiar, las cosas suceden a una velocidad de vértigo y hay numerosos cambios en la vida y el status quo del protagonista, hasta el punto en que da la sensación de que las cosas suceden demasiado deprisa, tan acostumbrados que estamos los lectores actuales a que los argumentos resulten mucho más lentos y costumbristas. Que quede claro, esto último no lo comento como algo negativo, más bien es todo lo contrario.

Además, los secundarios son numerosos, variados y tienen una historia interesante detrás, algunos muy interesantes. Jessica (la chica del prota) y sus padres, por ejemplo, humanizan al protagonista y convierten a este anti-héroe en algo más natural y creíble, así como un compañero de trabajo más que comprensivo y amable que se ha ganado su respeto. Todos estos personajes hacen que la historia resulte más interesante aun.
También cabe destacar el humor que destila la serie, desde la sorpresa que supone de dónde proviene el nombre de Brit hasta alguna que otra frase chulesca en las batallas, en especial en aquella donde se enfrenta a un ejército al más puro estilo SHIELD, con armaduras tecnológicas y armas más grandes que los propios portadores incluidas.
Pero lo cierto es que el guionista también hace hincapié en cierto cliché que resulta un tanto inquietante a estas alturas, que tiene que ver con los franceses enfocados como villanos o rivales recelosos de los estadounidenses, creo que eso sobraba, aunque es una apreciación mía y quizá la intención era precisamente provocar, aunque lo sigo viendo muy gratuito.

En cuanto al dibujante Tony Moore, tampoco tenía el gusto hasta ahora y la verdad es que no me ha disgustado para nada. Tiene un estilo muy tosco que, sin embargo, resulta agradablemente expresivo y dinámico, así como muy intenso en la acción. No suele mostrar mucho nivel de detalle en todo momento, pero resulta abrumador cuando se trata de presentar la acción más bestia. Por ejemplo, un gran detalle es la burbuja de sangre que sale de la boca de una de las víctimas de Brit, así como alguna que otra víscera que nos hace ver que de anatomía interna entiende un rato. Y es que el cómic es tan bestia en algunos momentos que casi se comprende que esté en blanco y negro, aunque es algo que me desagrada un poco, sin que esto resulte negativo para lo que se cuenta. Siempre he preferido el buen color informático del que podemos disfrutar hoy en día.

Pues eso, acción a lo bestia, personajes bien construidos y situaciones con giros inesperados. Todo con un protagonista muy carismático que va a por todas y nunca sabes por dónde puede salirte. Un cómic genial para pasar el rato y divertirte, el único defecto que le achaco es que no acaba y me deja con ganas de más, que es hasta positivo. Si Kirkman tiene este nivel en el resto de sus trabajos... no me extraña que esté tan bien criticado.

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Y aprovecho para deciros que el blog Welcome to the Suck vuelve a las andadas y celebra su aniversario a lo grande. Pasen y vean.

"Libreando", que es gerundio

2007-01-21T18:27:00.000+01:00

Hacía tiempo que nadie me pasaba una meme (un juego entre blogs que se va alternando hasta que todos han participado), pero Adolfo Rodríguez ha hecho que la Alternativa despierte de su laaargo letargo para poner las siguientes cinco frases de uno de mis libros predilectos:

"Tal vez sea la única sobreviviente de nosotros ocho.

-¿Qué es un cazador de bonificaciones?

-Ah sí, se supone que la gente lo ignora."

A ver si adivináis de qué libro se trata, cosa harto difícil.

El juego, por cierto, consiste en:

1. Coge el libro más cercano que tengas, estés donde estés.

2. Lo abres por la página 123.

3. Buscas la quinta frase (que no línea).

4. Y escribes las 3 frases que le sigan en tu blog.

5. Por último nominas a cinco personas para que hagan este juego.

Así de sencillo, pero la verdad es que cualquiera adivina el título de un libro con solo cinco frases, lo encuentro demasiado peliagudo, yo pondría más pero no quiero romper el hilo del juego.

Por lo que nombro a Javi, IvánN Díaz, Jordojopo, Borja y Jotace. (¿serías capaz de descontextualizar un libro con esas tres frases? Te desafío)

Ya puestos, aprovecho para decir que el blog ha recibido un nuevo look en lo que respecto a fondo, logo, enlaces (que ya necesitaban una actualización inmediata, ya) y demás. Espero comentarios para mejorar el asunto o, en caso de que no veas tu blog ahí, pedirme que lo enlace correctamente.

Un saludo.

Sam & Max: Hit the road

2007-01-21T17:10:00.000+01:00

Antes de empezar, hay que aclarar que Sam y Max son unos personajes creados por Steve Purcell que protagonizan un cómic donde la sátira y el humor gamberro están a la orden del día. Está visto que los miembros de Lucas Arts encontraron divertidas las tiras cómicas que protagonizan (un perro serio y un conejo malhablado, ambos muy carismáticos por políticamente incorrectos) y decidieron hacer una aventura gráfica en el mejor momento de la compañía, justamente cuando estaban realizando futuras obras maestras como Day of Tentacle o Indiana Jones: Fate of Atlantis. Y esta era algo sencillo, pues Purcell fue colaborador de la compañía y pudo involucrarse en el proyecto con total libertad, siendo el animador y el diseñador, logrando un aspecto gráfico sin igual en aquella época. Si le sumamos a esto una historia que hace justicia al ambiente general del cómic, lo cierto es que Sam & Max: Hit the Road es una aventura gráfica bastante acertada y con muchísima personalidad.

La historia, además, es una mezcla extraña entre búsqueda detectivesca a la vieja usanza, surrealismo al extremo (incluso para una aventura gráfica de estas características) y moraleja ecológica. Se trata de la búsqueda de un Yeti que escapó de su bloque de hielo en la caseta de los monstruos o rarezas proveniente de un parque de atracciones. Sam y Max tendrán que patearse todo Estados Unidos para poder encontrar al Yeti llamado Bruno, entonces descubriremos que hay mucho más allá de la desaparición de esta supuesta bestia. Decir que al final multitud de subtramas se sucederán entre sí y tendremos al villano de turno que pretenderá hacerse con el desaparecido Yeti antes que nuestros protagonistas.

Nunca habrás visto en una aventura gráfica lugares como el Mistery Vortex, donde todo es posible y donde manejarás a los personajes boca abajo incluso, te entrarán ganas de darle la vuelta al monitor para no acabar mareado, aunque te recomendaría la sugerencia del personaje secundario que se encuentra allí. Por otro lado, la visión irónica mostrada de los Estados Unidos que podemos ver aquí es de lo mejor del juego, pues esa Norteamérica donde abunda el comercio más absurdo (que aquí se parodia hasta límites insospechados) como pueden ser las cadenas de supermercados (con su respectivo nombre y empleados clones, atentos de quién se trata, por cierto), los restaurantes que giran, los lugares misteriosos que llevan a dimensiones desconocidas (mentiras que sirven para que los viajantes gasten su dinero tontamente), las visitas a las casas de los famosos (como si éstas tuvieran realmente algo en especial más allá de las excentridades de los mismos, respaldadas por sus elevados egos), hacer puenting en el monumento de los presidentes, los parques que tienen recreaciones de los dinosaurios o la venta de hortalizas con la cara de los famosos… La variedad está servida y esta caricatura de la sociedad actual será capaz de arrancar más de una sonrisa mientras contemplamos los chispeantes diálogos y comentarios de Sam y Max sobre lo que están viendo.

Las animaciones son variadas y numerosas, muy divertidas, perfectas para un juego donde cada dos por tres salen los personajes moviéndose con soltura y efectuando multitud de acciones inesperadas. El video de introducción, de hecho, da la impresión de ser un fragmento de animación bastante bien resuelto, una pena que este tipo de cosas no se repitan mucho más a lo largo de la aventura. Aunque tampoco es muy necesario, pues Sam y Max se mueven que da gusto, no parecen tener límites y no escatiman en scrolls (superposición de “fotogramas” por segundo y tal), aparte de que las localizaciones son muchas y variadas, los secundarios que se encuentran en ellas tienen una animación a la altura de los protagonistas, siempre en constante movimiento y realizando alguna que otra acción. El aspecto gráfico puede que recuerde bastante al Day of Tentacle, no es casualidad pues los programadores de aquel mítico juego pasaron a realizar este y superaron la calidad gráfica de la ya de por sí talentosa secuela de Maniac Mansion. Por otro lado, el campo de visión en esta aventura gráfica es mayor al visto en otros juegos de la compañía, porque aunque emplee el sistema SCUMM las acciones se encuentran ocultas en el inventario y son mostradas con dibujos tales como un ojo (mirar), una mano que se cierra (coger), una boca que se abre y cierra (hablar) y una mano que agarra un muñeco de goma (usar).

Lo que nos lleva a comentar que el juego se maneja con el ratón, teniendo que emplear numerosas veces el botón derecho para ir cambiando las acciones. Al principio puede resultar un poco engorroso, pero a la larga es fácil pillarle el tranquillo. Eso sí, yo eché muy en falta el poder elegir las frases que decir a los secundarios. Pues tener una interrogación, una exclamación y un patito de goma con varios iconos a seleccionar para tener que “decir” algo, por muy impredecible que resulte, me gusta menos que poder escoger una frase determinada u otra.
En cuanto al ritmo y la jugabilidad, lo cierto es que me parecen más que compensadas, aunque a veces tanta libertad de movimiento puede llegar a ser exasperante por la cantidad de localizaciones que hay por recorrer. Aún así, os aseguro que el viaje merece realmente la pena.

Por cierto, el juego iba a tener una secuela en 3D llamada Sam and Max: Freelance Police que al final, aunque estuvo bastante desarrollada (hasta el punto en que podíamos ver capturas de pantalla y un video promocional) no acabó en buen puerto. Nos tendremos que conformar con esa versión jugable por capítulos que circula por internet.
Altamente recomendable, una de esas joyas de Lucas Arts que hay que jugar una vez en la vida. Imprescindible.

Superman Returns, la decepción

2007-01-20T18:07:00.000+01:00

Año: 2006.
Duración: 154 minutos.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Brian Singer.

Lo cierto es que este proyecto ha tenido muchos bandazos y empezó hace bastante tiempo. Tenemos aquella versión que iba a realizar Tim Burton junto con Nicholas Cage y Kevin Smith de guionista con el productor de Wild Wild West. Pero no fue a buen puerto (por suerte) y la Warner Bros tenía la intención de hacer regresar al superhéroe que tantas buenas críticas y éxito en taquilla cosechó bajo las manos de Donner y Christopher Reeve en aquella época donde los efectos especiales sorprendieron hasta el punto en que la frase de “creerán que un hombre puede volar” cobró vida. Por fin, esa frase vuelve a tener relevancia gracias a Bryan Singer, que ha tomado los mandos con una visión muy clara de lo que quería hacer tras abandonar a los mutantes de la competencia. El director tuvo la idea de realizar la continuación de las ya nombradas películas clásicas de Donner, justo después de Superman 2, obviando por completo la tercera y la cuarta parte, haciendo como si nunca hubiesen existido. Cosa que tampoco significará una pérdida para muchos fans del superhéroe, por otra parte.

La verdad, creo que esa idea estaba llena de problemas desde un primer momento, porque es difícil continuar algo de hace tantos años, con actores mucho más jóvenes (el casting fue y es polémico, demasiado jovial para tratarse de un “cinco años después”) y bajo una perspectiva que ahora no puede funcionar tan bien como antes, con un ambiente demasiado retro como para que resulte lo suficientemente atractivo. Lo curioso es que al final se queda como un relato atemporal, no se sabe bien de qué época estamos hablando porque por mucho que parezcan los años 40-50, hay teléfonos móviles y pantallas planas de plasma, por lo que deja con un sentimiento de estupefacción muy extraño. Siendo el director que pretendía plasmarnos a los mutantes dentro del mundo real, lo cierto es que su Superman no parece de nuestra época, ni tan siquiera de nuestra Tierra. Es algo que hay que tener presente a la hora de ver la película.

La historia trata del regreso de Superman tras haber estado cinco años fuera para explorar el espacio, concretamente la zona donde Krypton explotó, porque se habían encontrado restos de dicho planeta y la tentación de ir a comprobar si quedaba algo en pie era demasiado jugosa para el hombre de acero. Sin embargo, hace esto sin despedirse siquiera de Lois y en su regreso, tras haber abandonado durante tan largo tiempo la Tierra, se encuentra con que las cosas han cambiado bastante (por ejemplo, seguro que se quedó estupefacto al ver que la tecnología había avanzando tanto en tan poco tiempo, móviles y ordenadores de pantalla plana debieron de dejarle medio zombie). Mientras tanto, Lex Luthor había sido liberado de la cárcel porque… resulta que no tenían cargos contra él (ejem… ¿no es suficiente con haber intentado hundir gran parte de la costa Este de los Estados Unidos? Vale que nuestro sistema penitenciario está en las últimas, pero esto me parece excesivo) y Superman era el único que podía testificar contra él (pero… pero… ¡¡pero si en Superman 2 escapó de la cárcel!! Ay madre…), por lo que intenta llevar a cabo un plan para poder hacerse rico con el mayor número de víctimas posibles y con la misma idea de la posesión de tierras, solo que aprovechando los recursos del planeta Krypton, saqueando la Fortaleza de la Soledad (y es que allí entra cualquiera, no es la primera vez).

Como habréis podido notar con el resumen, la suspensión de incredulidad es enorme, sobre todo cuando se trata de pensar en la increíble coincidencia de que cuando se va Clark también se va Superman y que cuando éste vuelve… Casualidades de la vida, también llega Clark al Planet, ¡y encima le readmiten tras tanto tiempo sin preguntarle siquiera!
Aparte de que su ida es demasiado apresurada, ha estado cinco años fuera y no le importó lo que pensara Lois, ni tan siquiera se despidió de ella (palabras textuales de la chica, ojo), pero lo gracioso es que ella es la única que se ofende por la actitud y la desaparición de Clark, a Perry y a Jimmy (que no crece, permanece exactamente igual, tiene el síndrome Franklin Richards) les da igual y lo obvian como si tal cosa. Es más, como bien dice Luthor, Superman es un superhéroe que no se preocupa por el destino de los villanos que atrapa tras derrotarlos, pero es que ni siquiera se preocupa por ponerle un candado a la Fortaleza de la Soledad, de la cual tenía conciencia Luthor y resulta abrumadora la manera en que el villano regresa activando lo que busca sin la más mínima complicación. Vale que el director pretendiese que el corazón de los nostálgicos diese un vuelco tras reproducir con ordenador (unos veinte segundos como mucho, no os vayáis a creer) el rostro de Marlon Brando, de nuevo como padre de Superman en los cristales, pero esto es ridículo.

No hay duda de que esos cinco años de Superman desaparecido dentro de la película son un metalenguaje que es paralelo a la realidad, el superhéroe ha estado ausente en las carteleras de cine durante un largo tiempo y ha llegado para quedarse, pero creo que argumentalmente lo han hecho fatal y sin dar la más mínima explicación de los actos del protagonista, al final todo queda realmente forzado.
Lo dicho, son muchos los detalles que hacen que el guión resulte muy absurdo, también podría detenerme en el tema de la relación entre Lois y Clark tras el retorno de este último, y es que parece que este pretende camelársela tras desaparecer durante cinco años y estar comprometida con otro hombre (Richard, interpretado por el actor de Cíclope, el cual nos deja un dejá vu muy grande en esta película), lo cual ya escama bastante. Y si nos centramos en el final, la manera en que se resuelve todo y demás… Bueno, digamos que no se estrujaron demasiado la cabeza. Detalles, detalles, detalles, Singer es muy bueno en ello técnicamente hablando, pero en cuanto a guión creo que lo hizo mucho mejor en X-men 2.

Otro grave problema de la película es que es excesivamente parecida a la clásica, hasta el punto en que parece un remake. La historia es practicamente la misma, salvando ciertos subargumentos como el hijo de Lois y la ausencia de Superman tras tantos años.
Ejemplos, repetimos escena donde el superhéroe trata de salvar una zona de los destrozos ocasionados por desastres naturales provocados por Luthor, también regresamos al momento romántico donde se lleva a Lois a volar (creo que es hasta la misma música, pero esto no me atrevería a afirmarlo), escenas donde se ve a un Clark jovencísimo que empieza a descubrir sus habilidades y poderes en Smallville, Luthor contando su plan exactamente del mismo modo, con mapa incluido, vemos al mismo villano empleando nuevamente la kriptonita para poder medirse contra el invulnerable Superman (porque parece que si no, no hay manera, Singer debería leerse Superman: Las 4 Estaciones), la chica del villano (que ahora no es Teschmacher, sino una tal Kitty) al final resulta traicionera porque parece hacerle tilín el superhéroe de acero… En fin, demasiadas similitudes y creo que a Singer se le va la mano cosa mala con la nostalgia y los “homenajes” hasta el punto de repetir trama general.

Y encima está Luthor, tan calcado de las antiguas que se echa mucho de menos al moderno, al que remodeló Byrne, ese tipo maquiavélico y manipulador que no tiene escrúpulos para Superman pero que no tiene intención de matar a nadie a no ser que sea realmente necesario, solo pretendiendo sacar provecho de cualquier cosa, con cierto toque de ambigüedad de cara al público que aquí se ha echado de menos. Lo cual es una pena, porque sus palabras al principio de la película sobre el mito de Prometeo eran bastante prometedoras, sigh.
Para colmo, su nuevo plan me parece bastante absurdo, quiere hacer, literalmente, Krypton en la Tierra empleando los cristales de la Fortaleza de la Soledad. ¿Para qué? Pues para vender luego esas tierras, porque son ricas y tienen la mayor defensa posible, nadie podría hacerle frente con ellas. O eso dice él, porque este personaje habla mucho, pero nada de lo que dice se ve reflejado y a mí me habría encantado ver cuáles son exactamente las defensas de esa isla de Kriptonita tan aparentemente inhabitable, sin recursos minerales y toda escarpada, repleta de estalagmitas afiladas por todas partes. Así pues, a primera vista no sé quién la querría y no comprendo cómo pretendía defenderse el villano en ese lugar, sin electricidad, con cuatro pistolas y poco más. También me gustaría saber quién sería el guapo que le pagaría por las tierras, porque bastaría con pegarle un tiro en medio del terreno y adiós muy buenas, el suelo es mío. Sinceramente, yo a este Luthor no lo veo nada inteligente.

En fin, me he centrado en los aspectos negativos, ahora tocan los positivos, el director: Bryan Singer.
Sí, el aclamado director de las dos primeras de X-men tiene talento, mucha mano para emocionar y maravillar, mima mucho sus películas y se vuelca en ellas, quiere hacerlo lo mejor que puede. E incluso aquí se nota a pesar del guión, porque su Superman es, físicamente, una versión muy superior a la vista en las clásicas (en mi opinión), y no porque los efectos especiales hayan mejorado (que también tiene mucho que ver, la escena del avión es la más impresionante de toda la película) sino porque logra que parezca la primera vez que vemos los poderes de este superhéroe en todo su esplendor, le da un toque de magnificencia tan meticuloso y ocurrente que maravilla. Algunos momentos como la bala en el ojo y Superman recargándose al sol son preciosos, auténtica poesía visual. Ciertamente, a este director le encanta Superman, lo ha divinizado tanto que se fijó más en él que en el propio Clark Kent, el cual está mucho menos desarrollado que de costumbre, hasta el punto en que ni siquiera vemos donde vive ni nada de nada. Tanto humanizar al personaje y al final olvida por completo al alter-ego.
También hay otras muchas escenas donde se nota la mano de Singer, como la del piano con el matón de Luthor y el hijo de Lois, auténtico suspense de categoría, muy bien rodado. Por no hablar del momento en el que la familia al completo se encuentra encerrada en una parte del barco bajo el agua. De no ser porque sabía que era una película de Superman creería que no se iban a salvar.

Otro buen detalle son las frases del padre de Superman, Jor-Ly, recordando qué hace en el mundo y cuál es su misión, para lor y gloria de los aficionados a las antiguas, que vuelven a oír las palabras de Marlon Brando bajo otro contexto, ya que el superhéroe las retoma para su hijo, convirtiéndose entonces en padre. Y es aquí cuando llegamos al mejor momento de la película, cuando Superman ofrece a su hijo dichas palabras. Y al menos el crío no se hace repelente a lo largo del filme, algo que me daba mucho miedo en una película de estas características.
Sin embargo, y volviendo a los aspectos negativos, el actor que hace el chico no da la impresión de tener cinco años, casi parece que el superhéroe abandonó realmente a un bebé y la verdad es que me sorprende, porque hasta la respuesta del director en una entrevista tras preguntarle qué fue lo que pasó exactamente antes de que el hombre de acero se fuera de la Tierra es que simplemente no la tuvo en cuenta y lo dejó en el aire. Casi nada.

Sobre los actores, Brandon Routh es Superman, da la talla y casi es mejor que el propio Reeve en algunos momentos, no me lo esperaba tras haberle visto en algunas fotografías y siendo un novato. Kate Bosworth como Lois, sin embargo, es un error, demasiado joven para ser madre y no es creíble que pueda ser la misma de las originales. Kevin Spacey hace lo que puede y calca el Luthor de Gene Hackman, para bien y para mal, a mí personalmente me ha disgustado demasiado su excesiva expresividad, sobre todo cuando cuenta todo su plan (sigh) a Lois. James Mardsen no lo hace mal y cumple su papel de humano que puede ser tan héroe como Superman, lo cual no está mal. Aunque… en algunos momentos ese aire de boy scout recordaba demasiado a Cíclope, pero menos angustiado y al menos su personaje, en esta ocasión, es el humano de buen corazón que puede rivalizar con el extraterrestre de grandes habilidades, sin ser el típico antagonista que no nos daría pena que se fuera con la chica del protagonista, de hecho es todo al contrario. Huntington es el Olsen más repelente que haya visto, tiene tal cara de bobo durante toda la película que casi dan ganas de tirarlo por la ventana o macharlo sin misericordia. Frank Langella, sin embargo, es un buen Perry White, aunque se le ve un poco “apagado” en comparación al actor de las clásicas y su versión comiquiera, que es bastante más expresivo.

Superman Returns no me parece una obra maestra a reivindicar como dicen algunos, más que nada porque está demasiado apegada a las antiguas y retoma el argumento general del villano hasta el punto de hacer que el argumento pierda todo interés, sobre todo con el forzoso deux-machina final.
Creo que está película sin la dirección de Singer no sería nada, no al menos con este guión que carece de personalidad propia, ya podría haberse basado en un cómic por lo menos. Una pena.

Astonishing X-men: Peligroso

2007-01-20T17:25:00.000+01:00

El primer arco argumental de Astonishing X-men no pudo ser mejor, pero antes lo idoneo será hacer un pequeño repaso de cómo nació esta serie.

Cuando Morrison anunció que se iba definitivamente de la franquicia mutante para irse a la Distinguida Competencia (es decir, DC), los editores empezaron a temblar de pánico al ver la franquicia sin un nombre fuerte que sobresaliera, un guionista que destacara y fuera capaz de atraer el mayor número de fans posible por mucha X que tenga el título (que ya se sabe que es sinónimo de éxito comercial, no me preguntéis por qué). Teniendo a Austen en Uncanny X-men y en la colección hermana X-men, con Claremont en X-Treme X-men (agh), los señores de la Casa de las Ideas permanecían asustados por la huída del mago escocés que perpetuó los Invisibles, Doom Patrol y Animal Man, entre otras muchas obras. Por suerte, tenían un as en la manga, una apuesta al estilo Revolution (movimiento mutante de hace bastantes años, principios de este siglo o así, que más vale olvidar) y un guionista al estilo Kevin Smith o J. M. Straczinski, es decir, proveniente de la televisión u otros medios diferentes al cómic. El movimiento se llamó Reload y el guionista fue Josh Whedon, el creador de la famosa serie Buffy Cazavampiros.

¿Pero le asignaron a este guionista alguna serie de mutantes ya creada? No, a él le concedieron una nueva cabecera que empezaba con un perfecto número uno (ideal para enganchar a nuevos aficionados) y un dibujante de excepción que apuntaba muy buenas maneras en Planetary y sorprendió durante su etapa en el Capitán América (una pena que los guiones de Rieber no acompañaran en absoluto). Así pues, el movimiento Reload significaba un nuevo inicio tras el caos, en el buen sentido, perpetrado por Morrison en la saga Planeta-X (donde la escuela de Charles Xavier es demolida y éste se larga a Genosha tras la “muerte” de Magneto). Esto quiere decir: Curso nuevo para los estudiantes, escuela nueva, miembros reasignados en diferentes grupos y el retorno de las mallas de colorines. Todo esto con Claremont acompañado de Davis en Uncanny y Austen (que no duraría mucho y dejaría paso a un descafeinado Milligan) con Larroca en X-men.

Este es el repaso de la llegada de Whedon en la franquicia mutante y todo lo que ello conllevó.

Lo cierto es que la primera saga de este guionista en Astonishing X-men (cabecera recuperada tras aquella miniserie del crossover de Los Doce, allá por finales de los 90) fue excelente, se recuperaba la idea de una cura para los mutantes de una manera ingeniosa y bien meditada (aunque no quedó finiquitada del todo), los personajes estuvieron tan bien tratados que era sorprendente verlos hablar de un modo tan coherente (excepto quizá en el caso de un “chulito-discoteca” Lobezno), la amenaza resultaba convincente y encima teníamos el emotivo regreso de Coloso a las páginas de los X-men, tras su patética muerte durante aquel retorno de un Lobdell que parecía dispuesto a cerrar todos los cabos sueltos posibles de la peor de las maneras. En definitiva, la saga El Don fue una grata lectura repleta de buenos momentos y destinada al recuerdo de los fans de la serie, el primer paso de Whedon no pudo ser mejor.¿Está la segunda saga a la altura?

La segunda saga se titula “Peligroso” (números 7 a 12 de la edición española) y lo cierto es que domina temas demasiado peliagudos para una serie de estas características, pues el hecho de escribir las máquinas y la inteligencia artificial como se ve aquí con la Sala del Peligro es algo demasiado de ciencia ficción y complicado si pretendes mostrarlo de un modo realista con personajes psíquicos de por medio, capaces de entrar en la mente de… unas máquinas.

Será mejor empezar desde el principio, lo cierto es que la saga es ciencia ficción pura y dura (bueno, ya sé que los superhéroes entran en este campo, pero me refiero al tratamiento en sí), tiene un brillante comienzo con los X-men actuando fuera de su hábitat natural y como si fueran un grupo de superhéroes al estilo de los Cuatro Fantásticos, que también pasaban por allí, para detener la amenaza. Es toda una declaración de intenciones por parte de Whedon, que nos viene a decir que esta serie no pretende quedarse lastrada y prefiere irse por derroteros inimaginables, lo cual está francamente bien.

Lo mejor, sin embargo, siguen siendo los diálogos, los cuales siguen siendo muy ocurrentes y divertidos. Momentos como una sucesión de escenas donde los personajes se ponen a pensar en sus inquietudes y vemos a Lobezno que no piensa en nada salvo en lo mucho que le gusta la cerveza son marca de la casa del guionista. Así como su sutilidad a la hora de tratar las relaciones entre los personajes, pues la relación entre Coloso y Kitty se desarrolla lenta pero eso no quiere decir que no avance, sobre todo en una discusión que mantienen ambos casi al final de esta alargada saga.

Y es entonces donde llegamos a la primera de las pegas: el “decompressing storytelling”, que es a lo que llamo “historia alargada durante meses”. Mes a mes leer esta saga no supone un martirio como otros casos mucho más sangrantes (Lobezno de Rucka o algunas sagas de Bendis en Daredevil), pero no consigue atrapar el interés y es muy posible perderse muchos de los detalles aparentemente nimios que va dejando el guionista como si un rastro de migas de pan se tratara. Esto es porque Whedon no ha sabido dosificar bien la ración mensual y compaginar la historia como es debido, ha pretendido realizar números unitarios con cliffhanger final pero diría que le ha salido mal la jugada porque le ha salido excesivamente repetitiva. Me explico, el primer número son los X-men contra una amenaza con los Cuatro Fantásticos, el segundo es una lucha contra un Centinela, el tercero es contra la Sala del Peligro (el mejor número, luego diré por qué), el cuarto es contra Peligro (sí, a secas), el quinto es Xavier sólo contra Peligro (que muestra cómo un minusválido puede conducir) y el sexto es la gran batalla final en Genosha. Demasiadas batallitas para una saga, ¿no?

Por suerte, el guionista es imaginativo, es una de sus mayores virtudes, y consigue no hacerse repetitivo en las peleas, cada una es diferente a su manera y esto se nota sobre todo cuando te lees la saga seguida. Y es que el tema de la ciencia ficción, aunque no lo ha llevado todo lo bien que podría, da mucho juego. Especialmente en el número 9, donde Kitty sostiene una conversación con una máquina que ha evolucionado hasta ser algo más. Es aquí donde se nota descaradamente la pasión de Whedon por el personaje del que se inspiró para crear a Buffy. Este es su número más brillante, por todo lo que tiene que ver con la existencia, el creador y el objetivo en la vida, casi al estilo del Frankenstein de Mary Shelley, solo que la máquina pretende vengarse de su creador por su cruel comportamiento. Este apunte es interesante y creíble, sobre todo porque desde siempre (vale, desde la segunda génesis, ok) la tecnología de Xavier en la Escuela ha sido de origen extraterrestre y excesivamente avanzada (aunque esto en el Universo Marvel tampoco es decir mucho, a la cabeza me viene la tecnología que maneja SHIELD, por ejemplo).

¿Está entonces esta saga a la altura de la anterior? Yo diría que no, pero tampoco quiere decir que entonces sea mala o decepcionante, ni mucho menos.Es excesivamente larga para lo que se cuenta, a pesar de que tiene momentos tan geniales como la manera en que se manifiesta por primera vez la Sala del Peligro, con el cadáver de uno de los estudiantes que probaron la cura y se suicida al sentirse impotente sin su poder. Aparte, en algunos momentos el guionista patina en algunos detalles, como el hecho de que Xavier pueda penetrar en la mente de una máquina (la suspensión de incredulidad llega a extremos sonrojantes) o fallos de continuidad tan graves como la manifestación del Centinela supuestamente olvidado que masacró Genosha (que siempre ha sido la estatua en conmemoración a Magneto, ay, ay…) o cierto cliffhanger final de saga que espero ver resuelto y explicado próximamente para hablar de ello en profundidad.En definitiva, que tiene sus baches, el viaje no resulta tan dulce como el de la saga de El Don, aunque se plantan algunas semillas con respecto a números venideros y muchas de las virtudes de Whedon tales como el tratamiento de personajes, el uso de las subtramas y los diálogos, siguen en pie.

John Cassaday sigue siendo el dibujante y es perfecto para la serie. Es elegante, sabe muy bien cómo dibujar a cada personaje y aunque sus diseños sean un tanto retros (ver uniforme de Cíclope por ejemplo), resultan interesantes, sobre todo en lo que se refiere a la forma que toma Peligro cuando sale de su “prisión”. Su realismo resulta precioso en muchos momentos y hay viñetas que son para colgarlas en la pared de tu habitación. Sin embargo, su nivel ha bajado durante el devenir de la serie, y no muestra el mismo acabado de los primeros números y se nota de forma alarmante a medida que avanza la saga. No es que dibuje mal, ni mucho menos, pero lo cierto es que se notan las prisas y creo que el mes a mes le ha jugado una mala pasada, no es el mismo nivel acojonante mostrado en el Capitán América o Planetary, la verdad es que es una pena. A pesar de todo, sigue mostrando un dibujo más que correcto.

Por lo tanto, la saga Peligroso es recomendable, no está al nivel de la anterior pero sigue mostrando un gran nivel dentro de esta prometedora colección que aun tiene muchísimo que decir. Lo malo es que Whedon es muy lento con sus ideas, pero si le dejan hacer podremos tener una etapa compacta y repleta de detalles resueltos tarde o temprano que harán delicias a los fans deseosos de argumentos a largo plazo muy meditados. Espero ansioso los siguientes números y también que el guionista recapacite en ciertas cosillas como el cambio de bando de cierto personaje.

Maniac Mansion 2: El día del tentáculo.

2006-12-28T23:37:00.000+01:00

Hablar de una obra maestra siempre es difícil, más que nada porque no puedes decir nada malo de ella y al final todo son adjetivos positivos a tutiplé y montones de alabanzas que podrían cansar a cualquiera. Pero lo cierto es que esta secuela de Maniac Mansion rompe con todos los tópicos posibles sobre aquello de que segundas partes nunca fueron buenas. De hecho, lo sorprendente es que saliera esto de una secuela de un juego que simplemente parte de una parodia de las típicas películas protagonizadas por adolescentes, que deben adentrarse en mansiones o lugares habitados por familias o personajes pintorescos fuera de lo normal, totalmente retorcidos e inhumanos. Al estilo “La Matanza de Texas”, básicamente. Pero Day of Tentacle va mucho más allá, aprovecha los personajes que pudimos ver en aquel mítico juego que significó el inicio de la aventura gráfica y el tono es muy distinto, más divertido, descacharrante y original.

No solo se reinventa el concepto a pesar de seguir la mansión, está lejos de ser un remake y nos ofrece una aventura totalmente distinta donde el escenario es la misma mansión de siempre pero mostrada desde el presente, el pasado y el futuro. Aparte, el tono es más humorístico que el pretenciosamente terrorífico de la primera (esa Edna paseando por los pasillos sobresaltaba a cualquiera por lo inesperada que era), lo cual hace que esta aventura gane muchísimos enteros, porque sabe aplicar el humor con gusto.

Tenemos a tres personajes: Bernard (uno de los jugables de la primera parte), Labern y Hoagie, los tres se verán inmersos en la misión de detener a un tentáculo púrpura con ganas de conquistar el mundo tras haber obtenido dos apéndices que se asemejan vagamente a lo que deberían ser dos brazos. Ellos serán los que intentarán ir al pasado reciente con la máquina del tiempo para evitar que el maldito tentáculo beba el producto que le ha dotado de cierta megalomanía. Por desgracia, la máquina del tiempo del doctor Fred falla miserablemente y los tres son lanzados a diferentes períodos: Pasado, presente y futuro, aunque el lugar sea el mismo, la mansión. Es por ello que deberán regresar para poner de nuevo en funcionamiento la máquina y pararle los pies al tentáculo púrpura. Por desgracia, el futuro es poco halagüeño, en el pasado hay que inventar la electricidad de cualquier manera y en el presente hay que arreglar la máquina.

Como puede verse, el argumento es original, simple pero efectivo, con unas misiones muy claras. Todo lo contrario a su antecesor, donde apenas se tenía claro lo que había que hacer realmente. Lo mejor del juego son las miles de posibilidades que ofrece y su complicada gestión, ya que a pesar de tener un nivel medio (que no es muy complejo hacérselo, vaya) es tan libre que puedes hacer las acciones por el orden que te venga en gana. Y lo más divertido es que manejas a los tres personajes en el mismo lugar, solo que en diferentes períodos, lo cual hace que el juego gane muchos enteros y tenga mucha riqueza, ya que entre los tres pueden pasarse los objetos y es admirable lo diferente que piensan entre ellos. Solo hay que hacer que Labern, Bernard y Hoagie miren uno, los tres no te dirán lo mismo y demuestran su propia personalidad.

Las escenas son descacharrantes, ocurrentes y muy divertidas, hasta el punto en que nunca podrás decir que una es mejor que la otra. Por decir varios ejemplos, Labern tendrá que disfrazar a su momia en un mundo dominado por los tentáculos para que gane un concurso de belleza humana y hacerse con el trofeo. La manera en que tendrá que deshacerse del favorito del concurso es realmente divertida. Otro gran momento ocurrente es el momento en que Hoagie logra que los padres fundadores de la patria (entre ellos el mismísimo Washington, que es un secundario de lujo) abandonen su estancia creyendo que hay un incendio.
No se puede decir que el juego aburra porque es imposible, a no ser que estés atascado y dando demasiadas vueltas con los personajes, algo inevitable en una aventura gráfica.

Y si el desarrollo es perfecto los secundarios no se quedan atrás, hay un montón y todos son divertidísimos. Lo que no hay que perderse es el retorno de aquellos que poblaron la mansión en Maniac Mansion, algunos bastante cambiados y hasta mejor que antes.
A esto ayuda el acabado técnico del juego, que también merece vítores por todos lados (¿qué decía sobre hablar de las indiscutibles obras maestras?). Los diseños son geniales y la animación es bestial, de auténtico dibujo animado a pesar de la resolución de la época (totalmente comprensible, por otra parte), con unos personajes que se mueven de una forma estrafalaria y de mil maneras distintas. Tan solo hay que ver cómo se meten por la chimenea los tres personajes del juego: el más gordo (Hoagie) tratará de adaptarse a ese estrecho agujero mientras que la más delgada (Laverne) pasará con soltura. Las animaciones están tan cuidadas y son tantas que hasta los personajes se mueven cuando los dejas el control quieto, la expresión al levantarse las gafas de Bernard es inesperada y más que apropiada.

Hay alguna que otra escena cinemática, aunque la verdad no son demasiadas, una al principio y alguna ocasional en algún momento del juego, pero la verdad es que no son muy necesarias, ya que los personajes están próximos a la pantalla y los fondos están muy detallados a pesar de ser muy caricaturescos. Por no decir que siempre hay algo en movimiento en alguna parte. Por cierto, atención a los diferentes guiños que aparecen de vez en cuando, es muy común ver cosas como el casco de Darth Vader o un cuadro donde aparece el propio Sam (de Sam y Max) entre los objetos del fondo.

La paleta limitada de 256 colores es soberbiamente aprovechada sobre el sistema SCUMM con scroll cuando se necesita y el sistema es básico, con el inventario y las acciones en la parte inferior de la pantalla. Estas acciones son las mismas de otros juegos de Lucasarts, tales como Mover, Coger, Empujar, Tirar, Mirar, Abrir, Cerrar, etc. Son las mismas que se emplearon para la versión remozada de Maniac Mansion, la de 256 colores, ya que en el juego original era excesivamente exagerado el número de acciones que habían.
La música y los sonidos tampoco desmerecen, aunque los efectos sonoros serían aprovechados hasta en Sam y Max (de los mismos programadores, claro) y las voces que se escuchan en la intro son de elogio, aunque nunca fueron dobladas en España. Dicen que hay una versión donde puede jugarse el Day of Tentacle enteramente con voces, pero por desgracia yo no he podido encontrarla, aunque debe ser bestial.

Pues eso, es la aventura gráfica por excelencia y lo he pasado bomba con ella, sus personajes son tan carismáticos y las situaciones TAN ocurrentes que se perdona la simpleza de su argumento a favor de un desarrollo más que complejo. El mejor de Lucas Arts en mi opinión, totalmente insuperable.

X-men 3, la decisión final.

2006-12-27T15:41:00.000+01:00

Año: 2006.
Duración: 104 minutos.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Brett Ratner.

Siempre he tenido cautela en este blog para reseñar películas de superhéroes, sobre todo porque siempre he querido ofrecer variedad más allá de cómics y demás personajes del género de los tipos con poderes enfundados en mallas. Pero lo cierto es que tarde o temprano iba a comentar alguna adaptación del mismo y esta no es la primera vez que lo hago, pues Daredevil y Elektra tuvieron ya su crítica en su momento, más que nada por la terrible decepción que me supusieron ambas, las peores de Marvel en mi opinión. Y ahora le toca el turno a la tercera y última parte (por ahora) de una saga tan magnífica como es la de X-men, iniciada con mucho acierto por Singer, el director que logró aupar el género superheroico al cine, dándole madurez y haciéndolo creíble. Los mutantes en la pantalla grande sorprendieron a propios y extraños con un relato que se dirigía más al género de ciencia ficción que al de los superhéroes, aun siendo héroes contra villanos en la primera parte, cosa que se complicó bastante en la segunda con la guerra contra los humanos que pretenden cometer un genocidio por miedo a lo que desconocen y no comprenden. Es realmente una adaptación perfecta, el espíritu de Claremont fue llevado con destreza a la gran pantalla en las dos primeras partes, que se prestan a futuros artículos analizándolas. Sin embargo, es curioso que empiece por la última, que ni tan siquiera está dirigida por Singer.

Cuando todos nos enteramos de la ida del director nos llevamos las manos a la cabeza. Muchos nos preguntábamos cómo era posible que abandonara una saga que había empezado y ni tan siquiera había finiquitado, sobre todo con el increíble cliffhanger que nos dejó en la segunda parte, con esa Jean Grey “muriendo” en las aguas del lago Alkani, para salvar a sus compañeros, dando muestras de la increíble y desmesurada evolución de su propio poder telekinético.
Al final, Singer se fue a la competencia para hacer el retorno de Superman (de esta película hablaré laaargo y tendido, no temáis) y los fans mutantes nos quedamos defraudados, con miedo por saber qué iba a ser de la franquicia y quién iba a contarnos la historia del Fénix cuyo prólogo tanto nos había impresionado al final de la segunda parte. Las primeras noticias no fueron nada halagüeñas y el primer director asignado no podía ser más decepcionante o temido, un novato que respondía por el nombre de Matthew Vaughn, cuyo mayor logro era ser marido de Claudia Schiffer. Por suerte (o por desgracia, nunca lo sabremos, aunque no apostaría por él), al final acabó abandonando el proyecto por razones personales que nunca conoceremos con certeza y dejó paso a Brett Ratner, curiosamente uno de los que iban a encargarse de Superman, ironías de la vida. Las buenas noticias fueron en un principio que los actores repetían, asegurando así la continuidad de la saga, aunque lo mejor fue el primer trailer, el cual sorprendió muchísimo, nadie se lo esperaba tan atractivo. Pero cuando llegó el segundo… los vítores fueron abrumadores y el interés aumentó progresivamente ante tanto adelanto, llegaron hasta a subir siete minutos de película en la red.

¿Y al final qué tenemos? En un principio cabría destacar una trama que recoge demasiados elementos como para poder presentarlos debidamente en hora y media de película, una escasa duración para el desenlace de una saga que se ha ido desarrollando a lo largo de dos largometrajes, el segundo de más de dos horas. No obstante, lo escogido es interesante y el tema de la cura que presentó Whedon en Astonishing X-men es presentado como una evolución más que coherente del tema mutante, por no decir que es un argumento que ofrece muchos puntos de vista en lo que a moralidad se refiere, ofreciendo una moraleja al mundo real. Con esto quiero decir, ¿tiene que ser una vergüenza ser mutante, debemos sentirnos obligados a no serlo en un mundo que nos odia y nos teme, o acaso es patético el que nos den la posibilidad de elegir? Así es como el personaje de Pícara es el máximo exponente de esta parte de la trama, que es la que al final toma la decisión final que parece rezar el título de la película.
Pero todo gira alrededor de dicha cura, los X-men se ven influenciados por los ataques terroristas que Magneto empieza a organizar en contra de esta, poniendo de su parte a mutantes ofendidos por la creación de la misma para desatar la guerra de la que siempre había hablado. Aún así, no es lo único de lo que va la película, también tenemos el regreso de Jean Grey, que supuestamente murió en la segunda parte y regresa para desvelar los secretos de un Charles Xavier que se desvela como el maestro manipulador que es, pensando que el fin justifica los medios. Así se lo hace ver un Lobezno ofendido al ver lo mucho que ha tanteado en la mente de un ser humano como es la pobre Jean.

En primer lugar hablaré de la adaptación, la película ofrece una visión un tanto simple del Fénix, que no tiene nada que ver con los cómics,. No tenemos al imperio Shi´Ar, no contamos con una entidad espacial que aspira a sentir lo que los humanos sentimos tras poseer el cuerpo de uno de nosotros, no vemos siquiera el ave de fuego… No, el Fénix es simplemente la manera que tiene Xavier de llamar a la segunda personalidad encerrada en el subconsciente de Jean, esa parte que recoge todo el poder que corrompe a la persona que lo usa y es un grave peligro para quien esté en su alrededor y se convierta en su víctima.
No es que esté mal esta versión del personaje, de hecho es una evolución más que coherente teniendo en cuenta lo visto en las anteriores películas y el progresivo aumento de los niveles de poder de Jean, que pasó de levitar una simple jeringuilla a detener una masa de agua más que destacable mientras anclaba el peso del Pájaro Negro sobre el suelo. Lo que sí que no concuerda es la nula aparición del pájaro de fuego. Quien me diga que no soy coherente con este hecho tras la explicación dada en esta película, debería dar un repaso a la segunda parte y ver la silueta del final o cuando las llamas salen del cuerpo de la mujer justo antes de morir, por no hablar de las que aparecen en sus propios ojos mientras expresa su temor o sorpresa al ver algo que no sabía que tenía en su interior.

Para colmo, los problemas con el actor que interpreta a Cíclope sacaron al personaje de la película enseguida y recibe un desenlace más que desafortunado que ni tan siquiera es mostrado con claridad. El argumento del Fénix cojea en cuanto el personaje de Scott Summers desaparece de la ecuación y pasa al ostracismo. Eso sí, los que no conozcan el cómic apenas echarán en falta a este personaje, tan poco lúcido en partes anteriores, ya que ni el propio Singer se ha dignado a tratarlo como es debido.

Por lo demás, hay detalles que dan un poco de vergüenza ajena, sorprende ver a Calisto de una manera tan radicalmente distinta y protagonizada por una actriz que es demasiado guapa para ser ese personaje. Por no hablar de que los poderes no se corresponden y parece sobrar un poco esa rapidez made in Mercurio de la que hace gala, por no decir que la manera en referirse a los mutantes por niveles parece de un videojuego, creo que queda fatal en la película y se presta a muchos chistes fáciles. Aparte, los morlocks son inexistentes y solo vemos a una panda de mutantes que pretenden seguir a Magneto porque defienden su causa. No es que esté mal, pero es una pena que desaprovechen una escena en los túneles del subsuelo y más mutantes deformes, que es algo de lo que peca la película, de una terrible falta de imaginación a la hora de presentar cierta variedad de mutantes, porque los únicos interesantes son algunos como esa extraña Arco Voltaico, el Juggernaut (que hace de villano sin ser hermanastro de Xavier, algo que no me importa demasiado, la verdad sea dicha) y poco más, porque Pincho me pareció un mutante realmente pobre.
No obstante, en el bando de los buenos tenemos una excelente Bestia protagonizada por Kelsey Grammer con muchísimo acierto y captando de sobra al personaje. Y no es el único, Gatasombra es la encantadora chica que atraviesa paredes, la llamada Kitty Pryde que todos soñamos ver en la pantalla grande, la han captado a la perfección, aunque se permiten la licencia de hacerla partícipe de un trío amoroso con Bobby y Pícara, necesario para la elección final de la segunda. No obstante, se hecha muy en falta la ausencia de Rondador Nocturno, que ni tan siquiera tiene explicación.

Hasta ahora parece ser que solo sé sacarle puntos negativos a la película y podría decirse que no me gustó nada o no lo suficiente. La verdad es que la primera vez que fui a verla salí escaldado del cine, completamente decepcionado e incluso muy triste por el resultado, que no era todo lo grandioso que esperaba. Realmente echaba en falta la presencia de Singer y su propia personalidad en la película, se nota muchísimo su ausencia y en general el tono ha dado un giro radical, pasando a ser menos introspectivo y con mucha más acción y espectacularidad. Eso en ciertos argumentos con tantas posibilidades y tan extensos como los presentados aquí en hora y media de película es preocupante, los personajes no están del todo desarrollados y algunos parece que estén por estar, como Coloso (que si habla durante la película no me acuerdo) y ese Ángel que tiene un debut impresionante para acabar yendo a la mansión de Xavier con más pena que gloria, de una manera bastante pobre, sin hacer nada durante toda la película que no sea un cliché absurdo y predecible cerca del final. También fracasa técnicamente en algunas partes, no tiene el mimo que Singer dota a sus películas, ese enfermizo gusto por el detalle y esos enfoques que tanto sorprenden al estilo Dama Mortal VS Lobezno en X-men 2, donde hay escenas que realmente impactan. Cosas como esa manera de hacer que Logan masacre todo lo que tiene por delante sin que sus garras jamás estén untadas de sangre (vale que es una película para todos los públicos pero… joder, hay maneras ingeniosas de ocultarla), o algunos efectos especiales donde se notan demasiado los cables, algunas peleas que no tienen ningún ingenio y apenas destacan como la de Juggernaut contra Lobezno (con esos techos de mantequilla), etc, etc.
En definitiva, la película me decepcionó por lo que pudo haber sido y por lo que exigí en ella.

Sin embargo, todas estas carencias quedaron relegadas en un segundo plano tras el segundo visionado, que me sorprendió muy gratamente y me hizo ver muchas de las virtudes mostradas en este filme de Ratner.

Para empezar, hay muchísimos guiños para los fans de los mutantes, ese lanzamiento especial entre Coloso y Lobezno, así como la manera en que nos es mostrada la Sala del Peligro nada más empezar la película son una "delicatessen” para los lectores que deseaban ver esas escenas del cómic convenientemente recreadas en una película. Aparte de que hay escenas tan potentes e impactantes que te hacen olvidar esa introspección y desarrollo de personajes del que hablaba anteriormente. Por ejemplo, por mucho que el Fénix no tenga ese efecto especial de las llamas que tanto eché en falta, lo cierto es que han sabido plasmarlo con acierto. Esa Jean Grey poseída acojona, y mucho, recuerda un poco a Carrie en algunas ocasiones (por no hablar de la herencia Willow), pero es que la Famksen está soberbia e interpreta a una mujer ávida de sensaciones que quiere exteriorizar con su poder hasta las últimas consecuencias. La batalla mental que sostiene contra Xavier es de órdago y es ahí donde el director se sale, logrando una intensidad muy emotiva que se sostiene con la excelente banda sonora de Powell. Yo recuerdo no pestañear mientras el calvo de la silla de ruedas quedaba suspendido en el aire justo antes de que ocurriera algo que tenía previsto pero no podía imaginar cómo.
Y no es lo único, la “pelea” (realmente no es tal) entre Kitty y Juggernaut es francamente divertida, muy agradable de ver sobre todo por el ingenio de Gatasombra, que vence a un tipo enorme aparentemente imparable. Además, el Hombre de Hielo nunca fue lo que su alias indica, pero en la gran batalla final contra Pyros, se hace realidad algo que todos estábamos esperando. Otro momento impactante sería el rescate de Mística y el final con Lobezno y Fénix, por no hablar del escarceo entre ambos, cuando se dejan llevar, pensaba que los padres iban a llevarse a sus hijos del cine, jooder.

Por otro lado, los personajes no están desvirtuados y se nota la presencia de un guionista que ha estado ahí a lo largo de la saga, los guiños a las partes anteriores están presentes y recuerdo la emoción al ver a Magneto regañando a Pyros tras haberse metido éste con Xavier y en la batalla al dirigir a sus mutantes como si fueran piezas de ajedrez: -Primero los peones (los mutantes que reciben el primer impacto), luego el caballo (la mismísima Arco Voltaico), la torre (Juggernaut), el alfil (Pyros) y, aunque cae el rey (Magneto), todo acaba con la Reina (el Fénix). Pero es que todavía hay muchísimos más paralelismos, cosas como el despertar de Jean en el quirófano de la mansión de la misma manera en que encontró a Lobezno en la primera parte, o cuando Magneto juega solo al ajedrez al final de la película porque simplemente no acepta a otro contrincante. También querría destacar la escena de cuando éste trata de recoger las pistolas de los soldados en la última gran batalla con su poder magnético y ve que son de plástico, diciendo entonces que han aprendido. Sin olvidar la conversación entre Pícara y un Lobezno que deja de ser paternal para ser un amigo que no le impone su criterio, etc, etc.

La película está repleta de grandes detalles, algunos geniales, que compensan todos los fallos que se puedan haber en ella y tiene un ritmo perfecto que no aburre en ningún momento, así como la acción en gran escala que se encontraba ausente en partes anteriores. En definitiva, no es mala película en absoluto, es una notable película de acción con grandes momentos y un mensaje. Es cierto que los argumentos no se terminan a desarrollar del todo y se echa en falta un poco más de ambición en la adaptación, el toque de Singer que aquí se encuentra ausente por culpa del abandono del director (ya sea por los problemas que ha tenido por la FOX o la ilusión que tenía por realizar una película de Superman), aparte de que tiene algunos fallos que son lamentables.

¿Que podría haber estado mucho mejor? Ya lo creo, pero también pudo haber estado mucho peor y la verdad es que considero que este desenlace es perfecto para la saga. A mí me gusta X-men 3, no es que mejor que la segunda parte pero es una adaptación más que correcta de la Patrulla-X que tanto veneramos los aficionados a los mutantes.

Lobezno de Millar y John Romita Jr

2006-09-15T16:14:00.000+02:00

Estaría bien que antes de comenzar a reseñar esta etapa, para poder entenderla mejor dentro de su propio contexto, hagamos un repaso de todo lo que ha caído en la colección de Lobezno desde que Larry Hama la abandonó. Mucho ha llovido desde entonces y nada demasiado agradable, no se puede decir que los últimos números de Hama, en medio de la malograda Onslaught (crossover de turno que conectaba series y más series en plan: “Ahora debes leer Uncanny X-men para conocer el final de la saga, luego Factor-X para ver qué ha sido de Lobezno tras lo ocurrido”) fueran muy oportunos y lo que vino luego no fue mejor. Porque el guionista tuvo que lidiar con la peor idea peor ejecutada que se haya visto jamás en Marvel (y mira que lo del clon en Spiderman tenía tela que cortar), estoy hablando de cuando Logan perdió el adamantium, arrancado por Magneto en el crossover (otro más y van) de Atracciones Fatales.

En lugar de tener al personaje más apegado a sus raíces japonesas, con toques de samurai y demás, tuvimos a un Lobezno “gremlin” sin napia que cortaba con sus garras de hueso cualquier cosa, como si nada hubiese cambiado, vaya. Entre todo esto, el maldito crossover de Operación Tolerancia Cero, la paupérrima y corta (por suerte, solo duró cuatro números y de verdad que no quería más) nueva etapa de Claremont, unos cuantos números de relleno de lo más insustancial realizados por varios autores, la horrible etapa de Larsen (excepto el número donde Logan recupera al fin el adamantium, buen número de aniversario donde se enfrenta a Hulk con un dibujante como Yu en plena forma), una saga desaprovechada de Skroce (por su precipitada huída a storyboards cinematográficos), el regreso de Liefeld (la colección tocando fondo), una correcta (a pesar de todo) etapa con Tieri y Chen moviendo el mundo del canadiense mutante, la soporífera etapa de Rucka (la gran decepción) y, al fin, llegaron Millar y John Romita Jr.

Como se puede ver, todo lo citado hasta ahora está muy lejos de aquellas grandes sagas del personaje como Honor, Arma-X o las que se pudieron disfrutar en los primeros años de la colección regular con Claremont, Peter David, John Buscema, John Byrne, Silvestri, Hama, entre otros. Por suerte, puede decirse que con Millar llegó la esperanza y por fin pudimos disfrutar, después de tanto tiempo, de unos cómics del canadiense que realmente merecen la pena, por adictivos, emocionantes y por ver a Lobezno en estado puro.

Y eso es básicamente lo que podemos encontrar en esta etapa, que nadie se equivoque, aquí no hay una evolución de personajes, ni una mirada introspectiva en el mundillo y la psique del protagonista, ni tan siquiera una aventura repleta de segundas lecturas y de conversaciones profundas con un drama a lo Shakespeare. No, en esta etapa hay acción, mucha acción, es desenfrenada y el caso es ver a Lobezno clavando las garras a todo lo que se mueva. Lo que pasa es que es acción a lo bestia, a lo grande, con multitud de secundarios y elementos de por medio, con medio universo Marvel preocupado por sobrevivir a un Logan exageradísimo, sin remordimientos y totalmente desatado.De hecho, la etapa de Millar y John Romita Jr. se puede dividir perfectamente en dos partes, que de hecho son dos sagas: Enemigo de Estado y Agente de Shield. El nombre de ambas lo dice todo.

Enemigo de Estado es el principio de todo, en un brillante primer número ya se sabe lo que va a ocurrir en los siguientes. Se presenta a un nuevo villano enigmático llamado Gorgón que parece dispuesto a todo y vence al protagonista con una asombrosa facilidad. Más tarde veremos que las organizaciones terroristas de Hydra y la Mano están unidas y pretenden atacar a lo grande, por lo que utilizan un señuelo para capturar a Logan y dominarlo tanto mental como físicamente. Así pues, durante seis números tenemos al protagonista de villano, luchando contra medio universo Marvel, esto es SHIELD movilizado en plena acción, con Furia y Elektra haciendo lo imposible por dar caza al manipulado canadiense y alertar al resto del mundo. Durante estos números veremos a Logan luchando contra Elektra, contra SHIELD, los 4 Fantásticos (en un gran número donde se revela quién es el personaje más poderoso del cuarteto fantástico), contra Daredevil y, finalmente, contra los mismísimos X-men, que las pasan canutas para poder salvarse de quien era uno de sus mejores compañeros de equipo. De hecho, hay un final sorpresa de saga, con dos bajas inesperadas que darán mucho que hablar en la saga siguiente, pues todos aquellos que caen vencidos por la Mano y Hydra (es decir, los que son vencidos por Lobezno y el Gorgón) pasan a ser manipulados de la misma manera que el protagonista.

Y es así como llegamos a Agente de SHIELD, se trata de Lobezno redimido, que ha sido liberado de su antigua condición y se pasa al bando de los “buenos”. Es el momento de la venganza y si la saga anterior ya era vertiginosa, con numerosas escenas de acción que hacen las delicias a los fans de las películas de enorme presupuesto con explosiones y cascotes levantados por doquier, aquí es que se alcanza un clímax brutal, pues los villanos se movilizan que da gusto y son numerosos los secundarios olvidados que hacen aparición aquí, especialmente villanos de tercera que sufrirán la peor de las suertes. Los dos primeros números de la saga son emocionantes hasta decir basta, es solo acción, pero tan jodidamente bien empleada que consiguen que te leas el tebeo de un soplo, logrando que quedes irremediablemente enganchado. Es el ataque contra el Helitransporte de SHIELD que contiene a Lobezno en proceso de cura, miles de villanos haciendo aparición, con los héroes caídos en el bando contrario. No se puede decir que hayan giros inesperados, de hecho hay cosas muy predecibles (es obvio que Logan debía liberarse del control de la Mano) pero en este caso lo importante no es lo que cuentes, sino cómo lo cuentes. Y aquí es donde Millar lo borda, lo mejor de su etapa con creces.

Pero no es lo único, aunque los números siguientes no alcanzarán el nivel de los dos primeros de la saga, también tienen lo suyo y tenemos a Logan contra la Mano en otro de esos momentos que se quedan grabados en la retina, aunque lo cierto es que el guionista tampoco es que se deslomara por la conclusión, no es nada del otro mundo. Lo más interesante, sin embargo, es el origen del propio Gorgón y a lo que aspira, es uno de esos villanos que no pasarán a la Historia, pero tiene cierta carisma y resulta muy interesante, sobre todo a lo que se refiere a sus relaciones con una mujer que roza los noventa años. Quizá el guionista no debería habérselo quitado de en medio tan pronto, podría haber dado mucho más de sí y ahora una resurrección la veo difícil, por cómo acaban con él y tal.
Otro defecto es que estos números alcanzan la exageración y se pasan con algunos conceptos tales como la cantidad de muertos que arrastra Lobezno consigo (luego dicen de Punisher), y es que según Millar, la 2ª Guerra Mundial era un paseito en el parque al lado de esto, las cifras no pueden ser más exageradamente elevadas. Pero eso no es peor que la poca sincronización de ambas sagas con la continuidad del resto de las series de la editorial, cosas como Hydra gobernada por un irreconocible Varón Von Strucker (no se parece en nada al original ni al que luego aparecería en los Thunderbolts, aunque en mi opinión es mucho más interesante la versión de Millar) que tiene un final un tanto extraño y que seguro que se invalida en un tiempo (si es que no lo ha hecho ya). Lo cierto es que estos defectos son más de los editores que no se preocupan por sincronizar las series que otra cosa.

Es entonces el momento de hablar de la labor del dibujante John Romita Jr. Y es que esta etapa no habría sido lo mismo sin él, el hijo de uno de los mejores dibujantes de Spiderman que ha llegado a superar a su padre (en mi opinión, claro). Después de una larga temporada en las colecciones del trepamuros, el editor Joe Quesada decidió que sería bueno sacarle las telarañas (nunca mejor dicho) y llevarlo a realizar otras colecciones para ofrecer más variedad y versatilidad. Lo cierto es que en todas las que ha pasado ha demostrado que sabe captar el tono que debe tener el personaje con el que le toca lidiar y esta no es una excepción. Su debut con Lobezno coincide precisamente con el Reload, un movimiento editorial donde los mutantes vuelven a tener los trajes de superhéroes que tanto les caracterizaba, aunque con algunos cambios, todo sea dicho. Esto lo comento porque este dibujante ha sabido hacer temible al enano canadiense aun estando vestido de licra amarilla y es increíble el dinamismo con el que le ha caracterizado durante estos doce números. Pero es que esa es su mayor virtud, la buena mano que tiene con la narrativa, que es dinámica y efectiva, MUY efectiva, esto se nota sobre todo a la hora de componer para mostrar la acción, cosa que con Millar le ha ido realmente bien. Aparte, tiene un estilo muy personal, de los que odias o amas, este dibujante se caracteriza por realizar a los personajes de una forma muy poligonal, de manera que a veces más que personas parece que dibuje muñecos. Esto tiene un defecto y una virtud, el defecto es que a veces lo hace tan simple que se nota la vagancia y la falta de realismo (que está en auge hoy en día, con dibujantes tan hiper-realistas como Bryan Hitch y Greg Land) y la virtud es que este estilo aporta personalidad a la colección y el ya mencionado dinamismo.El caso es que realiza un buen trabajo, en ocasiones sorprendente, con unas splash-pages que quitan el hipo y sabe muy bien cómo dibujar a los personajes, cosa con la que aquí se explaya, pues ha pasado medio universo Marvel por esta etapa.
Mención aparte merece el entintador Klaus Janson, el que algunos recordaran por ser quien acompañó a Frank Miller en sus mejores trabajos, y se nota.

En definitiva, se trata de una corta etapa de doce números muy compacta, que ofrece acción a raudales y a Lobezno en estado puro luchando contra multitud de secundarios en uno de esos ataques contra medio universo Marvel que deberían ser carne de cañón para crossovers. En España esta etapa ha sido publicada por Panini en seis números dobles, altamente recomendables para cualquiera que quiera iniciarse a esta editorial o simplemente quiera leer un buen cómic de acción.

Los fans de Lobezno, por otra parte, tienen una cita imprescindible, hacía tiempo que Logan no tenía este nivel y menos en esta colección.

El Código Da Vinci, ¿por qué tanto odio?

2006-05-21T15:36:00.000+02:00

Año: 2006.
Duración: 149 minutos.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Ron Howard.

Antes de ir a verla al cine (pues he leído el libro antes y me atraía la idea de ver cuánto lo habían respetado) me estaba encontrando con miles de críticas negativas, siendo la más persistente la de que estamos ante una película soberanamente aburrida, anticlimática y pretenciosa. Pero en el Festival de Cannes los críticos no se quedaron cortos, y no mostraron ni un atisbo de piedad a la hora de hablar de ella, la han tildado de bodrio, torpe, basura y porquería. Para mí, en mi opinión, aquellos que utilicen estos apelativos para referirse a una película de una manera un tanto altiva, no son críticos que me parezcan juiciosos y dignos de ese nombre, a no ser que sean capaces de explayarse con unos argumentos lo suficientemente convincentes. El caso es que esta adaptación ha cosechado muchísima mala fama, ya sea porque está basada en uno de los best-sellers más extraños de la época (pues no es un gran libro que merezca tantísimas ventas, que digamos, aunque tampoco lo calificaria de bodrio y creo que hay libros con mayor fama muchísimo peores) o por la polémica que ha surgido por el uso que hace Dan Brown (el escritor del mismo) de la Iglesia y, sobre todo, del Opus Dei.

Sorprendentemente, quizá por haberlo leído, la película me ha entretenido y enganchado bastante, me ha dejado literalmente pegado a la pantalla, de hecho han sido dos horas y media que se me han pasado volando. Además, no solo sigue a la perfección el argumento del libro, sino que encima tiene una calidad técnica sobresaliente, a esto me refiero que he quedado gratamente sorprendido ante ciertas escenas de flashbacks sobre la Historia antigua, con los Templarios en plena batalla o las localizaciones de la película, desde luego se nota el presupuesto.

Estamos ante la historia de Robert Langdon (Tom Hanks), un historiador que se ve involucrado en un asesinato donde nada es lo que parece y en él hay unas pistas para desvelar un enigma que podría cambiar la Historia (así, en mayúsculas) tal y como la conocemos, llegando a destrozar la fe en la Iglesia. Durante el camino, que en verdad será una persecución y un tira y afloja de varios bandos que luchan por sus intereses, se encontrará con secundarios como Sophie Neveau (Andrey Tatou) y el inglés Teabing (Ian McKellen). Por el bando contrario tenemos por un lado a Silas (Paul Bettany), enviado del Opus Dei que trabaja para alguien que se hace llamar el Maestro y la policía francesa al mando de Fache (Jean Reno).

Pues eso, la película no tiene un mal ritmo, y aunque de primeras da la impresión de que la cosas pasan demasiado deprisa (coño, la escena del museo dura casi la mitad del libro y es despachada en menos tiempo de lo esperado), luego ves que es lo adecuado para poder concentrarse en diferentes momentos del libro donde hay que explayarse más, como por ejemplo, la explicación de Teabing con respecto al Santo Grial, momento clave del film y el argumento original.
De hecho, el ritmo me ha parecido excelente y la precisión con el libro fabulosa, salvo en algunos detalles como cierta costumbre del abuelo de Sophie (donde no se explayan lo suficiente, la verdad) o la enemistad entre Aringanosa (Alfred Molina) y Fache, cuando en verdad deberían haber acabado siendo lo que eran, amigos y fieles en su propia causa. Pero es normal, teniendo en cuenta que estamos hablando de un tocho de más de quinientas páginas.

Lo único negativo podría ser las imprecisiones del argumento, creo que lo que ha hecho más mal que bien tanto a la película como al libro ha sido la publicidad que les ha dado algunos historiadores que pretendían poner el argumento como verídico y un gran descubrimiento para la humanidad, como si Dan Brown fuese un descubridor que pretende abrirnos los ojos a través de esta historia de persecución policial y enigmas sin resolver. Pero pienso que exigirle total veracidad a esta película es ridículo, estamos ante una adaptación de una novela de ficción (énfasis en esta palabra, por favor) donde se explican cosas con cierto realismo y documentación, haciéndolo lo más creíble posible, excepto por el final, que es muy previsible además (ya huele el tema del Elegido y tal).

Así pues, como he leído en una crítica por ahí (de las pocas positivas que hay aparte de esta), estamos ante una especie de Indiana Jones pero sin látigo ni tanta acción (y ya puestos, con un protagonista sin carisma, sobre todo por culpa del actor), aunque sí con aventura, ya que durante el metraje estamos presenciando un tira y afloja, así como una persecución constante que llega a ser emocionante en algunos momentos. No es un gran argumento ni la historia que cambiará tu vida para siempre, de hecho algunos momentos están pillados con pinzas y el final... Bueno, digamos que será capaz de dar un poco de vergüenza ajena a más de uno, aparte de que se hace realmente largo, ya que da la impresión de que no acaba, tras desvelarse al fin el enigma, o al menos eso parecía. Pero no es algo que destroce toda la película, ni mucho menos, una película a la que se le ha exigido más de lo que se debería, teniendo en cuenta el libro que adapta. Y es que la fama es y puede ser MUY negativa, y más si unos cuantos críticos la ponen por los suelos con abucheos incluídos. Lo gracioso es que en la sala donde estuve hubieron aplausos al acabar la película, seremos ignorantes...

Lo que más me ha disgustado ha sido, sin duda, la elección de Tom Hanks como actor, que me ha parecido realmente risible y ridícula, quedándose con una cara de bobo cada dos por tres que daban ganas de pegarle tres tortazos para ver si espabilaba. Es un gran ejemplo de cómo escoger al actor más inadecuado posible, está realmente desacertado, es inexpresivo a más no poder y parece que actúe con desgana. Para colmo, delante de Tatou (Sophie, por cierto) parecía el padre de la chiquilla, no había ni un ápice de química entre ellos, casi me alegré de que no se insinuara amor entre ellos, de hecho yo pensaba que era más bien un afecto paternal, más que otra cosa. Los demás, soberbios, desde Ian McKellen (como siempre, en su salsa) hasta Paul Bettany, que interpreta a un Silas temible y perverso, aunque da la impresión de que es un Sith en busca del poder que destruirá el universo. Sin olvidar a Alfred Molina (que tampoco realiza un papel destacable y acentúa la idea de que la Iglesia es representada como el lado Oscuro y maléfico de la Fuerza) y a un Jean Reno que está eternamente cabreado en la persecución, pero hace lo que puede.

En definitiva, no es una obra maestra (el libro no lo es, así que...) pero se deja ver, es entretenida y ofrece un argumento muy interesante, por muy ficticio que sea. Patina un poco en los diálogos (algunos risibles) pero no estropean el conjunto de una película que tiene un buen ritmo y secuencias muy interesantes. ¿Por qué tanto odio hacia ella? Si te gustó el libro, no lo dudes, que está muy pero que MUY bien tratado. Interesante y recomendable, las críticas no le hacen justicia.

Ed Gein, el padre de Leatherface, Norman Bates y Buffalo Bill.

2006-05-15T13:23:00.000+02:00

Año: 2000.

Duración: 89 minutos.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Chuck Parello.

Aunque muy tarde (teniendo en cuenta la fama que ha tenido este asesino a lo largo de los años), Ed Gein acabó teniendo su propia película, cuyo título es, precisamente, su propio nombre. Chuck Parello es quien se encarga de realizar la biografía del llamado demonio de Plainfield. Os preguntaréis quién diablos fue este hombre. Pues bien, ni más ni menos que el psicópata culpable de que existan personajes como Leatherface, Buffalo Bill y Norman Bates, pues los creadores de éstos se basaron en él para sus historias, costumbres y modus operandi. Todo un encanto de persona, ¿verdad?
Sobre su historia, destacar que fue un hombre que siempre vivió en las faldas de su madre, una fanática religiosa que tuvo a su hijo totalmente reprimido sexualmente y apartado de la sociedad solo porque ella creía que todos eran unos pecadores y no quería que acabara como ellos. Esto hizo de él un hombre totalmente dependiente que, cuando vio a su madre morir, se quedó completamente solo y con un gran trauma que le llevó a realizar diferentes actos como el asesinato y la colección de cadáveres, interesado sobre todo por los libros que trataban sobre el tema. Si es que la represión es "mu mala", hombre.

Pues bien, la película se encarga de relatar estos sucesos reales de un modo casi biográfico y documental. El problema es que, aunque no escatima en detalles y muestra gran parte de la historia real con cierto análisis en la mente de este perturbado psicópata, el aire a lo telefilm barato no hace justicia a un argumento basado en hechos reales que bien podría ser realmente inquietante. Aparte, el tratamiento que se hace del asesino es excesivo, demasiadas interpretaciones ayudan a no creerse parte de la historia y hay momentos en los que te preguntas por qué se inventan o reinterpretan escenas de cualquier manera. Por otro lado, el modo lineal en el que se cuenta la historia tampoco ayuda, apenas hay capacidad para la sorpresa y, salvo por el final, no hay ninguna escena de gran impacto. No pido gore ni sensacionalismo barato, que al menos la película no cae en esos derroteros (esta es una gran virtud), pero sí un poco más de valentía en la dirección y el modo de enfocar tan impactante historia debería ser más atrayente e interesante.

Un ejemplo de las escenas reinterpretadas en la película con respecto a los sucesos reales es la entrada de Gein, siendo un niño, en el matadero particular de su casa, que es un tanto desconcertante, porque vemos que los padres se percatan de la presencia del chaval y el padre le riñe para luego intentar echarlo por las malas. Sin embargo, la madre mima al pobre niño y le cuenta lo malo que es su marido, simplemente se concentra en decir eso y poco más. Pues bien, supuestamente, ambos progenitores debieron haber seguido con su tarea, tan solo la madre se percataría y permitiría la observación del hijo menor, de una manera bastante retorcida. Al menos, eso decía Gein durante el interrogatorio, ya que sería uno de los momentos de su vida que más repetiría con gran fervor.
Otro ejemplo sería la muerte del hermano, Henry, que si bien fue bastante misteriosa y difícil de concretar, está realizada de un modo bastante chapucero en el film y, encima, contradice completamente los hechos reales, pues se suponía que murió desnucado lejos de los restos calcinados del granero, que estaba en llamas en un incendio. Nada que ver con el golpe de culata que le asesta Gein en la película, que nos quiere hacer creer que lo hizo porque Henry pretendía irse de casa y despotricaba contra la madre. Esto último sí que corresponde con lo que pasó, aunque venía de lejos y no profundizan en ello.

Por otro lado, en la película abusan de los flashback (donde, por otra parte, se obvian detalles como la lejanía del hogar del asesino con respecto al pueblo y la dependencia de Ed Gein con la madre, aunque al menos no olvidan el fuerte complejo de Edipo) y faltan retazos de gran importancia como aquel del niño que ve las cabezas de los cadáveres en la habitación de Gein y lo comenta, más tarde, a sus padres, para que luego éstos no tomen crédito de las palabras del infante y simplemente pasen del tema, alegando que se trata de la ferviente imaginación de un niño. Aunque lo peor es esa manera de mostrar el fantasma de la difunta madre diciéndole al hijo a quién debe matar y por qué, sinceramente, muy fuera de lugar y un recurso fácil a la hora de intentar buscar una explicación de por qué hace lo que hace.
Pero todo esto no quiere decir que la película tenga sus cosas buenas, que las tiene, el propio Ed está muy logrado (el actor, Steve Raisbalck, está muy bien dentro del papel) y esa manera que tiene de pasar desapercibido por el pueblo está muy conseguida, como el tonto del pueblo que algunos apreciaban a pesar de sus excentridades. Así como la casa de los horrores, aunque creo que debería ser mucho más terrorífica de lo que puede verse.

Lo dicho, es una película correcta que presenta la biografía de este psicópata, aunque considero que no está a la altura de la leyenda de aquel que inspiró a Thomas Harris para el Silencio de los Corderos, a Robert Bloch para Psicosis y a Tobe Hooper para la Matanza de Texas. Bastante floja, aunque ganó dos premios en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya, celebrado en Sitges, donde fue reconocida en las categorías de Mejor Película y Mejor Actor, Steve Railsback, sin duda lo más meritorio de esta producción.